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1 SUPERFLEX Reveals Public Installation Project Play Contract at the Skulpturpark Billund in Denmark

SUPERFLEX, Play Contract, 2021. Photo: Torben Eskerod

Artist: 수퍼플렉스(SUPERFLEX)
Exhibition Dates: Permanent installation 
Exhibition Venue: Billund, Denmark
Website: https://superflex.net/works/play_contract

The Danish artist collective SUPERFLEX recently unveiled their public installation project Play Contract (2021) at the Skulpturpark Billund in Denmark. The installation has been created in celebration of the 10th anniversary of the Capital of Children (CoC) project, set in Billund, the hometown of Lego. CoC, which involves several institutions, foundations, and companies based in Billund, works towards building the city into a place where children are encouraged to experience the world through play, fostering their development into innovative adults with a global mindset. In collaboration with KWY.studio—a Lisbon-based project group consisting of architects, curators, and educators—SUPERFLEX presents Play Contract, a set of five sculptures constructed with the help of 121 children in Billund.  

Taking into consideration that “most public art is made by adults,” SUPERFLEX and KWY.studio invited 121 children to design playground models with Lego blocks, then realized these prototypes in the form of pink marble installations via Play Contract. While the sculptures are created from approximately 300 uniquely shaped stones, these stones remain raw and unpolished, exposing the rough surfaces that have been made from the tools that were used to cut them. Written on the walls of the sculptures are “play contracts” as dictated by children, which are to be followed by adults who visit the work. Adults are expected to respect the children’s rather absurd and insensible set of rules and embrace their senses and points-of-view. Play Contract allows adults to discover the surprises and fun that lie in giving up the control on everyday life. Following the permanent installation of the work at the park, Play Contract, a book including relevant stories and images, will be published in the near future. 

수퍼플렉스, 덴마크 빌룬 조각공원에 공공미술 설치작품 <Play Contract> 공개

덴마크 출신의 3인조 작가 그룹 수퍼플렉스가 덴마크 빌룬에 위치한 조각공원(Skulpturpark)에 공공미술 작품 <Play Contract>(2021)를 공개한다. 이번 작품은 레고의 고향으로 잘 알려진 빌룬의 ‘어린이 수도(Capital of Children)’ 프로젝트 10주년을 기념하여 제작되었다. 빌룬의 다수의 기관, 재단 및 기업들이 참여하는 ‘어린이 수도’는 빌룬을 아이들이 놀이를 통해 세상을 배우고, 창의적인 세계 시민으로 성장할 수 있도록 하는 도시로 만들고자 다양한 프로젝트를 진행하고 있다. 수퍼플렉스는 이곳에서 건축가, 큐레이터, 교육가 등으로 구성된 리스본 기반의 프로젝트 그룹 KWY.studio를 중심으로 빌룬의 아이들 121명과 함께 제작한 5개의 조각 작품 <Play Contract>를 선보인다. 

<Play Contract>는 ‘대부분의 공공미술은 어른들의 관점에서 만들어진다’라는 문제의식에서 시작되었다. 이 프로젝트에 초청받은 121명의 아이들은 레고 블록으로 직접 놀이터를 설계하고, 수퍼플렉스와 KWY.studio는 이러한 아이들의 생각을 핑크색 대리석 모형의 5개의 조각으로 구현했다. 조각들은 독특한 모양을 가진 300개의 돌로 만들어져 있는데, 이 돌들은 표면 처리를 하지 않은 날것으로 갖가지 도구들로 잘려진 흔적이 그대로 남아있다. 벽면에는 빌룬의 아이들이 직접 만든 ‘놀이 규칙’이 새겨져 있는데, 이곳에 방문한 어른들은 이를 따라야 한다. 아이들이 설계한 규칙이 일견 엉뚱하고, 불합리하더라도 전적으로 이들의 감각과 생각을 존중하며 놀이를 실행하는 것이다. 주변을 통제하거나 통제 받는 일상에 익숙했던 어른들은 아이들의 놀이를 통해 예기치 못한 놀라움과 즐거움을 발견하게 된다. 영구 설치되는 이번 작품과 함께 곧 프로젝트에 담긴 이야기와 사진들을 담은 『Play Contract』 도록이 출간될 예정이다. 

[Source from SUPERFLEX website]
2 Daniel Boyd Participates in Group Exhibition UN/LEARNING AUSTRALIA at the Seoul Museum of Art, Korea

Installation view of Daniel Boyd, Untitled (37°33’51.2”N 126°58’24.4”E) at the Seoul Museum of Art, Korea

Artist: 다니엘 보이드(Daniel Boyd)
Exhibition Dates: December 14, 2021 – March 6, 2022 
Exhibition Venue: Seoul Museum of Art, Korea
Website: https://sema.seoul.go.kr/ex/exDetail?currentPage=1&glolangType=ENG&exGr=&museumCd=&targetDate=&searchDateType=SOON&exSearchPlace=&exNo=650529&startDate=&endDate=&searchPlace=&kwd=EXF01&kwdValue=

The Australian contemporary artist Daniel Boyd is currently part of the group exhibition UN/LEARNING AUSTRALIA, held at the Seoul Museum of Art (SeMA), Korea. Co-curated by SeMA and Artspace, Sydney, in celebration of the 60th anniversary of diplomatic relations between South Korea and Australia, the exhibition provides a comprehensive overview of Australian contemporary art through the works of 35 Australian artists, collectives, and indigenous art centers. The Korean title of the exhibition, ‘경로를 재탐색합니다 (rediscover the route),’ derives from a phrase often heard while using navigation devices, and is juxtaposed with the English title, UN/LEARNING AUSTRALIA. These dual titles aim to highlight the importance of “learning” itself, rather than the purpose of it, referring to the process of unlearning and relearning existing perceptions of Australia. Daniel Boyd, whose practice continuously questions the Western hegemonic gaze in interpreting and restoring the founding history of Australia with a unique artistic vocabulary, presents three of his paintings and one installation in UN/LEARNING AUSTRALIA

Boyd, who comes from an aboriginal background, introduces Untitled (TDHFTC) (2021) and Untitled (UT) (2021)—two paintings that reinterpret Australian history in a new lens. First showcased at the artist’s solo exhibition with Kukje Gallery last June, the paintings each depict Boyd’s sister and his grandma’s siblings. By sharing these personal images, Boyd connects his personal experiences and heritage to his ongoing interest in recalibrating the historical lens through which we view dominant historical narratives. Through Untitled (YWSITPIACLDTL) (2019), which was first shown at Boyd’s solo exhibition with Kukje Gallery Busan in 2019, the artist questions the conventional perceptions of beauty. Untitled (37°33’51.2”N 126°58’24.4”E) (2021), an installation commissioned by SeMA, entirely covers the museum’s glass façade—consisting of countless dots, the work directly references Boyd’s signature recurrent motif. These dots act as “lenses” through which one views the world and resemble the plurality and multiplicity of perspectives. The current exhibition discusses the vulnerabilities of this world affected by the unprecedented pandemic and inspires a more in-depth understanding of the values of “learning.” The show, which runs through March 6, 2022, can also be viewed through a variety of public programs and channels including the Instagram account @52artists52actions.  

