KUKJE GALLERY
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1 Jenny Holzer Reveals HURT EARTH, a Series of Large-scale Light Projections across the UK

Jenny Holzer, HURT EARTH, 2021
© 2021 Jenny Holzer, member Artists Rights Society (ARS), NY / DACS, UK
Photo: Adam Kenrick


Artist: Jenny Holzer
Exhibition Venues & Dates:
October 29 – 31, 2021 Tate Modern, London, UK
November 8, 2021 Edinburgh Castle, Edinburgh, UK│SEC Armadillo, Glasgow, UK
November 9 – 11, 2021 Met Tower, Glasgow, UK
November 12 – 14, 2021 Pop-up locations across Edinburgh, UK
Website: https://artforyourworld.wwf.org.uk/blog/40-news-jenny-holzer-hurt-earth-at-tate-modern-supporter-spotlight/

The American contemporary artist Jenny Holzer recently revealed a series of large-scale light projections, under the title HURT EARTH (2021), across the UK. This project coincides with the 26th annual United Nations Climate Change Conference of the Parties (COP26), which takes place in Glasgow and brings together leaders and delegates from approximately 120 countries. Intended to raise awareness of the climate crisis—one of the greatest challenges faced by humanity today—HURT EARTH launched at London’s Tate Modern and has traveled to major UK landmarks including Edinburgh Castle, the SEC Armadillo, and the Met Tower, and will be followed by a series of pop-up locations in Edinburgh through November 14, 2021.

For the past four decades, Holzer has utilized text as her primary medium to address pressing social issues and advocate political justice. For HURT EARTH, the artist has projected excerpts of writings, testimonies, speeches, and interviews from approximately 40 international leaders and activists onto different buildings, highlighting the precarious state of the climate crisis—an issue Holzer has always followed closely. Of the texts incorporated into the artwork includes a quote by the Swedish environmental activist Greta Thunberg, “IF WE CHOOSE TO ACT TOGETHER THERE ARE NO LIMITS TO WHAT WE CAN ACCOMPLISH,” along with one by Theodore Roosevelt, the 26th President of the United States, “THERE IS NOTHING MORE PRACTICAL IN THE END THAN THE PRESERVATION OF BEAUTY.” The use of such determined and intuitive language compellingly highlights the alarming intensity of climate change.

Inviting viewers to contemplate the bleak reality of the climate crisis, the sentences projected onto the façade of each building transforms what was once a familiar edifice into an entirely new piece of architecture. At a time when solidarity and collective action are most needed in order to address the current climate crisis, Holzer’s work initiates essential discourse on social and political activism within the art world.

제니 홀저, 영국 전역에 초대형 프로젝션 작업 <HURT EARTH>(2021) 공개

미국의 현대미술가 제니 홀저가 초대형 프로젝션 작업 <HURT EARTH>(2021)를 영국 전역에 선보인다. 기후위기에 대응하기 위해 세계 120여 개국의 정상이 참가, 영국 글래스고에서 개최되는 제26차 유엔기후변화협약 당사국총회(COP26)를 맞이해 기획된 본 프로젝트에서 작가는 기후변화라는 공통의 과제에 직면한 전세계에 경종을 울리는 메시지를 전한다. 작품은 런던의 테이트모던을 시작으로 오는 11월 14일까지 에든버러 성, SEC 아르마딜로, 메트 타워 등 영국의 주요 랜드마크에서 순차적으로 전시된다.

제니 홀저는 지난 40년간 언어를 주요 재료로 삼아 사회적 문제를 공론화하는 작업을 지속해왔다. 본인이 평소 관심 있게 바라본 기후변화 문제를 작업으로 승화한 이번 프로젝트에서 그는 전 세계 40여 명의 환경운동가 및 지도자들의 글과 연설 및 인터뷰에서 발췌한 문구를 건물에 투사하는 방식을 통해 기후위기의 심각성을 강조한다. 홀저는 스웨덴의 10대 환경운동가 그레타 툰베리(Greta Thunberg)의 연설에서 발췌한 “함께 행동하기로 결정한다면 우리가 성취할 수 있는 것엔 한계가 없다(If we choose to act together, there are no limits to what we can accomplish)”와 미국의 26대 대통령 시어도어 루스벨트(Theodore Roosevelt)의 명언 “아름다움을 보존하는 것만큼 실용적인 일은 없다(There is nothing more practical in the end than the preservation of beauty)”등 강경하고도 직관적인 문장들로 고조되는 기후위기에 대한 경각심을 일깨운다.

각 건물의 전면에 투사되는 제니 홀저의 글귀는 현지인들에게 친숙한 건물을 낯설고 새로운 공간으로 변모시킬 뿐만 아니라 이들로 하여금 인류가 당면한 현실을 직시하게 한다. 더 나아가 세계적 의제로 떠오른 기후위기에 대처하는 국제사회의 강화된 행동과 연대가 그 어느 때보다 절실한 지금, 홀저의 프로젝션 작업은 미술을 비롯한 문화예술계 내에서도 환경문제를 둘러싼 담론을 촉발하는 실천적인 예술로 크게 주목받고 있다.

[Source from ‘HURT EARTH’ press release, provided by Jenny Holzer Studio and Sutton]
 
 
2 Lee Ufan, Subject of Major Solo Exhibition Requiem at Alyscamps, Arles, France

Installation view of Requiem at Alyscamps, Arles, France.

Artists: 이우환(Lee Ufan)
Exhibition Dates: October 30, 2021 – September 30, 2022 
Exhibition Venue: Alyscamps, Arles, France
Website: https://www.studioleeufan.org/latest/2021/10/11/1afavh5b0iy292j5a97f9s32vcmjw7

The celebrated contemporary artist Lee Ufan is the subject of a solo exhibition titled Requiem at Alyscamps, Arles, in the south of France, on view from October 30, 2021, through September 30, 2022. A renowned tourist destination facing the Mediterranean Sea, Arles is known for its rich history and cultural heritage often associated with the Dutch Post-Impressionist painter Vincent van Gogh, who produced more than 300 paintings during his stay in the city. Arles is home to Alyscamps—one of the eight UNESCO World Heritage Sites in the city—a large Roman necropolis known for its alleys aligned with thousands of sarcophagi and the Romanesque Church of Saint-Honorat. In celebration of the 40th anniversary of the necropolis’ inscription on the World Heritage List, Alfred Pacquement, the former director of the National Museum of Modern Art, Centre Pompidou, has curated an exhibition that presents 14 new works by Lee. This carefully curated selection of works includes those from Lee’s signature series Relatum and Dialogue, along with other sculptures and paintings. The artist, who has continuously explored the dynamics between his work and its setting, exquisitely transforms the historic site into a space where each work enters into a dialogue with its surrounding monuments.

Since 1972, Lee has consistently presented his installation series entitled Relatum. With stones arranged on a steel plate, Lee’s Relatum series highlights the tension between nature and the artificial, along with the interrelationships of matter and space. Featuring concise brushstrokes on an otherwise bare canvas, Lee's Dialogue series once again delivers a deep resonance across the cemetery by activating the relationship between contrasting elements such as the painted and the unpainted, and presence and absence. Spanning the necropolis from the entrance to the interior of the Church of Saint-Honorat, each of the 14 works form a dialogue with the sarcophagi and surrounding nature, creating a tension between life and death, modern and ancient. In April of next year, a third permanent exhibition space—designed by the renowned Japanese architect, Tadao Ando—solely dedicated to Lee’s work is due to open in Arles following the opening of the Lee Ufan Museum in Naoshima, Japan (2010) and Space Lee Ufan at Busan Museum of Art, Korea (2015). 

이우환, 프랑스 남부 아를 알리스캉에서 개인전 《Requiem》 개최

현대미술의 거장 이우환의 개인전 《Requiem》이 프랑스 남부 아를(Arles)에 위치한 알리스캉(Alyscamps)에서 10월 30일부터 11개월 정도 선보인다. 지중해에 접한 휴양 도시 아를은 고흐가 300여 점이 넘는 그림을 그린 것으로 알려진 예술과 역사의 도시이다. 특히 아를의 8대 세계유산 중 하나인 알리스캉은 고대 로마인들의 독특한 무덤 문화가 담긴 공동묘지로 석관이 늘어선 골목과 로마네스크 양식의 생토노레 교회(Church of Saint-Honorat)가 조화를 이루는 곳이다. 유산 등재 40주년을 맞아 퐁피두센터 국립 근대미술관장을 역임한 큐레이터 알프레드 파퀴망(Alfred Pacquement)과 함께 기획된 이번 전시에서 이우환은 ‘관계항(Relatum)’, ‘대화(Dialogue)’를 비롯한 주요 신작, 조각과 회화 14점을 소개한다. 평생 주변 공간과 관계 맺으며 교감하는 작품을 선보여온 작가의 작업이 알리스캉의 오랜 유적들과 함께 호흡하게 된 셈이다.

이우환은 1972년부터 ‘관계항’이라는 이름의 설치 작품을 지속적으로 발표해왔다. 인위적으로 가공된 공업 용재 ‘철판’과 자연의 산물인 ‘돌’로 구성된 이 작업은 자연과 주변 환경, 다른 물질과의 관계를 형성하는 하나의 장(場)을 표현한다. 간결한 붓 자국과 캔버스의 여백이 조화를 이루는 ‘대화’ 연작은 이번에도 그림을 그린 부분과 그리지 않은 부분, 존재하는 것과 존재하지 않는 것이 서로 상호작용하며 묘지 공간에 깊은 울림을 주고, 석관이 늘어선 입구부터 교회 내부까지 곳곳에 전시된 작품들은 로마 시대의 유적 및 자연과 긴장감을 유지하면서 죽음과 삶, 고대와 현대를 아우른다. 내년 4월에는 일본 나오시마(2010년 개관), 부산(2015년 개관)에 이어 세 번째로 아를 시내에 이우환 미술관이 개관 예정이며, 유명 건축가 안도 다다오(Ando Tadao)가 건축 설계를 맡았다. 