다니엘 보이드, 서울시립미술관 그룹전 《경로를 재탐색합니다 UN/LEARNING AUSTRALIA》 참가

호주 작가 다니엘 보이드가 서울시립미술관에서 열리는 그룹전 《경로를 재탐색합니다 UN/LEARNING AUSTRALIA》에 참가한다. 한국과 호주 수교 60주년을 기념하여 서울시립미술관과 아트스페이스 시드니가 기획한 이번 전시는 호주의 작가들과 콜렉티브, 토착민 예술 센터 등 35명(팀)을 초대하여 호주의 동시대 미술을 폭넓게 조망한다. 전시명인 ‘경로를 재탐색합니다’는 우리가 내비게이션에서 주로 접하는 문장으로, 영문 제목 ‘UN/LEARNING AUSTRALIA’와 함께 배움의 목적보다 배움 그 자체의 실천을 강조하며, 우리가 알고 있는 호주의 모습을 탈학습, 재학습하며 인식을 확장해 나가는 과정을 의미한다. 서구의 일방적인 역사관이 놓친 호주의 역사 형성 과정을 고유한 미술적 방식으로 복원하는 작업을 전개해온 다니엘 보이드는 이번 전시에서 이러한 작업관을 반영한 회화 작품 3점과 설치 작품 1점을 선보인다.

호주 원주민 출신인 작가는 이번 전시에서 자신의 배경에 기대어 호주의 역사를 새로운 관점으로 재해석하는 회화 작품 <무제(TDHFTC)>(2021), <무제(UT)>(2021)를 선보인다. 지난 6월 국제갤러리 개인전에서 선보인 바 있는 두 작품은 각각 작가의 누나, 할머니의 형제를 그린 이미지로, 작가는 오랫동안 역사적 관점에서 제외되어 온 사적 역사를 통해 역사를 이해하는 기존의 관점을 재고한다. 이와 함께 작가는 2019년 국제갤러리 부산점에서의 개인전에서 선보였던 <무제(YWSITPIACLDTL)>(2019)를 선보이며 고정된 아름다움의 기준에 의문을 제기한다. 한편 서울시립미술관의 의뢰로 만든 커미션 작업 <무제(37°33’51.2”N 126°58’24.4”E)>(2021)는 미술관 유리 파사드 전면을 장식한 설치 작품으로 작가의 주요 작업 방식 중 하나인 점으로 이루어져 있다. 각각의 점은 우리가 세상을 바라보는 ‘렌즈’로, 수많은 점들은 우리가 세상을 이해하고 지각하는 다양한 방식, 즉 복수성(plurality)과 다양성(multiplicity)를 의미한다. 팬데믹의 시대에 우리가 사는 세상의 불확실한 토대를 인정하고, 이를 극복하기 위한 배움의 가치를 다시금 깨닫게 하는 이번 전시는 인스타그램 계정 ‘52 ARTISTS 52 ACTIONS’(@52artists52actions)와 공공 프로그램 등 다채로운 방식으로 만나볼 수 있다(전시는 2022년 3월 6일까지).

[Source from SeMA press release]
3 Ugo Rondinone, Subject of Major Solo Exhibition nude in the landscape at the Belvedere 21, Vienna, Austria

Installation view of nude in the landscape at Belvedere 21, Vienna, 2021
Photo: Johannes Stoll

Artist: 우고 론디노네(Ugo Rondinone)
Exhibition Dates: December 12, 2021 – May 1, 2022 
Exhibition Venue: Belvedere 21, Vienna, Austria
Website: https://www.belvedere.at/en/ugo-rondinone

The Swiss contemporary artist Ugo Rondinone is the subject of a major solo exhibition titled nude in the landscape at the Belvedere 21, Vienna, on view from December 12, 2021. Working in an extensive variety of mediums including painting, sculpture, photography, and video, Rondinone is widely recognized for his artistic vocabulary that explores the emotional and psychological depths of the human experience in relation to nature. The artist’s first solo exhibition in an Austrian museum, nude in the landscape presents a surreal environment inhabited by isolated human figures that are seemingly disconnected from nature.

The show features Rondinone’s installation series landscapes (2021), along with sculptures from his nude series (2010-11)—both of which are made from natural materials. Specifically designed for this show, the artist’s landscapes installations take the form of monumental plates. While made of natural materials such as soil and wax, these artificial-looking structures no longer evoke nature in their final embodiment. Seated in varying postures throughout the gallery space are hyper-realistic human figures deep in contemplation from the artist’s nude series, modeled directly from the human body. With their eyes closed and separate body parts attached like mannequins, these self-absorbed figures imbue the gallery space with a mystical yet meditative atmosphere. Meanwhile, the anonymity of each title—for example, nude (x) and nude (xx)—engenders an innate connection with the figures, expanding the series’ narrative potential. Through these artificial installations and sculptures that are made of natural materials, Rondinone provides an effective metaphor for humanity’s disconnection from nature. nude in the landscape, which utilizes everyday motifs to take viewers on an introspective journey within, will remain on view through May 1, 2022.

우고 론디노네, 벨베데레 현대미술관에서 대규모 개인전 《nude in the landscape》 개최

스위스 현대미술가 우고 론디노네의 대규모 개인전 《nude in the landscape》가 비엔나 벨베데레 현대미술관에서 12월 12일부터 열린다. 회화, 조각, 미디어 등 다양한 장르를 넘나드는 우고 론디노네는 우리가 일상적으로 접하는 자연을 통해 내면의 깊은 곳을 탐구하는 작업을 전개해왔다. 오스트리아에서 열리는 우고 론디노네의 첫 미술관 개인전에서 작가는 자연과의 연결고리를 잃고, 고립되고 소외된 인간의 풍경을 그려낸다.

이번 전시는 자연을 소재로 만들어진 <landscapes>(2021)와 <nude>(2010-11) 설치 조각으로 구성된다. 이번 전시를 위해 특별히 제작된 <landscapes>는 거대한 판 모양으로, 자연 소재인 흙과 밀랍으로 제작되었지만 더 이상 자연처럼 보이지 않는다. 역시 흙으로 만들어진 ‘nude’ 연작은 실제 사람을 본떠 만든 조각으로 전시장 곳곳에 흩어져 있다. 마네킹처럼 신체 곳곳이 분절, 조립된 채 저마다의 자세로 앉아있는 조각들은 모두 눈을 감고 있어 명상적인 분위기를 자아낸다. 작품 제목 또한 <nude (x)>, <nude (xx)>가 계속되는 익명의 구조로, 이들의 존재를 인류 전체로 확장하는 역할을 한다. 흙으로 만들어졌지만, 인공물처럼 보이는 풍경과 인물들을 통해 우고 론디노네는 자연과의 관계성을 잃은 인간의 모습을 은유한다. 가장 보편적인 형상의 작품을 통해 우리 존재와 내면을 비추어 보게끔 하는 이번 전시는 내년 5월 1일까지 계속된다. 

[Source from Belvedere 21 press release]
4 Bill Viola, Subject of Solo Exhibition Bill Viola: Five Angels for the Millennium at the West Bund Museum, Shanghai

Bill Viola, Five Angels for the Millennium-Creation Angel, 2001 ©Bill Viola Studio, Photo: Kira Perov

Artist: 빌 비올라(Bill Viola)
Exhibition Dates: December 10, 2021 – April 10, 2022 
Exhibition Venue: West Bund Museum, Shanghai, China
Website: https://www.wbmshanghai.com/en/category/exhibition/detail!www-billviola-com

The internationally renowned contemporary video artist Bill Viola is the subject of the solo exhibition Bill Viola: Five Angels for the Millennium at the West Bund Museum in Shanghai, on view from December 10, 2021. Part of the museum’s Centre Pompidou x West Bund Museum Project, running from 2019 to 2024, which presents curatorial and educational programs alongside highlights from the Centre Pompidou’s permanent collection, the exhibition showcases Five Angels for the Millennium (2001), Viola’s monumental installation composed of five videos. Widely known for his unique artistic practice that explores fundamental and existential themes by portraying universal human experiences of life and death through video, Viola presents his immersive installation at the “Box”—the museum’s space dedicated to ambitious multimedia works.

Created at the turn of the new millennium, Five Angels for the Millennium features the following five angels: the Departing Angel, Birth Angel, Fire Angel, Ascending Angel, and the Creation Angel. Filmed by the artist in 1999 using an underwater camera in a pool located in Long Beach, California, the installation was previously introduced to the Korean audiences at his solo exhibition Transfiguration (2008), at Kukje Gallery, and subsequently at Bill Viola: ENCOUNTER (2020) at Busan Museum of Art. Throughout the videos, which show each angel plunging into and rising above water, Viola utilizes his signature slow-motion technique, reversing select parts to emphasize an amplified sense of time. The scene of the angels plunging into the mysterious abyss collapse the boundaries between the immortality of the universe and the mortality of the human body, exploring opposing themes of light and dark, time and eternity, life and death. The five videos, each on loop, invite the audience to become immersed in a cosmic environment devoid of gravity. Bill Viola: Five Angels for the Millennium, which restructures and expands viewers’ fixed perceptions of time and space, will remain on view through April 10, 2022.

빌 비올라, 상하이 웨스트번드 미술관에서 개인전 《Bill Viola: Five Angels for the Millennium》 개최

비디오 아트의 거장 빌 비올라의 개인전 《Bill Viola: Five Angels for the Millennium》이 상하이 웨스트번드 미술관에서 12월 10일부터 열린다. 이번 전시는 2019년부터 2024년까지 웨스트번드 미술관에 퐁피두의 주요 소장품 및 전시 기획/교육 운영을 제공하는 ‘퐁피두 센터 X 웨스트번드 미술관 프로젝트(Centre Pompidou X West Bund Museum Project)’의 일환으로, 작가는 5개의 영상으로 구성된 대규모 비디오 설치 작품 <밀레니엄을 위한 다섯 천사>(2001)를 선보인다. 삶, 죽음 등 근원적이고 존재론적 주제를 ‘비디오’라는 매체로 표현해온 빌 비올라의 고유한 작품 세계는 웨스트번드 내에서도 미디어 전시 전용 공간인 박스(Box)에서 진행된다. 

새 천년을 기념하여 제작된 비디오 설치 작품 <밀레니엄을 위한 다섯 천사>는 떠나는 천사, 탄생의 천사, 불의 천사, 상승의 천사 그리고 창조의 천사 영상으로 구성된다. 1999년 캘리포니아 롱비치(Long Beach)에서 수중 카메라로 촬영된 이 작품은 2008년 국제갤러리 개인전 《변모》, 2020년 부산시립미술관 개인전 《빌 비올라, 조우》 등 국내에서도 차례로 선보인 바 있다. 작품은 작가 특유의 슬로 모션을 통한 시간의 확장과 역재생을 통해 각각의 천사들이 물에 빠져들거나 솟구쳐 오르는 모습을 보여준다. 신비로운 심연으로 뛰어드는 천사들의 모습을 통해 작가는 무한한 우주와 유한한 사람의 육체 사이의 경계를 무너뜨리고, 빛과 어둠, 시간과 영원, 삶과 죽음 사이를 넘나든다. 각각 저마다의 순환을 가지고 작동되는 영상은 관객들로 하여금 무중력 상태인 우주적 공간으로 들어가는 신비로운 체험을 가능하게 한다. 익숙한 의식의 흐름에 균열을 가하고, 우리가 존재하는 세계의 시공간을 확장하는 이번 빌 비올라의 개인전은 4월 10일까지 계속된다.

[Source from the West Bund Museum’s website]
5 SUPERFLEX, Subject of Solo Exhibition Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami at Kunsthaus Graz, Austria

Installation view of Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami at Kunsthaus Graz, Austria, 2021
Courtesy of the artists
Photo: Jakob Fenger

Artist: 수퍼플렉스(SUPERFLEX)
Exhibition Dates: November 26, 2021 – March 13, 2022 
Exhibition Venue: Kunsthaus Graz, Austria
Website: https://www.museum-joanneum.at/en/kunsthaus-graz/exhibitions/exhibitions/events/event/9999/superflex-6

The Danish artist collective SUPERFLEX is the subject of the solo exhibition Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami at Kunsthaus Graz, Austria, on view from November 26, 2021. Concluding their five-year project that began at the institution in 2017, the exhibition challenges the integrity of the global financial system and the value of money imposed by today’s neoliberal agenda. Questioning the role of artists within a contemporary society, SUPERFLEX has persistently contemplated the nature of existing economic and power structures. In this exhibition, which employs the framework of the Five-Year Plan—a centralized, systemic economic development initiative issued by governments—the artist collective presents a selection of works that prompts viewers to reevaluate the current global economic structure.