[Source from Studio LeeUfan website]
 
 
3 Wook-kyung Choi, Subject of Major Retrospective Wook-kyung Choi, Alice’s Cat at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Gwacheon, Korea

Installation view of Wook-kyung Choi, Alice’s Cat at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Gwacheon, Korea

Artists: 최욱경(Wook-kyung Choi)
Exhibition Dates: October 27, 2021 – February 13, 2022 
Exhibition Venue: National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Gwacheon, Korea
Website: https://www.mmca.go.kr/eng/exhibitions/exhibitionsDetail.do?exhId=202101190001357

The Korean contemporary artist Wook-kyung Choi is the subject of a major retrospective titled Wook-kyung Choi, Alice’s Cat, which opens on October 27, 2021, at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) in Gwacheon, Korea. Choi is known for her bold abstract paintings and works on paper which signaled a timely intercultural exchange between the United States and Korea. The exhibition title stems from the novel Alice’s Adventures in Wonderland by Lewis Carroll (1832-1898), which left a profound influence on Choi’s artistic vocabulary. Presenting a tightly curated, comprehensive selection of approximately 200 works and ephemera, spanning early self-portraits from 1953 to later works created in 1985 before the artist’s untimely passing, Wook-kyung Choi, Alice’s Cat heralds Choi’s multifaceted talent as an artist, educator, and poet. 
 
The title of the exhibition—Wook-kyung Choi, Alice’s Cat—represents the explorations Choi undertook as an artist as she traveled back and forth from Korea and the United States after her first visit to the latter country in 1963. Simultaneously, it sheds light onto the artist’s commitment to literature—as a prolific poet, Choi published her English poems under the title Small Stones (1965) and 45 of her Korean poems (one of which included Alice’s Cat) under the title Like Unfamiliar Faces (1972) throughout her lifetime. 

The retrospective, which multilaterally reflects on Choi’s artistic language, is divided into four chronologically organized sections. The exhibition begins with ‘To America as Wonderland,’ featuring works created between 1963 and 1970, when the artist first became exposed to the latest shifts in American contemporary art and fully embraced these canons in her abstract and black-and-white paintings during her studies in the U.S. Between 1971 and 1978, Choi worked on large-scale abstract paintings while traveling between Korea and the U.S., showcased in the second section titled ‘Korea and America, In between Dream and Reality.’ ‘To the Mountains and Islands of Korea and the Home of Choi’s Painting’ presents Choi’s unique interpretation of Korean nature, which developed during her tenure as a professor at Yeungnam University and Duksung Women’s University upon her return to Korea in 1979. Choi’s self-portraits from the early 1950s to the 1970s constitute the final section, ‘Epilogue. Mirror Room: The Beginning of a New Story.’ The exhibition, which provides an opportunity to rediscover Choi as one of the leading figures of Korean abstract art, far beyond her existing reputation as a genius painter who died young, runs through February 13, 2022. Meanwhile, Choi’s works are also on view at the Guggenheim Museum Bilbao’s special group exhibition, Women in Abstraction, through February 27, 2022.

최욱경, 과천 국립현대미술관에서 대규모 회고전 《최욱경, 앨리스의 고양이》 개최

한국을 대표하는 추상미술가 최욱경의 대규모 회고전 《최욱경, 앨리스의 고양이》가 과천 국립현대미술관에서 10월 27일부터 열린다. 강렬한 색채와 대담한 필치의 작업으로 국제적인 동시에 한국적인 추상회화의 기법을 이끈 최욱경의 이번 회고전은 그의 작업세계에 큰 영향을 미친 것으로 알려진 루이스 캐럴(Lewis Carroll, 1832-1898)의 소설 『이상한 나라의 앨리스(Alice’s Adventures in Wonderland)』에서 제목을 차용하였다. 1953년 초기 자화상부터 1985년 작고하기까지의 작품 및 자료 200여 점을 선보이는 이번 대규모 회고전은 화가, 미술 교육자, 시인으로 전방위적인 활동을 펼친 작가의 총체적인 이력을 조망한다. 

‘최욱경, 앨리스의 고양이’ 전시명은 1963년 처음 미국으로 건너가, 이후 한국과 미국을 오가며 새로운 세계를 탐색해온 작가를 상징하는 동시에 1965년 영문 시집 『작은 돌들(Small Stones)』, 1972년 「앨리스의 고양이」를 비롯한 시 45편을 수록한 국문 시집 『낯설은 얼굴들처럼』을 출간한 작가의 문학적 이력을 통해 그의 작업을 조망하고자 하는 의미를 지니고 있다. 

최욱경의 예술 세계 전반을 다각적으로 선보이는 이번 회고전은 크게 4개 공간으로 나뉘어 진행된다. 1963년부터 1970년까지 미국 유학 시기에 미국 동시대 미술을 폭넓게 수용한 추상회화 및 흑백 회화를 선보이는 '미국이라는 원더랜드를 향하여'를 시작으로 1971년부터 1978년까지 한국과 미국을 오가며 구상과 추상이 결합된 대규모 추상미술 작품들을 작업한 '한국과 미국, 꿈과 현실의 사이에서'가 이어진다. 계속되는 공간에서는 1979년 미국에서 귀국한 이후 영남대와 덕성여대에서 교수로 재직하며 한국의 자연을 주제로 작업한 작품들을 선보이는 ‘한국의 산과 섬, 그림의 고향으로’, 마지막으로 '에필로그. 거울의 방: 새로운 이야기의 시작'에서는 1950년대 초부터 1970년대까지 작가가 제작한 자화상을 선보인다. 요절한 천재 여성작가라는 기존의 평가를 넘어 한국 대표 추상미술가로서의 예술 세계 전반을 주목하는 이번 전시는 내년 2월 13일까지 계속된다. 한편 최욱경의 작품들은 현재 구겐하임 빌바오 미술관에서 열리는 기획전 《Women in Abstraction》(2022년 2월 27일까지)에서도 만나볼 수 있다. 

[Source from MMCA press release]
 
 
4 Elmgreen & Dragset, Subjects of Elmgreen & Dragset - 14th Robert Jacobsen Prize of the Würth Foundation at Museum Würth 2, Germany

Installation view of Elmgreen & Dragset - 14th Robert Jacobsen Prize of the Würth Foundation at Museum Würth 2
Photo: Würth/Ufuk Arslan


Artists: 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)
Exhibition Dates: October 5, 2021 – February 6, 2022 
Exhibition Venue: Museum Würth 2, Künzelsau, Germany
Website: https://kunst.wuerth.com/en/museum_wuerth_2/ausstellung/aktuelle_ausstellungen_2/elmgreen___dragset_14__robert_jacobsen_preis_der_stiftung_wuerth/elmgreen___dragset.php

Internationally acclaimed for their witty yet critical interpretations of social and everyday stereotypes, the Scandinavian artist duo Elmgreen & Dragset have been named by the Würth Foundation as the recipients of the 14th Robert Jacobsen Prize. In celebration of this occasion, the duo are currently the subjects of the solo exhibition Elmgreen & Dragset – 14th Robert Jacobsen Prize of the Würth Foundation, running from October 5, 2021, at Museum Würth 2, Künzelsau, Germany. Established to commemorate the work of the renowned Danish sculptor Robert Jacobsen (1912-1993), the eponymous award selects one contemporary artist on a biannual basis, with the winner receiving an endowment of €50,000 from the Würth Foundation. Previous recipients of the Robert Jacobsen Prize include Eva Rothschild (2018/19), Yngve Holen (2016/17), Michael Sailstorfer (2014/15), Jeppe Hein (2012), and Lun Tuchnowski (1993). The foundation commended the duo’s work for “[t]heir multifaceted work [which] oscillates between seriousness and absurdity,” and which “show[s] a high social relevance and extreme urgency."

On the occasion of the award, a major selection of Elmgreen & Dragset’s works will be on display across the Belvedere and the sculpture garden at Museum Würth 2, located in the Baden-Württemberg state, in south central Germany. Statue of Liberty, Fig. 2 (2018-2021), a sculpture that takes the form of an ATM that stands upon an original concrete fragment of the Berlin Wall, discusses how independence cannot be exchanged as currency often is, and reassesses the history of East Berlin. Displayed inside the Belvedere are works such as The Observer (2019), portraying a solitary man deep in thought on a balcony that represents private and public boundaries, Watching (2016), and The Painter. Adaptation, Fig. 2 (2018), previously shown at the duo’s solo exhibition with Kukje Gallery back in 2019, is placed in the sculpture garden. While the work takes the shape a conventional safety sign, its mirror-like stainless steel surface reflects its surroundings and visitors, providing an opportunity to reexamine the familiar canons of everyday life. Elmgreen & Dragset’s comprehensive presentation runs through February 6, 2022. 

엘름그린 & 드라그셋, 독일 브뤼트 미술관에서 ‘제14회 로버트 야콥센 상’ 수상전 개최 

덴마크 출신의 아티스트 듀오 엘름그린 & 드라그셋의 ‘제14회 로버트 야콥센 상’ 수상을 기념하는 전시가 독일 남부의 뷔르트 미술관에서 10월 5일부터 열린다. 사회적, 일상적 클리셰에 끊임없이 질문을 제기하고, 이를 특유의 위트와 비판정신으로 표현해온 엘름그린 & 드라그셋은 올해 ‘제14회 로버트 야콥센 상’ 수상자로 선정되었다. 덴마크의 저명한 조각가 로버트 야콥센(Robert Jacobsen, 1912-1993)을 기리기 위해 독일 뷔르트 재단에서 제정한 ‘로버트 야콥센 상’은 2년에 한 번씩 영향력 있는 현대미술가를 선정, 상금으로 5만 유로를 수여한다. 1993년 룬 터크나우스키를 시작으로 예페 하인(2012), 마이클 세일스토퍼(2014/15), 윙페 홀렌(2016/17), 에바 로스차일드(2018/19) 등이 최근 이 상을 수상한 바 있다. 뷔르트 재단은 “엘름그린 & 드라그셋의 다면적인 작업은 진지함과 위트를 오가며, 사회적으로 가장 시급한 문제들을 다룬다”며 수상 이유를 밝혔다. 

이번 수상을 기념하여 엘름그린 & 드라그셋은 독일 남부 바덴뷔르템베르크주에 위치한 뷔르트 미술관에서 벨베데레 갤러리와 정원 공간을 아울러 주요 작품들을 선보인다. 베를린 장벽 돌조각에 세워진 ATM 기기 작품 <Statue of Liberty, Fig. 2>(2018-2021)는 화폐와는 달리 결코 교환될 수 없는 자유, 그리고 역사 속으로 사라진 동독에 대해 논평한다. 벨베데레 갤러리 내부에는 공과 사의 경계인 발코니에서 홀로 사색에 잠긴 어느 개인의 자화상인 <The Observer>(2019)와 함께 <Watching>(2016), <The Painter> 등 대표 작품이 설치되어 있다. 정원에는 지난 2019년 국제갤러리 개인전에서도 선보인 바 있는 <Adaptation, Fig. 2>(2018)가 전시된다. 일반적인 안전표지판에서 그 형식을 차용하되 거울 표면처럼 매끄럽게 처리된 스테인리스 스틸로 제작된 작품은 작품이 놓인 정원 공간과 그 안에 있는 관람객의 존재를 함께 반영함으로써 일상의 규칙들을 반추할 수 있는 환경을 조성한다. 엘름그린 & 드라그셋의 작업 세계 전반을 조망할 수 있는 이번 전시는 내년 2월 6일까지 계속된다.

[Source from Museum Würth 2 press release]
 
 
5 Jean-Michel Othoniel, Subject of Major Solo Exhibition The Narcissus Theorem at the Petit Palais, Paris

Jean-Michel Othoniel, Gold Lotus, 2019
Courtesy of the artist and Perrotin
© Jean-Michel Othoniel / Adagp, Paris, 2021
Photo: Claire Dorn


Artists: 장-미셸 오토니엘 (Jean-Michel Othoniel)
Exhibition Dates: September 28, 2021 – January 2, 2022 
Exhibition Venue: Petit Palais, Paris, France
Website: https://www.petitpalais.paris.fr/en/expositions/narcissus-theorem

The French contemporary artist Jean-Michel Othoniel is the subject of a major solo exhibition titled The Narcissus Theorem, which runs from September 28, 2021, through January 2, 2022, at the Petit Palais in Paris, France. Othoniel’s largest exhibition held in Paris since his retrospective My Way at the Pompidou Centre in 2011, the comprehensive presentation introduces a collection of approximately 70 new works across the historical museum and its gardens. For the show, the artist demonstrates a magical interpretation of reality that exists in harmony with the culturally enriching venue’s natural surroundings, displaying works within the pools of the museum gardens and suspending them from tree branches. 

Blue River (2021), one of the exhibition’s most stunning installations installed at the entrance of the stairway to the museum, evokes the glistening surface of a river. Comprised of bricks created in collaboration with Indian glass artisans, the aquamarine and gold-toned work exudes a mystical and spiritual atmosphere. Meanwhile, Othoniel explores the infinite possibilities of the glass bead as a medium and highlights its versatility in both size and form through works including his Wild Knots series, rooted in the reflection theory developed by the Mexican mathematician Aubin Arroyo, his long-term friend and collaborator; his Necklaces series, which delivers a unique colorful exuberance; and Crown of the Night (2008), a beautiful chandelier-shaped glass crown.

장-미셸 오토니엘, 파리 프티 팔레 미술관에서 대규모 개인전 《The Narcissus Theorem》 개최

프랑스 현대미술가 장-미셸 오토니엘의 대규모 개인전 《The Narcissus Theorem》이 파리 프티 팔레 미술관의 초청으로 9월 28일부터 내년 1월 2일까지 개최된다. 지난 2011년 퐁피두 센터에서의 회고전 《My Way》 이후 파리에서 가장 큰 규모로 선보이는 작가의 이번 개인전에서는 유서 깊은 미술관과 정원을 배경으로 한 신작 70여 점을 소개한다. 작품을 물 한가운데 배치하거나 나무에 매다는 등 인류의 문화유산 및 자연과 조화를 이루는 동시에 현실을 초월한 듯한 환상의 세계는 프티 팔레를 찾는 각국의 관객들을 매료시키고 있다.

미술관을 향한 계단을 따라 설치된 <Blue River>(2021)는 이번 전시의 대표작 중 하나로, 다채로운 빛깔로 반짝거리는 푸른색 물결을 연상시킨다. 인도 유리공예장인이 만든 벽돌로 이루어진 작품은 흐르는 물을 닮은 아쿠아마린과 금색의 조화를 보여주며 신비롭고 영롱한 분위기를 연출한다. 한편 작가를 상징하는 유리구슬 작업 또한 고유한 작품으로 변주되어 전시장 곳곳에 자리하고 있다. 멕시코 출신의 젊은 수학자 오빈 아로요(Aubin Arroyo)의 반사이론에서 영감을 얻은 <Wild Knots> 연작, 다채롭게 빛나는 색감이 인상적인 <Necklaces> 연작, 화려한 샹들리에를 연상시키는 대형왕관 모양의 <Crown of the Night>(2008) 등 다양한 형태 및 사이즈의 작품들은 작가가 오랜 기간 매진해온 유리구슬 연작의 확장 가능성을 증명한다. 

[Source from The Narcissus Theorem press release]
 
 
6 Haegue Yang and Jae-Eun Choi Participate in the 2021 DMZ Art & Peace Platform

Haegue Yang, Migratory DMZ Birds on Asymmetric Lens – Kyott Kyott Vessel (Pale Thrush), 2021, soapstone, 3D printed resin, 161×70×150 cm
Courtesy of the artist


Artists: 양혜규 (Haegue Yang), 최재은 (Jae-Eun Choi)
Exhibition Dates: September 15 – November 15, 2021 
Exhibition Venues: 
Paju Guard Post, Korea 
UniMARU, Paju, Korea 
Jejin Station, Goseong-gun, Korea
Website: https://dmzplatform.com/artists

The contemporary artists Haegue Yang and Jae-Eun Choi are participating in the group exhibition 2021 DMZ Art & Peace Platform, a presentation of works by 32 Korean and international artists which discusses the past, present, and future of Korea’s demilitarized zone. Exhibited works are displayed across five locations—UniMARU, Dorasan Station, Jejin Station, the Paju Guard Post, and the National Institute of Unification Education—spanning Paju, Goseong-gun, and Seoul, Korea. Yang’s new work Migratory DMZ Birds on Asymmetric Lens – Kyott Kyott Vessel (Pale Thrush) (2021) is introduced at the Paju Guard Post, while two recent works by Choi—To call by Name (2019) and Nature Rules (2021)—are each shown at UniMARU and Jejin Station. 

Newly commissioned for the exhibition, Yang’s Migratory DMZ Birds on Asymmetric Lens – Kyott Kyott Vessel (Pale Thrush) was inspired by the audio element of birds chirping throughout the Inter-Korean Summit in 2018, which replaced the private conversation between the two leaders of the Korean Peninsula. Engraved with short Korean phrases and the work’s geographical coordinates within the DMZ, the asymmetrical, lens-shaped sculpture features a 3D printed, life-sized figure of a thrush sitting on top. Meanwhile, the bird’s disconnected head and body represents the harsh reality of a divided nation. The work references to Yang’s Migratory DMZ Birds on Asymmetric Lens series—revealed last year at the Clark Art Institute’s first outdoor exhibition titled Ground/work—which explores a narrative where these birds migrate back to the DMZ, coexisting with those that already inhabit the area. 

Meanwhile, Jae-Eun Choi, an annual participant of the DMZ Project since 2015, exhibits To call by Name (2019) and Nature Rules (2021) at UniMARU and Jejin Station. The former is an installation consisting of ceramic fragments onto which the names of 106 endangered plants native to the DMZ have been engraved, evoking subjects that have once existed yet are bound to be forgotten with the passing of time. The latter showcases a biotope map placed on a miniature DMZ model, highlighting the variety of plants that construct the local ecosystem. 

양혜규와 최재은, 《2021 DMZ 아트 & 피스 플랫폼》 참여

총 32명의 국내외 미술가들이 DMZ의 과거와 현재, 미래를 그리는 《2021 DMZ 아트 & 피스 플랫폼》전에 한국의 현대미술가 양혜규와 최재은이 참가한다. 오는 11월 15일까지 선보이는 이번 프로그램은 파주시 남북출입사무소의 Uni마루, 도라산역, 고성군의 제진역, 파주 철거 GP, 서울 국립통일교육원 등 총 5개의 공간에서 진행된다. 이중 파주 철거 GP에는 양혜규의 <비대칭 렌즈 위의 DMZ 철새 – 키욧 키욧 주형기舟形器 (흰배지빠귀)>(2021)가, Uni마루와 제진역에서는 최재은의 <이름 부르기>(2019), <자연국가(自然国家)>(2021) 작품 2점이 설치되어 있다. 

이번에 DMZ에서 선보이는 양혜규의 신작 <비대칭 렌즈 위의 DMZ 철새 – 키욧 키욧 주형기舟形器 (흰배지빠귀)>는 지난 2018년 4월 남북정상회담의 도보다리 회담 중 두 정상의 말소리 대신 지속적으로 들리던 새소리에 영감을 얻은 작업이다. 작품 위치가 기록되어 있는 위경도 정보와 다양한 문구가 새겨진 비대칭적 형태의 동석 위에 3D 인쇄된 실제 크기의 흰배지빠귀 모형을 배치했는데, 머리와 몸통이 절단된 채 전시되고 있는 문제의 새는 우리나라의 분단현실에 대한 메시지를 내포하고 있다. 지난해 미국 클라크 인스티튜트에서 개최된 《Ground/Work》전에서 작가가 선보인 <비대칭 렌즈 위의 DMZ 철새> 연작과도 연계되어 있는 이번 작품은 DMZ 철새가 비무장지대로 돌아와 현재 그곳에 서식하는 새들과 조우하는 모습을 그린다. 