As a start to their five-year project in 2017, SUPERFLEX installed C.R.E.A.M (2017), a sculpture that takes the form of an ATM, at the foyer of the museum. Placed next to the chrome-plated, deactivated ATM sculpture is a poster that reads “Cash rules everything around me.” This combination creates an environment in which the fundamental elements of capitalism have lost their original function. In 2018, SUPERFLEX carried out their Free Shop project in shops located around the museum. By distributing goods to customers free of charge, the project raises questions about the internalized forms of commercial transaction. Subsequently in 2019, they mounted Number of Visitors (2019) above the entrance of the museum, a large counter that displays the total number of visitors to the museum which lampoons the criteria cultural institutions are judged upon for their success today. In 2020, the artist collective presented Lost Money / Handful (2019), an installation displaying euro coins distributed across the floor, so firmly attached they cannot be lifted. Along with these older works, the concluding exhibition presents major pieces such as We Are All In the Same Boat (2018) and Beyond The End of the World (2021). Also on view at the exhibition is Investment Bank Flowerpots (2021), a series of sculptures that take the form of a flowerpot. Suggesting a harmonious, symbiotic relationship and a new form of coexistence between species, the sculptures expand communal notions amidst the imperfections of the capitalist system. Commended for their utilization of art as a “tool” to discover inspiring solutions to some of today’s greatest challenges including sustainability and environment, SUPERFLEX received the Danish Crown Prince Couple's Cultural Award in September. The exhibition, which prompts viewers to contemplate the legitimacy, susceptibility, and duplicity of the capitalist system that seeps into every crack and corner of the world “sometimes as a fog, sometimes as a tsunami,” will remain on view through March 13, 2022.

수퍼플렉스, 오스트리아 쿤스트하우스 그라츠에서 개인전 《Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami》 개최

덴마크 출신의 3인조 작가 그룹 수퍼플렉스의 개인전 《Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami》가 오스트리아 쿤스트하우스 그라츠에서 11월 26일부터 열린다. 2017년 같은 미술관에서 열린 'Five-year plan'으로 시작된 5개년 프로젝트를 마무리하는 이번 전시는 신자유주의 체제 내에서 우리가 믿고 있는 글로벌 금융 시스템의 완전성과 화폐의 가치에 대해 질문을 던진다. 현대사회 속 작가의 역할에 대해 끊임없이 자문하며 경제 시스템과 생산 조건을 고찰하는 작업을 전개해온 수퍼플렉스는 이번 전시에서 흔히 경제개발계획으로 명명되는 ‘5개년 계획’이라는 주제 하에 현시점의 경제 체제를 새로운 시각으로 바라보게 하는 다수의 작품들을 선보인다. 

이번 5개년 프로젝트는 2017년 미술관 입구에 설치된 ATM 기기 형상의 작품 <C.R.E.A.M.>(2017)으로 시작되었다. 크롬으로 도금되어 ATM 본연의 기능을 잃은 이 작품은 ‘돈이 내 주위 모든 것을 지배한다(Cash rules everything around me)’라는 문구가 쓰인 포스터와 함께 설치되어 소비사회를 작동시키는 주요 요소가 무력화된 모습을 상징한다. 2018년에는 대가 없이 물건을 무료로 나누어 주는 <Free Shop>을 설치, 재화나 서비스를 돈을 받고 판매하는 내재화된 시스템에 의문을 제기했다. 2019년에는 미술관 펀딩의 주요 척도가 된 방문자 수 집계 체제를 비판하는 <Number of Visitors>(2019)를 설치했고, 2020년에는 바닥에 흩어진 채 고착되어 주울 수 없는 동전들을 보여주는 작품 <Lost Money / Handful>(2019)를 차례로 공개했다. 
이번 전시에서는 이러한 지난 작품들과 함께 <We Are All In the Same Boat>(2018), <Beyond The End of The World>(2021) 등 작가의 주요 작품들도 만날 수 있다. 전시 말미에는 식물을 소재로 한 <Investment Bank Flowerpots>(2021)를 통해 이 모든 불완전성에도 불구하고, 종들 간의 공존으로 탄생하는 확장된 공동체의 가능성을 시사한다. 한편 수퍼플렉스는 지난 9월 예술을 통해 현대사회가 마주한 환경과 지속가능성의 문제를 해결하고자 노력한 공을 인정받아 ‘덴마크 왕세자 부부 문화상(Danish Crown Prince Couple’s Cultural Award)’을 수상한 바 있다. 세계의 모든 틈에 ‘때로는 안개처럼, 때로는 쓰나미’처럼 스며드는 자본주의 체제의 진실과 변칙성, 허구성을 고찰하게끔 하는 이번 전시는 내년 3월 13일까지 계속된다. 

[Source from Kunsthaus Graz website]
6 Ugo Rondinone, Subject of Solo Exhibition vocabulary of solitude at Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki, New Zealand

Ugo Rondinone, vocabulary of solitude, 2014, polystyrene foam, epoxy resin, fabric. 
Installation view of Ugo Rondinone, vocaubulary of solitutde, Auckland Art Gallery Toi o Tamaki, 2021
Courtesy of the Artist and Galerie Eva Presenhuber, Zurich
Photo: Jennifer French

Artist: 우고 론디노네(Ugo Rondinone)
Exhibition Dates: November 20, 2021 – February 27, 2022
Exhibition Venue: Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki, New Zealand
Website: https://www.aucklandartgallery.com/whats-on/exhibition/vocabulary-of-solitude-by-ugo-rondinone

The Swiss contemporary artist Ugo Rondinone is the subject of a solo exhibition titled vocabulary of solitude, held at the Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki, New Zealand. The artist, who works across painting, sculpture, video, and installation, poetically reinterprets familiar imagery and explores the emotional and psychological depths of the human experience. Through his current installation, Rondinone presents an array of clown sculptures within a space encased in windows covered by rainbow-colored screen film, encouraging an introspection into human existence. 

Constructed with windows covered with multi-colored screen film, the exhibition space houses life-sized clown sculptures placed in various positions on the floor which is covered in vinyl, bringing a melancholy atmosphere to the room. For this exhibition, a sheet of colored screen film have been affixed to the front and back windows of the space. The clown figures—the main feature of this installation—exhibit a passive and lethargic attitude that strikes a stark contrast to their jubilant surroundings and festive costumes. Each of the clowns, titled after everyday acts such as “breathe,” “rise,” “taste,” “remember,” and “cry,” define “solitude” in discrete ways, while representing individuals who remain outside society’s mainstream. vocabulary of solitude, which is on view for free with the support of the Auckland Contemporary Art Trust, runs through February 27, 2022. 

우고 론디노네, 뉴질랜드 오클랜드 아트 갤러리 토이 오 타마키(Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki)에서 개인전 《vocabulary of solitude》 개최

스위스 출신의 현대미술가 우고 론디노네가 뉴질랜드에 위치한 오클랜드 아트 갤러리 토이 오 타마키(Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki)에서 개인전 《vocabulary of solitude》를 개최한다. 회화, 조각, 미디어, 설치 등 다양한 장르를 넘나드는 우고 론디노네는 일상적인 이미지들을 시적으로 재해석하고, 인간 내면의 깊은 곳을 탐구해왔다. 작가는 이번 개인전에서 무지개 빛이 드리워진 공간에 다수의 광대 조각을 펼쳐 보이며 인간의 존재론적 성찰을 도모한다. 

멜랑콜리한 분위기를 조성하는 론디노네의 설치작업은 무지개색 스크린 필름으로 도배된 전시장 유리 벽면, 고립된 채 제각기 다른 포즈를 취하고 있는 실물 크기의 광대 조각, 비닐로 덮인 바닥으로 구성되어 있다. 이번 전시를 위해 미술관 앞면과 뒷면에 위치한 유리 벽면 전면에는 스크린 필름이 부착됐다. 작업의 중심을 차지하는 광대 조각은 다채로운 천장 및 벽면, 그리고 화려한 옷과 상반되는 정적이고 무기력한 모습으로 ‘홀로 있음’의 정의를 자신만의 방식으로 표현하는 동시에 사회 변두리에서 소외된 일상을 살아가는 이들을 상징한다. 인간의 아주 평범하고도 일상적 행위들을 재현하는 광대들은 각각 ‘숨쉬기’, ‘일어나기’, ‘맛보기’, ‘기억하기’, ‘울기’ 등으로 이름 붙여진다. 오클랜드 현대미술 후원회(Auckland Contemporary Art Trust)의 지원을 받아 무료로 운영되는 본 전시는 2월 27일까지 진행된다. 

[Source from Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki website]
7 Hong Seung-Hye Showcases On Stage as part of Project Exhibition IMA Picks 2021 at Ilmin Museum of Art

Installation view of On Stage, 2021 at Ilmin Museum of Art, Seoul, Korea

Artists: 홍승혜(Hong Seung-Hye)
Exhibition Dates: November 19, 2021 – February 6, 2022 
Exhibition Venue: Ilmin Museum of Art, Seoul, Korea
Website: https://ilmin.org/exhibition/%e3%80%8aima-picks-2021%e3%80%8b/

The contemporary artist Hong Seung-Hye presents her solo exhibition On Stage as part of IMA Picks 2021, held at the Ilmin Museum of Art, Seoul, Korea, from November 19, 2021. As the museum’s annual project exhibition, IMA Picks 2021 highlights works by Hong Seung-Hye (b. 1959), Lee Eunsae (b. 1987) and Yun Suknam (b. 1939)—three female artists from discrete generations who have each inspired continuous discourse and shifts in the landscapes of the local and international contemporary art scenes. Each artist is designated a space within the museum’s galleries to showcase her work. Hong, who has spent decades constructing a unique practice that traverses between two-dimensional and three-dimensional works by combining and assembling the “pixel”—the basic unit of computer programming—embraces the role of a producer and director, showcasing a comprehensive span of her artistic vocabulary. 

Installed on the second floor of the museum, On Stage is a “stage” founded on the pixel, sporadically intervened by miscellaneous elements such as floors, walls, a circular stage, furniture, and posters. Hong utilizes this space to show one of her video works alongside five sculptures created by four sculptors who in the past were her students, and currently are her collaborators. The exhibition features aspects of a performance, inviting five performers—each identified as “the artist,” “the voice actor,” “the audience,” “the princess,” and “the lover”—who occupy the stage in the form of moving sculptures. On stage, their presence constructs a landscape where art intertwines with life, delivering Hong’s message that “art can touch upon the mundanity of everyday life, and that we can thus forge a collective world in which we all foster change.” Hong’s works, which derive from the organic form of the pixel, brings forth a new reality interweaved with abstract art, where various challenges exist relative to the space in which the works are placed. On stage runs through February 6, 2022, featuring performance sessions between 1pm to 5pm every Saturday. 

홍승혜, 일민미술관 3인전 《IMA Picks 2021》에서 《무대에 관하여》 개최

현대미술가 홍승혜가 일민미술관의 전시 《IMA Picks 2021》에 참가, 《무대에 관하여》전을 11월 19일부터 선보인다. 이번 전시는 국내외 예술 현장에서 지속적인 담론과 현상을 만들어온 세 명의 작가를 선정하는 일민미술관의 기획전시로, 홍승혜(b.1959)를 비롯해 이은새(b.1987), 윤석남(b.1939) 등 각기 다른 세대를 경험해 온 여성작가 3인이 참가해 각각의 전시를 꾸렸다. 지난 수십 년 동안 컴퓨터 프로그램의 기본 단위인 ‘픽셀’을 결합, 축적하며 평면과 입체를 넘나드는 작업을 전개해온 홍승혜는 이번 전시에서 연출가 또는 극장장으로 분해 폭넓은 작업을 선보인다.

일민미술관 2층에서 펼쳐지는 《무대에 관하여》는 픽셀에 근거한 무대로, 곳곳에 바닥과 벽, 원형 무대, 가구와 포스터 등이 가설된 장소이다. 홍승혜는 이곳 무대에서 자신의 영상 작업과 함께 제자이자 동료인 4명의 조각가가 제작한 5점의 조각을 선보인다. 퍼포먼스가 가미된 이번 전시에서는 ‘예술가’, ‘성우’, ‘관객’, ‘공주’, ‘연인’으로 분한 5명의 퍼포머들이 움직이는 조각으로 무대를 채우며 예술적 사건과 삶의 시간이 뒤엉키는 풍경을 만들어내고, 이로써 “예술이 평범한 일상에 닿고, 그로 인해 우리 모두가 공통의 세계를 바꿀 수 있다는 믿음을 표현하고자 했다”는 작가의 의도를 반영한다. 유기적 단위인 픽셀을 응용하여 추상미술을 현실에 개입시켜온 홍승혜의 작업은 이번에도 공간에 관한 여러 도전들이 혼재한 또다른 현실을 탄생시킨다. 내년 2월 6일까지 진행되는 이번 전시는 매주 토요일 오후 1-5시 사이 수시로 퍼포먼스를 선보인다. 