한편, Uni마루와 제진역에서는 2015년부터 DMZ프로젝트를 진행해온 최재은의 <이름 부르기>와 <자연국가(自然国家)>가 전시된다. 106종의 멸종위기 식물들의 각각의 이름이 새겨진 세라믹 조각을 거울 위에 올려 완성된 <이름 부르기>는 한때는 존재했지만 점차 잊혀지는 것들의 이름과 그 존재들을 상기시킨다. 제진역에 위치한 <자연국가>의 경우, DMZ 모형 위에 비치된 ‘DMZ 생태 현황 지적도’를 통해 DMZ 생태계를 구성하는 다양한 식물군의 모습을 보여준다. 


[Source from 2021 DMZ Art & Peace Platform website]
 
 
7 Koo Bohnchang, Subject of a Major Solo Exhibition at Three Shadows Photography Art Centre, Beijing

Installation view of Lingering in Time: Koo Bohnchang's Photography (1990-2021) at Three Shadows Photography Art Centre, 2021. Courtesy of Three Shadows Photography Art Centre

Artist: 구본창 (Koo Bohnchang)
Exhibition Dates: September 4 – November 14, 2021
Exhibition Venue: Three Shadows Photography Art Centre, Beijing, China
Website: https://www.threeshadows.cn/exhibitions/159/overview/

Koo Bohnchang, one of the most celebrated Korean contemporary photographers, is the subject of a major solo exhibition titled Lingering in Time: Koo Bohnchang's Photography (1990-2021) at Three Shadows Photography Art Centre in Beijing, China, on view through November 14, 2021. The exhibition, which introduces approximately 80 works dating from the late 1980s to the present, marks the artist’s first solo exhibition in China and also the largest by a Korean photographer to date.

Three Shadows Photography Art Centre, the country’s first non-profit museum dedicated to photography, was founded in 2007 by Rong Rong, the Chinese photographer who played a pivotal role in developing photography as a prominent genre of contemporary art in China. Famous for its design by the renowned artist and architect Ai Weiwei, the institution has become a central platform for discovering new artists, hosting its annual Three Shadows Photography Award to support emerging Chinese photographers. The institution has also played a key role in establishing the presence of Chinese contemporary photography in the global art scene by organizing international symposiums and festivals dedicated to photography.
In a similar vein, Koo, both as an artist and curator, has played a seminal role in bolstering the reputation of Korean contemporary photography. Koo, who has presented his works in institutional group exhibitions across China, has maintained a special relationship with the country; he has discovered young artists and introduced their work to international audiences while serving as a judge at multiple Chinese photography contests. In 2018, he took part as an artist and portfolio reviewer in the Jimei x Arles International Photo Festival, further promoting the cultural exchange between the two countries.

Installed across the institution’s expansive space spanning approximately 4600 square meters, the exhibition presents thirteen of Koo’s important photographic series and two video works, along with archival materials that provide a survey of his wide-ranging artistic practice. This includes the critically acclaimed Vessels series, in which the artist photographs white porcelains from Korea’s Joseon Dynasty, reinterpreting their inherent traces of time and pure beauty in a contemporary context. In his Gold series, Koo photographs golden relics scattered across different institutions around the world, highlighting the brilliance of these objects and the history of human civilization with dramatic lighting. Remarkable for its unique pictorial beauty, Portraits of Time focuses on the traces of time apparent in images of frayed walls. Breath, which documents the artist’s dying father, is imbued with rich visual metaphors that represent the artist’s reflections on life and death. Also presented in the exhibition are series that exemplify Koo’s special interest in specific objects: Mask depicts a wide variety of Korean traditional masks worn in folk ceremonies, reflecting the unique spirituality of the Korean people and their traditional outlook on life and death, while Soap records the aesthetic simplicity found in the deteriorating form of an ordinary object.
The exhibition also highlights some of the artist’s earlier works. This includes the artist’s Sea of Thought series which was first produced in 1989, displayed with the original frame from 32 years ago. Other works employ methods that are less common in today’s technology hegemony era; In the Beginning is created by stitching together sheets of photographic prints with thread, while Stories in Ashes is comprised of prints with burnt edges. In an essay for the exhibition catalog, the photographer and curator Gu Zheng remarked, “Koo’s “quiet” photography helps us to appreciate the charm of the medium, as well as the innate depth of the national character of both the photographer and his work.” The exhibition, which introduces Koo’s extensive oeuvre of more than three decades, will travel to the same institution’s outpost located in Xiamen in 2022.

구본창, 베이징 쓰리 섀도우 포토그라피 아트 센터(Three Shadows Photography Art Centre)에서 대규모 개인전 개최

한국을 대표하는 사진작가 구본창이 중국 베이징 쓰리 섀도우 포토그라피 아트 센터(Three Shadows Photography Art Centre)에서 대규모 개인전 《Lingering in Time: Koo Bohnchang's Photography (1990-2021)》를 오는 11월 14일까지 선보인다. 1980년대 말부터 현재까지 총 80여 점의 작업을 선보이는 이번 전시는 구본창의 중국에서의 첫번째 개인전이자, 한국 사진작가의 개인전으로서는 역대 최대 규모를 자랑한다.

쓰리 섀도우 포토그라피 아트 센터는 중국 현대사진계의 발전을 이끈 사진작가 롱롱(Rong Rong)이 2007년에 설립한 중국 최초, 최대의 비영리 사진 미술관으로, 세계적 설치미술가이자 건축가 아이 웨이웨이(Ai Weiwei)가 설계에 참여한 것으로도 유명하다. 본 기관은 중국 전역의 신예 작가를 발굴하고 양성하는 쓰리 섀도우 포토그라피 어워드(Three Shadows Photography Award)를 매년 개최하고, 국제 심포지움 및 사진 페스티벌을 기획하는 등 중국과 해외 사진계의 교류를 이끌며 세계적인 사진 명소로 자리 잡았다.
해당 기관의 적극적인 행보는 작가이자 기획자로서 한국 현대사진의 위상을 드높이는 데 중요한 역할을 해온 구본창의 활동과도 일맥상통한다. 구본창은 그동안 중국 내 다양한 기관의 그룹전에서 작품을 선보임은 물론, 중국에서 개최되는 다양한 사진대회의 심사위원으로서 젊은 사진작가들을 발굴해 국제 무대에 소개하는 등 오랜 기간 동안 꾸준히 중국과 깊은 인연을 맺어왔다. 특히 2018년 샤먼에서 열린 《지메이x아를 포토 페스티벌》에서는 참여 작가이자 포트폴리오 리뷰어로서도 활약하며 양국의 문화적 교류를 촉진하는 역할을 도맡기도 했다.

총 4600제곱미터(약 1390평)에 이르는 공간 대부분을 활용하는 이번 전시는 작가의 주요 연작 13개를 비롯해 2편의 비디오 작업, 그리고 작업 전반을 일별하는 다양한 아카이브 자료들로 구성된다. 조선의 도자가 지닌 순수한 아름다움을 현대적인 감각으로 재해석한 <백자>와 전세계 곳곳에 흩어져 있는 황금 유물의 화려함과 그 이면의 인간 문명사를 극적인 조명으로 조망한 <황금> 등 대표 연작이 포함된다. 이 외에도 세월의 흔적을 입은 벽을 특유의 회화적 아름다움으로 표현한 <시간의 그림>, 죽음을 앞둔 아버지의 존재를 작업으로 승화시킨 <숨>, 한국의 전통 의식에서 사용되는 탈을 담아내며 민족의 삶과 죽음에 대한 사유를 풀어낸 <가면>, 일상 속 하찮은 물체가 지닌 간소함과 절제의 미학을 기록한 <비누> 등 작가의 사진 세계를 한눈에 조망할 수 있는 연작들을 함께 선보인다. 
특히 구본창 작가의 빈티지 작품들도 눈여겨볼 만하다. 1989년에 제작된 <생각의 바다>가 32년 전의 상태 그대로 전시되며, 여러 장의 인화지를 재봉해서 이어 붙인 <태초에>, 그리고 인화지를 불로 태운 <재> 연작 등 디지털 시대에 재현하기 어려운 작품들도 소개된다. 이번 전시 도록의 서문을 쓴 작가이자 전시기획자 구 젱(Gu Zheng)은 “구본창의 ‘고요한’ 사진은 사진 매체의 가능성을 조명함은 물론, 작가와 작품이 지닌 고유의 한국적 정서를 통해 관객을 단번에 매료시킨다”고 평가했다. 구본창의 초기작부터 근작까지 30여 년에 이르는 작품세계를 총망라하는 본 전시는 2022년 샤먼에 위치한 같은 기관의 순회전으로 이어진다.

[Source from Three Shadows Photography Art Centre website]
 
 
8 Alexander Calder, Subject of a Major Retrospective at the Neue Nationalgalerie, Berlin, Germany

Installation view of Alexander Calder. Minimal / Maximal at the Neue Nationalgalerie, Berlin, 2021

Artist: Alexander Calder(알렉산더 칼더)
Exhibition Dates: August 22, 2021 – Feb 13, 2022
Exhibition Venue: Neue Nationalgalerie, Berlin, Germany
Website: https://www.smb.museum/en/exhibitions/detail/alexander-calder-minimal-maximal/

Alexander Calder, one of the foremost figures of 20th-century art, is the subject of a major retrospective entitled Alexander Calder. Minimal / Maximal at the Neue Nationalgalerie, Berlin, Germany. Calder’s first extensive exhibition to be held in Berlin in more than five decades, Alexander Calder. Minimal / Maximal explores the American artist’s experimentation with form and space, presenting his expansive oeuvre ranging from large-scale mobiles and stabiles to miniature standing mobiles and objects.

Designed by the renowned architect Ludwig Mies van der Rohe, the museum is praised as a modernist masterpiece, known for the restrained elegance of its iconic glass façade. Focused on showing works by 20th-century contemporary artists, the institution has maintained a special relationship with Calder; the artist’s monumental sculpture, Têtes et queue (1965), initially installed at the museum’s terrace upon its inauguration, is once again presented as part of the show held in celebration of the museum’s reopening.

The exhibition focuses on Calder’s unique perspective of sculpture as an interactive medium capable of transforming the viewer’s sense of space. The vivid and expressive curves seen in Five Swords (1976) vitalize the exhibition space, alluding to the advances in steel production of the time that enabled Calder’s bold artistic experiments in both monumental design and scale. Calder’s works from the 1940s, such as the small-scale mobiles and standing mobiles that balance kinetic tops on stabile bases, equally transform the way viewers perceive the surrounding space. Also on display are his signature mobile pieces including Blizzard (1950), Otto’s Mobile (1952), and Le Cagoulard (1954). Creating rhythmic movements while maintaining an exquisite balance, the mobiles actively communicate with their environment.
Meanwhile, the exhibition offers a rare opportunity for visitors to experience Calder’s early work titled Small Sphere and Heavy Sphere (1932/1933), in motion. Once activated with a gentle push, the mobile hovers over the small objects laid out on the floor and collides with them at irregular intervals, inducing a more dynamic interaction between the audience and itself, and with its surrounding space. Alexander Calder. Minimal / Maximal, which introduces Calder’s body of works in a variety of scale, color, form, and movement, will remain on view through February 13, 2022.

알렉산더 칼더, 독일 베를린 신국립 미술관에서 대규모 회고전 개최

20세기 미술의 거장 알렉산더 칼더의 대규모 회고전 《Alexander Calder. Minimal / Maximal》이 독일 베를린의 신국립 미술관(Neue Nationalgalerie)에서 선보인다. 근 50여 년간 베를린에서 열린 작가의 개인전 중 가장 큰 규모를 자랑하는 본 전시는 모빌과 스테빌(Stabile, 정지된 조각)을 비롯해 소형 스탠딩 모빌과 오브제를 아우르며 칼더의 폭넓은 조형적, 공간적 탐구를 조명한다.

널찍한 유리 외벽의 절제된 아름다움을 자랑하는 미술관 건물은 근대 건축의 거장 루트비히 미스 반 데어 로에(Ludwig Mies van der Rohe)가 설계한 걸작으로도 유명하다. 20세기 현대미술가의 작품을 위주로 선보이는 해당 기관은 특히 칼더와 깊은 인연을 유지해왔다. 1968년 미술관 설립 당시 그의 대형 작업 <Têtes et queue>(1965)가 야외 테라스에 설치되었는데, 이는 미술관의 재개관을 맞이해 열리는 이번 전시의 일부로서 대중에게 다시 공개된다.

전시는 관객으로 하여금 공간을 새롭게 경험하도록 이끄는 칼더 작품 특유의 상호작용성에 주목한다. 예컨대 후기 대형 조각 <Five Swords>(1976)의 강렬한 색채와 역동적인 디자인은 전시 공간에 활력을 불어넣으며 당시 철강산업의 발전이 가능케 한 작가의 대담한 예술적 실험을 보여준다. 작품이 이끌어내는 공간적 변형은 그가 1940년대 제작한 소형 모빌과 고정된 베이스 위 움직이는 모형이 균형을 이루는 스탠딩 모빌에서도 엿볼 수 있다. 또한 <Blizzard>(1950), <Otto’s Mobile>(1952), <Le Cagoulard>(1954) 등 칼더를 대표하는 주요 모빌 작품은 조화롭게 균형을 유지하면서도 율동적인 움직임을 만들어내 전시장을 활기 넘치는 공간으로 변모시킨다.
초기 모빌 작품 <Small Sphere and Heavy Sphere>(1932/1933)가 이전의 전시에서는 많이 접할 수 없었던 퍼포먼스 형식으로 전시된다는 사실도 주목할 만하다. 사람이 직접 힘을 가해 ‘활성화’되는 이 모빌은 바닥에 놓인 오브제들을 맴돌면서 불규칙적으로 부딪히며 관객과 작품, 그리고 공간 사이의 적극적인 소통을 유도한다. 다양한 크기와 색상, 형태와 움직임을 아우르는 칼더의 작품을 대거 만날 수 있는 본 전시는 2022년 2월 13일까지 계속된다.

[Source from ‘Alexander Calder. Minimal / Maximal’ press release, provided by Neue Nationalgalerie]
 
 
9 Byron Kim, Julian Opie, and SUPERFLEX Participate in Group Exhibition Trauma: Shooting the Pulitzer & 15minutes at the Daejeon Museum of Art

Installation view of Trauma: Shooting the Pulitzer & 15minutes at the Daejeon Museum of Art, 2021. Courtesy of the Daejeon Museum of Art.

Artists: 바이런 킴(Byron Kim), 수퍼플렉스(SUPERFLEX), 줄리안 오피(Julian Opie)
Exhibition Dates: July 6 – September 26, 2021
Exhibition Venue: Daejeon Museum of Art, Korea
Website: https://www.daejeon.go.kr/dmae/DmaExhibView.do?exType=01&menuSeq=6124&exSeq=105330&&pageIndex=1

The internationally acclaimed contemporary artists Byron Kim, Julian Opie, SUPERFLEX are currently participating in the group exhibition Trauma: Shooting the Pulitzer & 15minutes at the Daejeon Museum of Art. Inviting viewers to contemplate universal human experiences and the different ways to restore faith in humanity, the exhibition showcases works by key international contemporary artists alongside Pulitzer-winning photographs that document critical moments in modern and contemporary history.

The two-part exhibition is organized under the broader theme of “trauma,” with the second section, titled 15 minutes, examining different psychological states as sources of artistic inspiration. Julian Opie’s Boston crowd 1. (2019), which depicts a group of people walking across an urban environment, offers viewers a fresh perspective on passersby encountered in our daily lives. Byron Kim’s Sunday Paintings (2008-2019) series records the subtle changes in the colors of the sky every Sunday on a small canvas. Inscribed on each canvas are short, journalistic entries that reflect his personal thoughts and temperaments, illustrating the artist’s desire to “relate the infinitesimal with the infinite.”

The Danish artist collective SUPERFLEX presents two works that highlight a uniquely clever approach to representing today’s milieu. Oscillating between an object of art and that of practicality, SUPERFLEX’s work has constantly questioned the existing economic and power structures within our contemporary society. In We Are Having The Time of Our Lives (2019), the artist collective translates a familiar phrase into an LED signboard, inviting viewers to contemplate on a universal human condition encompassing a range of unpleasant situations. Situated in another corner of the gallery space is Copy Right (2007), a replica of the renowned Ant Chair designed by the Danish architect Arne Jacobsen in 1953. Modifying the original design into a commercial format, SUPERFLEX explores the notions of originality and imitation in contemporary art and the dialectic between them. The exhibition, which presents works by leading contemporary artists to examine the role of art in documenting human history, runs through September 26.

바이런 킴, 수퍼플렉스, 줄리안 오피, 대전시립미술관 그룹전 《트라우마: 퓰리처상 사진전 & 15분》 참가

세계적인 현대미술가 바이런 킴, 수퍼플렉스, 줄리안 오피가 대전시립미술관에서 열리는 그룹전 《트라우마: 퓰리처상 사진전 & 15분》에 참가한다. ‘인간성’의 성찰과 회복에 대한 고찰을 목표로 기획된 본 전시는 근현대사의 주요 장면을 포착한 퓰리처상 수상 사진작과 함께 전세계를 아우르며 활발한 활동을 펼치고 있는 현대미술 작가들의 작품으로 꾸려진다.

‘트라우마’라는 큰 주제 아래 두 개의 섹션으로 구성된 이번 전시의 ‘15분’ 섹션에서는 인간의 다양한 심리 상태와 예술적 영감의 관계성에 주목한다. 줄리안 오피는 복잡한 도시를 바쁘게 걷는 현대인의 모습을 담아낸 작품 <Boston crowd 1.>(2019)을 선보이며 주변 환경 속 타인을 새로운 방식으로 마주하게끔 이끈다. 바이런 킴의 <Sunday Paintings>(2008-2019) 연작은 매주 일요일의 하늘을 동일한 크기의 소형 캔버스에 담고 작가의 일상적 소회를 기록한 작품으로, ‘아주 극미한 것과 무한한 것을 연결시켜’ 개개인의 작은 일상을 담아내고자 하는 작가의 소박한 정서를 보여준다.

덴마크 출신 3인조 작가그룹 수퍼플렉스는 이번 전시에서 특유의 위트가 돋보이는 두 점의 작품을 선보인다. 수퍼플렉스는 미술 작업과 실용적 물품 사이를 오가며 현대사회의 경제 및 권력 시스템에 대해 끊임없이 의문을 제기해왔다. 간판의 시각적 주목성을 활용한 <We Are Having The Time of Our Lives>(2019)는 일상적인 관용구를 파란색 LED 조명 설치로 변모시키며 인류가 공통적으로 당면한 현 상황에 대한 인식과 자각을 시사한다. 전시장 한 켠에 자리한 <Copy Right>(2007)은 덴마크 건축가인 아르네 야콥센이 1953년 디자인한 스테디셀러 ‘개미 의자(앤트 체어)’를 모방한 작품으로, 현대미술의 주요 화두 중 하나인 독창성과 모방의 개념, 나아가 그 사이의 변증법을 다룬다. 현대미술가들의 다채로운 작품을 통해 시대의 목소리를 담는 예술의 역할을 조명하는 본 전시는 오는 9월 26일까지 진행된다.

[Source from Trauma: Shooting the Pulitzer & 15minutes press release]
 
 
10 a'strict Unveils Monumental Public Art Project at Times Square

Rendered images of Whale #2 (top) and Waterfall-NYC (bottom), 2021
Courtesy of the artist and Kukje Gallery 
© 2021. a'strict. All rights reserved.


Artist: a'strict (에이스트릭트)
Exhibition Dates: July 16, 2021 – August 2, 2021
Venue: Times Square, New York, USA

The Korean media artist unit a'strict will showcase two site-specific art installations in New York City’s Times Square from July 16 through August 2, 2021. The first work, titled Whale #2 (2021), will be screened daily once every hour and half-hour on the dot from 12PM to 12AM EDT for one minute from July 16 through July 27, 2021. The second work, titled Waterfall-NYC (2021), will be screened once every hour on the dot for one minute from July 27 through August 2, 2021.