[Source from Ilmin Museum of Art’s website] 
8 Haegue Yang Presents Sonic Rescue Ropes, an Installation Commissioned by M+, Hong Kong, in Celebration of Its Opening

Haegue Yang, Sonic Rescue Ropes, 2021, nickel-plated bells, stainless steel chains, split rings, dimensions variable. Courtesy of the artist. Commissioned by M+, 2021
Installation view at M+, Hong Kong, 2021. 
Photo: Lok Cheng and Dan Leung, M+. Courtesy of M+, Hong Kong.

Artist: 양혜규(Haegue Yang)
Exhibition Dates: November 12, 2021 – November 12, 2022
Exhibition Venue: M+, Hong Kong
Website: https://www.mplus.org.hk/en/exhibitions/m-commission-haegue-yang/

The Korean contemporary artist Haegue Yang’s Sonic Rescue Ropes (2021), an installation commissioned by M+, is currently being presented at the museum which recently opened its doors to the public in the West Kowloon Cultural District of Hong Kong. Asia’s first museum dedicated to contemporary visual culture, M+ is led by director Suhanya Raffel and deputy director Doryun Chong, who jointly ranked 78 on the 2021 Power 100 list announced by the respected British arts magazine ArtReview. Designed by the Pritzker Prize-winning Swiss architecture firm Herzog & de Meuron, the expansive cultural institution houses 33 galleries, along with other various facilities including three cinemas, a research center, followed by a number of restaurants and bars. Under its slogan, “more than a museum,” M+ showcases a holistic collection of works from Hong Kong, Asia, and beyond. To celebrate its inauguration, M+ presents approximately 1,500 works across six special exhibitions including Antony Gormley and a selection drawn from the M+ Sigg Collection, along with ambitious commissioned works by Haegue Yang and Danh Vō.

Haegue Yang, known for her practice that interweaves a range of materials and historical references to create multisensory experiences, displays her Sonic Rescue Ropes at the museum’s subterranean display space called the ‘Found Space.’ Referencing her earlier work Sonic Ropes (2020-), introduced at her solo exhibition MMCA Hyundai Motor Series 2020: Haegue Yang―O₂ & H₂O at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, Sonic Rescue Ropes features gleaming cords of bells that drape down from the ceiling, linked together with metal rings. Designed in various sizes and forms, Sonic Rescue Ropes explores the myriad ways in which the body responds to the work; earlier wall-mounted works from the Sonic Sculptures (2013-) create rattling sounds when rotated by hand, while Sonicwear (2013-) is worn directly on the body, triggering a resonance between the physical touch and acoustic sensation. Meanwhile, in the freestanding sculpture Sonic Domesticus (2020), handles mediate the body and the work to build a relationship in between. Sonic Rescue Ropes, of which the ends are dropped down almost to touch the floor, similarly introduces a new form of interaction between the work and the body. Inspired by the Korean folktale Sister Sun and Brother Moon, the installation takes the form of a rope that provides an escape from the hardships of reality. Resonating a rattling sound vertically towards the ceiling, Yang’s multisensory installation stimulates the viewers’ sensorial intuition toward the world of imagination. While the current work will be activated occasionally throughout the duration of the exhibition, a new commission by Yang will be presented on-site in spring. 

양혜규, 홍콩 M+ 개관전에서 커미션 설치작품 <소리 나는 구명 동아줄> 공개

현대미술가 양혜규가 홍콩 서구룡문화지구에 새롭게 문을 연 홍콩 M+에서 커미션 설치작품 <소리 나는 구명 동아줄>(2021)을 선보인다. 아시아 최초의 컨템포러리 비주얼 문화 뮤지엄을 표방하는 M+는 지난 12월 1일, 영국의 저명한 미술지 ‘아트리뷰(ArtReview) 2021 파워 100’에 공동 78위로 선정된 수한야 라펠(Suhanya Raffel)과 정도련이 각각 관장, 부관장을 맡았다. 프리츠커 상을 수상한 스위스 바젤 출신의 듀오 건축가 헤르조그 앤 드 뫼롱(Herzog and de Meuron)이 설계를 맡은 이곳 미술관은 33개의 갤러리와 3개의 극장을 비롯해 리서치 센터, 레스토랑, 바(bar) 등을 갖춘 대규모 문화공간이다. ‘미술관 이상의 미술관’이라는 뜻을 지닌 M+는 홍콩, 아시아 작가의 작품뿐 아니라 아시아의 영향을 받은 전세계의 예술 작품을 폭넓게 선보인다. 이번 개관전에서는 안토니 곰리(Antony Gormley), 지그 컬렉션(Sigg Collection) 등 6개의 전시와 양혜규, 얀 보(Danh Vō)를 비롯한 여섯 작가의 커미션 작품을 포함한 총 1500여 점의 다채로운 작품으로 관객들을 맞이한다.

다양한 재료와 역사적 참조를 바탕으로 감각적 경험을 매개하는 작업을 전개해온 양혜규는 이번 개관전에서 지난 2020년 국립현대미술관 《MMCA 현대차 시리즈 2020: 양혜규-O2 & H2O》에서 선보인 <소리 나는 동아줄>(2020)을 변형, 확장한 작품을 지하 ‘파운드 스페이스(Found Space)’에서 선보인다. 방울을 금속 링으로 엮어 전시장 천장으로부터 길게 드리운 <소리 나는 구명 동아줄>은 그 크기와 형태를 달리하며 작품이 신체와 관계 맺는 방식을 새롭게 발견해 나간다. 손으로 회전시켜 소리를 내는 초기의 벽걸이형 작품에서 시작하여, 몸에 직접 착용해 신체와 청각 사이의 공명을 연출한 <소리 나는 의류>(2013-), 손잡이를 매개로 신체와 관계를 맺는 직립형 작품 <소리 나는 가물 家物>(2020)에 이어 이번 작품은 작품의 신체 대응 방식을 또 한번 변화시킨다. 전래동화에서 영감을 얻어 천장에서부터 땅에 닿을 듯 말 듯 길게 늘어진 이 동아줄은 현실의 시련으로부터 탈출을 돕는 오브제다. 작품을 흔들 때 발생하는 소리는 수직으로 공명하고, 천장으로 울려 퍼지는 소리는 해와 달이 된 오누이의 설화처럼 우리의 감각과 상상력을 동아줄 너머의 어딘가까지 닿게 한다. 작품은 전시 기간 중 시연될 예정이며, 오는 2022년 봄에는 작가의 새로운 커미션 작업이 이곳 미술관에 설치될 예정이다.