Illuminating the pedestrian plaza at the center of the iconic Times Square, Whale #2 occupies a 1,400㎡-large screen that transforms the electronic display board into a hyperrealistic, undulating ocean environment occupied by a massive blue whale. Waterfall-NYC is installed on the exterior of One Times Square, using four vertical screens for a total height of 102.5 meters. The commanding cascade of water creates a compelling and overpowering presence amidst the city’s iconic red brick buildings and steel-framed architecture. These two monumental pieces of public art signal a'strict’s debut in the United States, highlighting the power of public art to transcend national borders in the age of a worldwide pandemic. In the thick of a hot New York summer, these digital depictions of water are sure to capture the attention of and serve as a moment of repose for pedestrians who flock to this famous tourist destination, effectively serving as a global statement both in and outside of the art world for a'strict.

With a heightened commitment to the social functions of art since their solo exhibition at Kukje Gallery in 2020, a'strict’s upcoming project at Times Square frames its objective to create spaces for rest and relaxation to a wide global audience. Powerfully evoking the subject of nature in an otherwise urban environment filled with towering skyscrapers, a'strict explores the boundless possibilities of technology within the field of contemporary art to fundamentally reframe the world-famous landmark; at the crux of art, culture, and commerce, the project utilizes innovative digital technology to generate a landscape that blends art into life through unprecedented scale and perceptual effects.

에이스트릭트, 뉴욕 타임스스퀘어(Times Square)에서 대규모 퍼블릭 아트 공개

한국의 미디어 아티스트 유닛 에이스트릭트(a'strict)가 2021년 7월 16일부터 8월 2일까지 미국 뉴욕 타임스스퀘어(Times Square)에서 두 점의 공공미술 작업 <Whale #2>(2021), <Waterfall-NYC>(2021)를 순차적으로 선보인다. (<Whale #2>는 2021년 7월 16일(금) – 2021년 7월 26일(월), 낮 12시부터 밤 12시까지 매 정시와 30분에 1분간 상영(EDT), <Waterfall-NYC>는 2021년 7월 27일(화) – 2021년 8월 2일(월), 매 정시에 1분간 상영(EDT) 예정이다). 

<Whale #2>는 타임스스퀘어 중심에 위치한 광장(Pedestrian Plaza)을 밝히는 약 1400㎡ 크기의 전광판 전체를 파도의 움직임에 따라 역동적으로 춤추는 고래의 형상을 통해 입체적 공간으로 탈바꿈하여 초현실적 장면을 연출한다. <Waterfall-NYC>는 원타임스스퀘어(One Times Square)의 외부 벽면에 총 4개의 스크린으로 구성된 높이 102.5m의 전광판을 이용한 작업으로, 뉴욕에서 흔히 볼 수 있는 적벽돌 건물 및 철골 구조물 위로 시원한 물줄기를 쏟아내는 거대한 폭포가 강렬하면서도 압도적인 분위기를 자아낸다. 에이스트릭트가 미국에서 선보이는 첫 번째 작업인 이번 작품들은 여름의 절정이라는 계절적 배경과 함께 팬데믹 시대를 관통하는 현 시점에 국경을 초월하는 공공미술의 역할과 한국 미디어 아티스트의 존재를 다시금 증명하며, 대중들에게 위안을 선사함은 물론 전 세계 미술계 안팎에서도 크게 주목받을 것으로 예상된다. 

지난 2020년 국제갤러리에서의 개인전 이후 미술의 사회적 역할에 더욱 주목해온 에이스트릭트는 글로벌 관객층에게 감각적, 심리적 여유와 쉼을 제공하고자 하는 일종의 사회 공헌의 취지로 이번 뉴욕 타임스스퀘어 공공미술 프로젝트를 준비했다. 각종 마천루와 광고판이 즐비한 예술, 문화, 상업의 중심지에서 공개되는 두 작품은 현대 도시와 대조되는 자연이라는 소재를 첨단의 디지털 기술을 이용해 현실 공간으로 불러와 일상 속 예술이 직조할 수 있는 가장 생경한 풍경을 만들어낸다. 


[Source from Kukje Gallery press release]
 
 
11 Works by Alexander Calder on View at the High Museum of Art, Atlanta, Georgia

Alexander Calder, Untitled, 1956, sheet metal, wire, and paint, Calder Foundation, New York. © 2021 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York. Photo courtesy of Calder Foundation, New York/Art Resource, New York.

Artist: Alexander Calder (알렉산더 칼더)
Exhibition Dates: June 26 – Sept 19, 2021 
Exhibition Venue: High Museum of Art, Atlanta, Georgia
Website: https://high.org/exhibition/calder-picasso/

Works by Alexander Calder, one of the foremost figures of 20th-century art, are on view at the two-person exhibition titled Calder-Picasso at the High Museum of Art in Atlanta, Georgia, from June 26 through September 19, 2021. This touring exhibition, which debuted in 2019 at the Musée Picasso-Paris, presents more than one hundred paintings, sculptures, and works on paper spanning Calder’s and Picasso’s careers that reveal the radical innovation and enduring influence of their art. Conceived by the artists’ grandsons, Alexander S. C. Rower and Bernard Ruiz-Picasso, and organized by the Museum of Fine Arts, Houston, the exhibition focuses on the artists’ ceaseless reexamination of form, line, and space.

Exploring the visual and thematic interplay between these two masters of modern art, the exhibition highlights both the already apparent and heretofore unremarked connections. Calder and Picasso first met in Paris at the former’s exhibition opening in 1931; the two artists were aware of each other’s work, but didn’t directly comment on the other’s art on record. Calder-Picasso establishes a channel for "non-verbal communication" between two artists who were not in direct contact during their lifetimes. While their works belong to completely different categories of modern art, select works in the exhibition display striking formal similarities. One of Calder’s Constellations sculptures is shown next to Picasso’s Woman in an Armchair (1947), both for which the artists deployed colored polygons in a matrix of heavy black lines. 

The exhibition also includes other iconic wire figures, paintings, drawings, revolutionary nonobjective mobiles, stabiles, and standing mobiles by Calder including La Grande Vitesse (1969), Aztec Josephine Baker (1930), and Vertical Foliage (1941) in juxtaposition with those of Picasso, framing how each artist pushed the boundaries of modernism.

알렉산더 칼더, 미국 애틀랜타 하이 미술관 2인전 《Calder-Picasso》 참가

20세기 미술의 거장 알렉산더 칼더는 2021년 6월 26일부터 9월 19일까지 미국 애틀랜타 하이 미술관에서 열리는 2인전 《Calder-Picasso》에 참가한다. 지난 2019년 파리 국립 피카소 미술관에서의 전시를 시작으로 순회 중인 본 전시는 근대미술사에 한 획을 그은 칼더와 파블로 피카소의 혁신, 그리고 현재까지 다양한 방식으로 지속적인 영향을 미치는 이들의 작업세계를 조명하는 100점 이상의 회화, 조각, 종이작업 등을 소개한다. 두 작가의 손자인 알렉산더 S. C. 로어(Alexander S. C. Rower)와 베르나르드 루이즈-피카소(Bernard Ruiz-Picasso)가 기획하고 휴스턴 미술관이 주최한 이번 전시는 특히 두 거장의 작업에 나타나는 형태, 선, 그리고 공간에 대한 끊임없는 탐구와 고찰에 주목한다.

근대미술 거장들의 시각적, 주제적 상호 작용을 살펴보는 이번 전시는 이미 알려져 있으나 깊이 다뤄진 적 없는 두 작가의 연관성을 조명한다. 칼더와 피카소는 1931년 칼더의 파리 전시 오프닝 자리에서 처음 만났다. 서로의 작업에 대해 익히 알고는 있었지만 이후 공식적인 협업이나 대화가 전무했다는 사실에 착안, 이번 전시는 두 거장이 생전에 나누지 못한 예술적인 소통의 ‘비언어적 버전’으로 기획되었다. 이들의 작업은 근대미술 안에서 전혀 다른 카테고리로 분류되지만, 둘 사이의 명백한, 형식적인 공통점을 목격할 수 있다. 예컨대 칼더의 조각 시리즈 <Constellations>와 병치된 피카소의 <Woman in an Armchair>(1947), 이 두 작품에 공히 그물처럼 빽빽하게 그어진 굵은 검정색 선들 사이 형형색색의 다각형들이 놓여 있음을 알 수 있다. 

이번 2인전은 <La Grande Vitesse>(1969), <Aztec Josephine Baker>(1930), <Vertical Foliage>(1941)를 비롯한 칼더의 대표적인 와이어 인물 조각, 회화, 드로잉, 그리고 당시 혁신으로 평가받은 추상주의 모빌, 독립형 모빌, 그리고 스태빌 등을 대거 만나볼 수 있는 자리다. 칼더의 다양한 작품들과 피카소의 대표 작품들을 함께 다룸으로써, 작가들이 각기 자신의 미술사적 위치에서 어떤 방식으로 모더니즘의 한계를 증폭시켰는지 엿볼 수 있는 흔치 않은 기회를 제공한다. 


[Source from the High Museum of Art website]
 
 
12 Ugo Rondinone Reveals Outdoor Installation Project your age and my age and the age of the rainbow at the Belvedere in Vienna, Austria

Installation view of Ugo Rondinone. your age and my age and the age of the rainbow
Courtesy of Johannes Stoll, Belvedere, Vienna and studio rondinone


Artists: Ugo Rondinone(우고 론디노네)
Exhibition Date: June 13 – November 1, 2021
Exhibition Venue: The Belvedere, Vienna, Austria
Website: https://www.belvedere.at/en/ugo-rondinone-your-age-and-my-age-and-age-rainbow

The internationally acclaimed Swiss contemporary artist Ugo Rondinone’s outdoor installation project, your age and my age and the age of the rainbow (2021), was presented to the public in the baroque garden of the Belvedere in Vienna, on June 13, 2021. The artist, widely recognized for his poetic artistic vocabulary based on the introspection of the inner self, frequently utilizes elements of nature, including the sun, the moon, rainbows, stones, and trees. For this project, Rondinone collaborated with students across Austria to create a monumental rainbow installation, exploring the broader meanings and infinite potentials of the rainbow via perspectives of children. The rainbow, a central motif in Rondinone’s art, not only represents a natural phenomenon, but also symbolizes tolerance, peace, equality, and the connection between heaven and earth.

The project, which involved an extensive collaboration with 1,600 students from 12 elementary schools located across different cities in Austria, namely Vienna, Graz, Bregenz, and Salzburg, was carried out by distributing invitations to participants rather than holding an in-person workshop, which was the original plan that was cancelled due to Covid-19. Children were asked to freely draw their own interpretations of rainbows based on the information they received on the artist, exhibition venue, and rainbows in the invitation. As a result, a collection of 1,085 drawings has assembled into the world’s largest rainbow painting with a width of 70m at the Belvedere Palace Garden. The outdoor painting installation, which accentuates and enlivens the beautiful scenery of the garden, will remain on view through November 11, 2021. Also this coming November, Rondinone will hold his first major solo exhibition in Austria titled nude in the landscape at the Belvedere 21, the contemporary branch of the Belvedere. 

우고 론디노네, 오스트리아 벨베데레 궁전 미술관에서 야외 설치 프로젝트 <your age and my age and the age of the rainbow> 공개

스위스 출신의 세계적인 현대미술가 우고 론디노네의 야외 설치 프로젝트 <your age and my age and the age of the rainbow>(2021)가 벨베데레 궁전 미술관 내 바로크 정원에서 6월 13일 공개되었다. 태양, 달, 무지개, 돌, 나무 등의 자연을 소재로 하여 내면을 은유하는 시적인 작품 세계를 전개해온 우고 론디노네는 이번 프로젝트에서 오스트리아 전역의 학생들과 협력하여 완성한 대규모 무지개 설치 작품을 선보인다. 작가에게 무지개는 자연 현상을 넘어 포용과 화합, 평등, 천상과 지상의 연결 등을 상징하는 주요한 소재로, 작가는 이번 프로젝트에서 아이들의 눈으로 매개된 무지개를 통해 그 확장된 의미와 무한한 가능성을 탐구한다. 

비엔나, 그라츠, 브레겐츠, 잘츠부르크 등 오스트리아 전역에 위치한 12개의 초등학교에서 1,600명의 학생들이 참여한 이번 프로젝트는 코로나 19로 인해 당초 계획했던 워크샵 대신 각 학교에 초청장을 보내는 방식으로 진행됐다. 아이들은 초청장에 적힌 작가, 전시 공간, 무지개에 대한 다양한 정보들을 바탕으로 하여, 각자의 방식으로 탐구한 무지개를 자유롭게 표현했다. 아이들이 보낸 1,085개의 그림들은 벨베데레 궁전 미술관과 벨베데레 현대미술관 사이에 위치한 정원에서 길이 70m의 세계에서 가장 큰 무지개 작품으로 확장되었다. 벨베데레 궁전의 아름다운 경관에 생동감과 상상력을 더하는 이번 작품은 11월 1일까지 전시된다. 한편 우고 론디노네는 오는 11월, 벨레데레 현대미술관에서 오스트리아 첫 대규모 개인전 《nude in the landscape》을 선보일 예정이다. 


[Source from Belvedere 21 press release and website]
 
 
 
13 Elmgreen & Dragset Reveal Permanent Installation Life Rings (2021) at the Royal Djurgården, Stockholm, Sweden

Elmgreen & Dragset, Life Rings, 2021
Courtesy of the Princess Estelle Cultural Foundation
Photo: Ruth Anna Eriksson


Artists: Elmgreen & Dragset (엘름그린 & 드라그셋)
Exhibition Date: June 8, 2021
Exhibition Venue: Royal Djurgården, Stockholm, Sweden
Website: https://www.preks.se/en/2021-life-rings-eng/

The internationally acclaimed artist duo Elmgreen & Dragset recently unveiled Life Rings (2021), a permanent installation created with multiple lifebuoys, at the Royal Djurgärden in Stockholm, Sweden. Elmgreen & Dragset’s first public sculpture in Sweden and the Royal Djurgärden’s second permanent work in their sculpture park, Life Rings questions human relationships and existing social structures utilizing subversive wit and underlying criticality which are signature to the artist duo. The Princess Estelle Cultural Foundation, founded in 2019 in order to support arts and culture events in Sweden, has taken on transforming the Royal Djurgärden into a sculpture park as part of its inaugural project. Elmgreen & Dragset has been selected as this year’s artist with the task of reinterpreting everyday objects in an unexpected environment, generating new perspectives. 

Life Rings is a large-scale installation with a height of 8 meters constructed with a cluster of lifebuoys, normally used for rescue in crisis situations. The lifebuoys—interconnected in a circuit that extends upwards into the air, no longer able to serve their original purpose—work as a symbol for indirect criticism against individualism in modern society, and a call for the need of cooperation and solidarity between individuals. As the surrounding environment is also often critical to delivering Elmgreen & Dragset’s message, Life Ring’s proximity to water encourages contemplation on the boundaries between public and private spaces, while simultaneously inviting viewers to reflect on humanity and the fragility of life. 

엘름그린 & 드라그셋, 스웬덴 스톡홀름 로열 유르고덴 공원(Royal Djurgården)에 영구 설치 작품 <Life Rings> 공개

세계적인 작가 듀오 엘름그린 & 드라그셋이 스웨덴 스톡홀름에 위치한 로열 유르고덴(Royal Djurgärden) 공원에 다수의 구명부표로 이루어진 <Life Rings>(2021)를 영구 설치했다. 이번 작품은 이들이 스웨덴에서 처음 소개하는 공공미술작품이자 로열 유르고덴 공원에서 선보이는 두 번째 작업으로, 엘름그린 & 드라그셋 특유의 위트 있는 비판정신으로 현대인들의 인간관계와 사회적 구조에 대해 역설한다. 스웨덴의 문화 활동을 지원하기 위해 2019년 설립되어 첫 프로젝트로 로열 유르고르덴 공원을 조각 공원으로 조성하고 있는 프린세스 에스텔 문화재단(Princess Estelle Cultural Foundation)에 의해 올해의 아티스트로 선정된 엘름그린 & 드라그셋은 또 한 번 일상적 오브제를 새로운 환경에 비치하는 방식으로 같은 것을 바라보는 색다른 관점을 제시한다. 

<Life Rings>는 본래 위급상황에서 사람을 구출하는 용도인 구명부표로 구성된 8m 높이의 대형 설치 조각이다. 안전을 상징하는 구명부표를 체인 형식으로 연결해가며 허공을 향해 쌓아 올린 본 작품에서는 구명부표가 본래의 기능을 상실하게 된다. 엘름그린 & 드라그셋은 이런 모순적인 구조를 통해 개인주의가 만연한 현대사회를 우회적으로 비판하는 동시에 그 안에서 살아가는 구성원들 개개인간에 필요한 협업과 단결의 가치를 강조한다. 이들의 작업에서 작품이 설치되는 환경 역시 작품의 중요한 요소로 작용하는 만큼, 이번에도 <Life Rings>를 강변에 설치함으로써 공공장소와 사적 공간 사이의 경계 등에 대한 고찰을 자연스럽게 유도하고 인류와 삶의 섬세함과 연약함을 조명한다. 


[Source from Princess Estelle Cultural Foundation website]
 
 
14 Kyungah Ham Participates in Group Exhibitions at the Kunstmuseum Bern, Switzerland, and KAI 10 | ARTHENA FOUNDATION, Germany

Installation view of Active Threads, KAI 10 | ARTHENA FOUNDATION, Düsseldorf, Germany. Photo: Achim Kukulies

Artists: Kyungah Ham (함경아)
Exhibition Dates and Venues: 
April 30 – Sep 5, 2021 [Kunstmuseum Bern, Switzerland]
May 8 – Sep 5, 2021 [KAI 10 | ARTHENA FOUNDATION, Düsseldorf, Germany]     
Website: www.kunstmuseumbern.ch/en/see/today/1003-border-crossings-n-120.html
www.kaistrasse10.de/en/exhibitions/active-threads.html

The contemporary artist Kyungah Ham is participating in a group exhibition titled Border Crossings – North and South Korean Art from the Sigg Collection at the Kunstmuseum Bern, Switzerland, through September 5, 2021. Featuring works from the collection of the prominent Swiss collector Uli Sigg, who served as the Swiss ambassador to China and North Korea in the 1990s, the exhibition presents 75 works including those by Kyungah Ham, Sea Hyun Lee, Feng Mengbo, and Guang Tingbo. Weaving together works from either sides of the Korean peninsula, the exhibition examines the irreconcilability of the two political systems that have diverged from one another since the division. Among the works presented are Kyungah Ham’s What you see is the unseen / Chandeliers for Five Cities 01 (2012-13) and Sweet-Sweet & Bling-Bling (2009-10)—two embroidery paintings created in collaboration with North Korean hand embroiderers.

Concurrently, Kyungah Ham is also taking part in Active Threads, a group exhibition at KAI 10 | ARTHENA FOUNDATION, Düsseldorf, Germany, through September 5, 2021. Exploring how textiles still function as effective means of communication even now in our digital era, the exhibition introduces the works of eight artists who examine the social and political relevance of textiles across different cultures. On view at the exhibition are Kyungah Ham’s Big and pretty eye drops vitamin A, detail From SMS Series 04 (2017-2018) from her SMS series, and What you see is the unseen / Chandeliers for Five Cities BK 03-05 (2016-17) from her Chandelier series, both of which showcase the artist’s unique working process; Ham sends images of embroidery designs with hidden messages to artisans in North Korea, who then embroider the piece stitch by stitch in accordance with her instructions. Through these paintings, Ham offers insight into her unique artistic vocabulary which integrates the working process as a part of the finished work.

함경아, 베른 시립미술관 그룹전 《Border Crossings-North and South Korean Art from the Sigg Collection》과 뒤셀도르프 아르테나 재단 그룹전 《Active Threads》 참가

현대미술가 함경아가 스위스 베른 시립미술관에서 열리는 그룹전 《국경을 넘어: 울리 지그 남북한 작품 소장전(Border Crossings-North and South Korean Art from the Sigg Collection)》(2021년 9월 5일까지)에 참여한다. 스위스의 유명 컬렉터이자 90년대 중국, 북한 주재 스위스 대사를 역임한 울리 지그의 소장품으로 구성되는 이번 전시는 함경아, 이세현, 펑멍보(Feng Mengbo), 광팅보(Guang Tingbo) 등의 작품 75점을 소개한다. 남북의 작품들을 통해 분단 이후 계속해서 한반도를 지배해온 두 체제의 비화합성을 고찰하는 이번 소장전에서는 북한 자수 노동자들과의 협업으로 제작한 함경아의 작품 <What you see is the unseen / Chandeliers for Five Cities 01>(2012-13), <Sweet-Sweet & Bling-Bling>(2009-10)을 만날 수 있다.