[Source from M+ Hong Kong press release]
9 Jenny Holzer Reveals HURT EARTH, a Series of Large-scale Light Projections across the UK

Jenny Holzer, HURT EARTH, 2021
© 2021 Jenny Holzer, member Artists Rights Society (ARS), NY / DACS, UK
Photo: Adam Kenrick

Artist: Jenny Holzer
Exhibition Venues & Dates:
October 29 – 31, 2021 Tate Modern, London, UK
November 8, 2021 Edinburgh Castle, Edinburgh, UK│SEC Armadillo, Glasgow, UK
November 9 – 11, 2021 Met Tower, Glasgow, UK
November 12 – 14, 2021 Pop-up locations across Edinburgh, UK
Website: https://artforyourworld.wwf.org.uk/blog/40-news-jenny-holzer-hurt-earth-at-tate-modern-supporter-spotlight/

The American contemporary artist Jenny Holzer recently revealed a series of large-scale light projections, under the title HURT EARTH (2021), across the UK. This project coincides with the 26th annual United Nations Climate Change Conference of the Parties (COP26), which takes place in Glasgow and brings together leaders and delegates from approximately 120 countries. Intended to raise awareness of the climate crisis—one of the greatest challenges faced by humanity today—HURT EARTH launched at London’s Tate Modern and has traveled to major UK landmarks including Edinburgh Castle, the SEC Armadillo, and the Met Tower, and will be followed by a series of pop-up locations in Edinburgh through November 14, 2021.

For the past four decades, Holzer has utilized text as her primary medium to address pressing social issues and advocate political justice. For HURT EARTH, the artist has projected excerpts of writings, testimonies, speeches, and interviews from approximately 40 international leaders and activists onto different buildings, highlighting the precarious state of the climate crisis—an issue Holzer has always followed closely. Of the texts incorporated into the artwork includes a quote by the Swedish environmental activist Greta Thunberg, “IF WE CHOOSE TO ACT TOGETHER THERE ARE NO LIMITS TO WHAT WE CAN ACCOMPLISH,” along with one by Theodore Roosevelt, the 26th President of the United States, “THERE IS NOTHING MORE PRACTICAL IN THE END THAN THE PRESERVATION OF BEAUTY.” The use of such determined and intuitive language compellingly highlights the alarming intensity of climate change.

Inviting viewers to contemplate the bleak reality of the climate crisis, the sentences projected onto the façade of each building transforms what was once a familiar edifice into an entirely new piece of architecture. At a time when solidarity and collective action are most needed in order to address the current climate crisis, Holzer’s work initiates essential discourse on social and political activism within the art world.

제니 홀저, 영국 전역에 초대형 프로젝션 작업 <HURT EARTH>(2021) 공개

미국의 현대미술가 제니 홀저가 초대형 프로젝션 작업 <HURT EARTH>(2021)를 영국 전역에 선보인다. 기후위기에 대응하기 위해 세계 120여 개국의 정상이 참가, 영국 글래스고에서 개최되는 제26차 유엔기후변화협약 당사국총회(COP26)를 맞이해 기획된 본 프로젝트에서 작가는 기후변화라는 공통의 과제에 직면한 전세계에 경종을 울리는 메시지를 전한다. 작품은 런던의 테이트모던을 시작으로 오는 11월 14일까지 에든버러 성, SEC 아르마딜로, 메트 타워 등 영국의 주요 랜드마크에서 순차적으로 전시된다.

제니 홀저는 지난 40년간 언어를 주요 재료로 삼아 사회적 문제를 공론화하는 작업을 지속해왔다. 본인이 평소 관심 있게 바라본 기후변화 문제를 작업으로 승화한 이번 프로젝트에서 그는 전 세계 40여 명의 환경운동가 및 지도자들의 글과 연설 및 인터뷰에서 발췌한 문구를 건물에 투사하는 방식을 통해 기후위기의 심각성을 강조한다. 홀저는 스웨덴의 10대 환경운동가 그레타 툰베리(Greta Thunberg)의 연설에서 발췌한 “함께 행동하기로 결정한다면 우리가 성취할 수 있는 것엔 한계가 없다(If we choose to act together, there are no limits to what we can accomplish)”와 미국의 26대 대통령 시어도어 루스벨트(Theodore Roosevelt)의 명언 “아름다움을 보존하는 것만큼 실용적인 일은 없다(There is nothing more practical in the end than the preservation of beauty)”등 강경하고도 직관적인 문장들로 고조되는 기후위기에 대한 경각심을 일깨운다.

각 건물의 전면에 투사되는 제니 홀저의 글귀는 현지인들에게 친숙한 건물을 낯설고 새로운 공간으로 변모시킬 뿐만 아니라 이들로 하여금 인류가 당면한 현실을 직시하게 한다. 더 나아가 세계적 의제로 떠오른 기후위기에 대처하는 국제사회의 강화된 행동과 연대가 그 어느 때보다 절실한 지금, 홀저의 프로젝션 작업은 미술을 비롯한 문화예술계 내에서도 환경문제를 둘러싼 담론을 촉발하는 실천적인 예술로 크게 주목받고 있다.

[Source from ‘HURT EARTH’ press release, provided by Jenny Holzer Studio and Sutton]
10 Lee Ufan, Subject of Major Solo Exhibition Requiem at Alyscamps, Arles, France

Installation view of Requiem at Alyscamps, Arles, France.

Artists: 이우환(Lee Ufan)
Exhibition Dates: October 30, 2021 – September 30, 2022 
Exhibition Venue: Alyscamps, Arles, France
Website: https://www.studioleeufan.org/latest/2021/10/11/1afavh5b0iy292j5a97f9s32vcmjw7

The celebrated contemporary artist Lee Ufan is the subject of a solo exhibition titled Requiem at Alyscamps, Arles, in the south of France, on view from October 30, 2021, through September 30, 2022. A renowned tourist destination facing the Mediterranean Sea, Arles is known for its rich history and cultural heritage often associated with the Dutch Post-Impressionist painter Vincent van Gogh, who produced more than 300 paintings during his stay in the city. Arles is home to Alyscamps—one of the eight UNESCO World Heritage Sites in the city—a large Roman necropolis known for its alleys aligned with thousands of sarcophagi and the Romanesque Church of Saint-Honorat. In celebration of the 40th anniversary of the necropolis’ inscription on the World Heritage List, Alfred Pacquement, the former director of the National Museum of Modern Art, Centre Pompidou, has curated an exhibition that presents 14 new works by Lee. This carefully curated selection of works includes those from Lee’s signature series Relatum and Dialogue, along with other sculptures and paintings. The artist, who has continuously explored the dynamics between his work and its setting, exquisitely transforms the historic site into a space where each work enters into a dialogue with its surrounding monuments.