한편 함경아는 연이어 뒤셀도르프 아르테나 재단에서 열리는 그룹전 《Active Threads》(2021년 9월 5일까지)에서 작품을 선보인다. 오늘날에도 유효한 커뮤니케이션 수단으로 기능하는 직물의 의미를 고찰하는 전시로, 다양한 문화권에서 직물에 내재된 정치, 사회적 의미를 탐구해온 작가 8인의 작품을 소개한다. 메시지가 숨겨진 도안을 북한으로 보내, 북한 자수 공예가들이 한 땀 한 땀 새긴 결과물을 돌려받는 방식의 작업을 전개해온 함경아는 <SMS 디테일> 연작인 <Big and pretty eye drops vitamin A, detail From SMS Series 04>(2017-2018)와 샹들리에 연작 <What you see is the unseen / Chandeliers for Five Cities BK 03-05>(2016-17)를 통해 작품에 담긴 일련의 과정 자체가 작품이 되는 독창적인 예술 세계를 펼쳐 보인다.

[Source from Kunstmuseum Bern, KAI 10 | ARTHENA FOUNDATION website]
 
 
15 Dansaekhwa Works by Kwon Young-Woo, Park Seo-Bo, and Ha Chong-Hyun Join the Centre Pompidou Permanent Collection

Kwon Young-Woo, Untitled, 1984, gouache, Chinese ink on Korean paper, 259 x 162 cm. Courtesy of the artist’s estate and Kukje Gallery

Artist: 박서보 (Park Seo-Bo), 권영우 (Kwon Young-Woo), 하종현 (Ha Chong-Hyun)
Website: https://www.centrepompidou.fr/en/collections/visual-arts

The Centre Pompidou in Paris recently announced that it will add works by three of Korea’s most celebrated modern artists, Park Seo-Bo, Kwon Young-Woo, and Ha Chong-Hyun, to its permanent collection. The Centre Pompidou, widely recognized as one of the three largest museums in France along with the Louvre and the Musée d'Orsay, houses one of the world’s most celebrated modern and contemporary art collection of approximately 120,000 works, encompassing visual art, photography, new media, film, and design. Considered the largest in Europe, the museum’s collection comes second only to that owned by the Museum of Modern Art (MoMA) in New York. 
The four works that will become part of the Centre Pompidou’s permanent collection include: two colored hanji works by Kwon Young-Woo; one work from Park Seo-Bo’s color Écriture series; and one work from Ha Chong-Hyun’s signature Conjunction series. All three artists celebrated as masters of Dansaekhwa—the seminal art movement that emerged in postwar Korea and showcased a unique form of Korean modernism—the addition of these works to the Centre Pompidou’s permanent collection not only reinforces the representation of Korean art within the global art scene, but also provides an important point of departure for extensive art-historical discourse surrounding the movement. 

Kwon Young-Woo's two signature colored hanji works from the 1980s, Untitled (1984) and Untitled (1986), feature surfaces repeatedly punctured with numerous holes, that are then saturated with ink that fills in the spaces in distinctive patterns. Painted with both Western (gouache) and Eastern (Chinese ink) mediums, these works showcase the artistry with which Kwon allowed color to permeate into the paper’s torn edges. These paintings provide a backdrop for the unpredictable encounter between the paper and ink, thereby effectively highlighting the materiality of hanji. Distinguished by its simple yet dynamic aesthetic, Park Seo-Bo's Écriture (描法) No. 120103 (2012) belongs to the artist's late Écriture series which reflects a uniquely Korean spirituality. The series, often also referred to as “color Écriture” due to its vibrant palette, gives insight to Park’s technical approach and philosophy of becoming unified with nature, thus emptying the mind and achieving a higher level of awareness. Ha Chong-Hyun’s Conjunction 85-022 (1985) demonstrates Ha’s exploration of his internationally celebrated technique of bae-ap-bup, a singular method of pushing paint from the back to the front of the burlap canvas. Thick layers of paint that seep through the front are liberally transformed by the artist using a wide range of tools such as knives, brushes, and wooden spatulas, which Ha appropriately modifies in order to create patterns that accentuate the pictorial plane; achieved through this process is the “conjunction” between material and performance.
Dansaekhwa has become synonymous with a generation of artists who experienced first-hand the social and political upheaval in 1970s Korea, and who fought for a more liberal approach to visual art practice. Specifically, these artists expanded studio practice to incorporate the language of performance on various two-dimensional surfaces, adopting innovative and often unorthodox technical methods as well as a meditative philosophical perspective.

Since its establishment, Kukje Gallery has supported important Dansaekhwa artists including Kwon Young-Woo, Park Seo-Bo, Ha Chong-Hyun, and Lee Ufan. As a part of the “Collateral Events” at the Venice Biennale in 2015, the gallery mounted an unprecedented exhibition of Dansaekhwa artists, celebrating these important figures and providing essential context to recognize their historical contributions. The following year, the gallery launched another special exhibition in collaboration with the Boghossian Foundation in Brussels, titled When Process Becomes Form: Dansaekhwa and Korean Abstraction. In 2018, Shanghai’s Powerlong Museum opened Korean Abstract Art: Kim Whanki and Dansaekhwa, the first-ever comprehensive exhibition of Korean abstract art to be held in China, which established a platform for continued dialogue on the aesthetic impact and ongoing importance of Dansaekhwa internationally.

파리 퐁피두 센터, 권영우, 박서보, 하종현 작가 단색화 작품 영구 소장 

파리 퐁피두 센터(Centre Pompidou)가 한국 화단을 대표하는 세 작가 권영우, 박서보, 하종현의 작품을 영구 소장한다고 밝혔다. 루브르 박물관, 오르세 미술관과 함께 프랑스 3대 미술관으로 손꼽히는 퐁피두 센터의 근현대미술 컬렉션은 시각 예술, 사진, 뉴미디어, 영화, 디자인 등 다양한 장르를 아울러 12만여 점에 이르며, 이는 유럽 내 최대이자 뉴욕 현대미술관에 이은 세계 두 번째 규모다. 
퐁피두 센터는 권영우의 채색 한지 회화 2점, 박서보의 색채묘법 1점, 하종현의 접합 1점 등 총 4점을 소장한다. 세 작가는 한국 현대미술의 대표적인 흐름이자 성과로 평가받는 단색화(Dansaekhwa)를 대표하는 거장들이다. 퐁피두 센터의 단색화 작품 소장은 국제무대에서 한국미술의 위상을 보여줌과 동시에 해외 미술사적 맥락 속에서 단색화의 학문적 가치에 대한 심도 있는 고찰이 더욱 활발해질 것이라는 기대를 낳고 있다. 

권영우(1926-2013)의 채색 한지 회화 2점 <Untitled>(1984)와 <Untitled>(1986)는 화면 전체를 일정하게 반복적인 패턴으로 채워가듯 구멍을 뚫고 선을 만들어 염료를 흘린 1980년대 대표작이다. 서양의 과슈와 동양의 먹으로 채색된 본 작품에는 종이의 찢긴 부분으로 물감이 자연스럽게 스며들어 있다. 이처럼 한지에 물감이 스며드는 우연적 현상을 활용한 작업 방식은 한지의 재료적 물질성을 극대화시켜 보여준다. 간결함과 단아함이 돋보이는 박서보(b.1931)의 <Écriture No. 120103>(2012)은 한국의 고유한 정신성을 바탕으로 한 ‘후기묘법’ 연작이다. 풍부한 색감의 대비 혹은 조화가 강조되어 ‘색채묘법’이라고도 일컬어지는 ‘후기묘법’은 자연과의 합일을 통해 마음을 비워내고 수신을 일깨우는 행위를 지향한다. 하종현(b.1935)의 접합 연작 <Conjunction 85-022>(1985)는 작가의 독창적인 작업 방식인 배압법(背押法)을 보여준다. 올이 굵은 마포 뒷면에 두터운 물감을 바르면서 앞면으로 배어 나온 걸쭉한 물감 알갱이들은 나이프나 붓, 나무 주걱과 같은 도구를 사용한 작가의 개입으로 다시 자유롭게 변주되고, 마침내 물질과 행위의 흔적이 결합된 결과물로 완성된다.
단색화는 1970년대 한국의 정치적, 사회적 현실을 경험한 세대의 작가들이 각기 다른 고유한 평면에 당시로서는 파격적인 전통적 그리기의 접근을 시도하며 혁신적인 미학 담론을 발전시켜왔다. 작가의 고유한 행위성과 촉각성 그리고 정신성이 고스란히 담겨있는 단색화 작품들은 일종의 ‘수행(performance)’과도 같은 제작 방식에 바탕한다.

국제갤러리는 그간 권영우, 박서보, 하종현, 이우환 등 단색화 작가들을 세계 미술계에 적극적으로 소개해왔다. 2015년 베니스 비엔날레에서는 공식 병행전시인 《단색화》 특별전을 통해 유수의 작가들을 소개하고 그들의 미술사적 기여도를 기념하는 자리를 가진 바 있으며, 2016년에는 벨기에 브뤼셀의 보고시안 재단과 협력하여 《과정이 형태가 될 때: 단색화와 한국 추상미술》 특별전을 개최했다. 이 기념비적인 전시들은 곧 단색화 열풍을 이끌며 한국 미술사에 활력을 불어넣었다. 2018년에는 상하이 소재의 파워롱미술관에서 한국 추상미술을 대규모로 소개하는 중국 내 최초의 전시 《한국의 추상미술: 김환기와 단색화》를 개최해 국제적으로 단색화의 미학과 가치에 대한 담론을 형성했다.


[Source from the Kukje Gallery press release]