Since 1972, Lee has consistently presented his installation series entitled Relatum. With stones arranged on a steel plate, Lee’s Relatum series highlights the tension between nature and the artificial, along with the interrelationships of matter and space. Featuring concise brushstrokes on an otherwise bare canvas, Lee's Dialogue series once again delivers a deep resonance across the cemetery by activating the relationship between contrasting elements such as the painted and the unpainted, and presence and absence. Spanning the necropolis from the entrance to the interior of the Church of Saint-Honorat, each of the 14 works form a dialogue with the sarcophagi and surrounding nature, creating a tension between life and death, modern and ancient. In April of next year, a third permanent exhibition space—designed by the renowned Japanese architect, Tadao Ando—solely dedicated to Lee’s work is due to open in Arles following the opening of the Lee Ufan Museum in Naoshima, Japan (2010) and Space Lee Ufan at Busan Museum of Art, Korea (2015). 

이우환, 프랑스 남부 아를 알리스캉에서 개인전 《Requiem》 개최

현대미술의 거장 이우환의 개인전 《Requiem》이 프랑스 남부 아를(Arles)에 위치한 알리스캉(Alyscamps)에서 10월 30일부터 11개월 정도 선보인다. 지중해에 접한 휴양 도시 아를은 고흐가 300여 점이 넘는 그림을 그린 것으로 알려진 예술과 역사의 도시이다. 특히 아를의 8대 세계유산 중 하나인 알리스캉은 고대 로마인들의 독특한 무덤 문화가 담긴 공동묘지로 석관이 늘어선 골목과 로마네스크 양식의 생토노레 교회(Church of Saint-Honorat)가 조화를 이루는 곳이다. 유산 등재 40주년을 맞아 퐁피두센터 국립 근대미술관장을 역임한 큐레이터 알프레드 파퀴망(Alfred Pacquement)과 함께 기획된 이번 전시에서 이우환은 ‘관계항(Relatum)’, ‘대화(Dialogue)’를 비롯한 주요 신작, 조각과 회화 14점을 소개한다. 평생 주변 공간과 관계 맺으며 교감하는 작품을 선보여온 작가의 작업이 알리스캉의 오랜 유적들과 함께 호흡하게 된 셈이다.

이우환은 1972년부터 ‘관계항’이라는 이름의 설치 작품을 지속적으로 발표해왔다. 인위적으로 가공된 공업 용재 ‘철판’과 자연의 산물인 ‘돌’로 구성된 이 작업은 자연과 주변 환경, 다른 물질과의 관계를 형성하는 하나의 장(場)을 표현한다. 간결한 붓 자국과 캔버스의 여백이 조화를 이루는 ‘대화’ 연작은 이번에도 그림을 그린 부분과 그리지 않은 부분, 존재하는 것과 존재하지 않는 것이 서로 상호작용하며 묘지 공간에 깊은 울림을 주고, 석관이 늘어선 입구부터 교회 내부까지 곳곳에 전시된 작품들은 로마 시대의 유적 및 자연과 긴장감을 유지하면서 죽음과 삶, 고대와 현대를 아우른다. 내년 4월에는 일본 나오시마(2010년 개관), 부산(2015년 개관)에 이어 세 번째로 아를 시내에 이우환 미술관이 개관 예정이며, 유명 건축가 안도 다다오(Ando Tadao)가 건축 설계를 맡았다. 

[Source from Studio LeeUfan website]
11 Wook-kyung Choi, Subject of Major Retrospective Wook-kyung Choi, Alice’s Cat at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Gwacheon, Korea

Installation view of Wook-kyung Choi, Alice’s Cat at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Gwacheon, Korea

Artists: 최욱경(Wook-kyung Choi)
Exhibition Dates: October 27, 2021 – February 13, 2022 
Exhibition Venue: National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Gwacheon, Korea
Website: https://www.mmca.go.kr/eng/exhibitions/exhibitionsDetail.do?exhId=202101190001357

The Korean contemporary artist Wook-kyung Choi is the subject of a major retrospective titled Wook-kyung Choi, Alice’s Cat, which opens on October 27, 2021, at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) in Gwacheon, Korea. Choi is known for her bold abstract paintings and works on paper which signaled a timely intercultural exchange between the United States and Korea. The exhibition title stems from the novel Alice’s Adventures in Wonderland by Lewis Carroll (1832-1898), which left a profound influence on Choi’s artistic vocabulary. Presenting a tightly curated, comprehensive selection of approximately 200 works and ephemera, spanning early self-portraits from 1953 to later works created in 1985 before the artist’s untimely passing, Wook-kyung Choi, Alice’s Cat heralds Choi’s multifaceted talent as an artist, educator, and poet. 
The title of the exhibition—Wook-kyung Choi, Alice’s Cat—represents the explorations Choi undertook as an artist as she traveled back and forth from Korea and the United States after her first visit to the latter country in 1963. Simultaneously, it sheds light onto the artist’s commitment to literature—as a prolific poet, Choi published her English poems under the title Small Stones (1965) and 45 of her Korean poems (one of which included Alice’s Cat) under the title Like Unfamiliar Faces (1972) throughout her lifetime. 

The retrospective, which multilaterally reflects on Choi’s artistic language, is divided into four chronologically organized sections. The exhibition begins with ‘To America as Wonderland,’ featuring works created between 1963 and 1970, when the artist first became exposed to the latest shifts in American contemporary art and fully embraced these canons in her abstract and black-and-white paintings during her studies in the U.S. Between 1971 and 1978, Choi worked on large-scale abstract paintings while traveling between Korea and the U.S., showcased in the second section titled ‘Korea and America, In between Dream and Reality.’ ‘To the Mountains and Islands of Korea and the Home of Choi’s Painting’ presents Choi’s unique interpretation of Korean nature, which developed during her tenure as a professor at Yeungnam University and Duksung Women’s University upon her return to Korea in 1979. Choi’s self-portraits from the early 1950s to the 1970s constitute the final section, ‘Epilogue. Mirror Room: The Beginning of a New Story.’ The exhibition, which provides an opportunity to rediscover Choi as one of the leading figures of Korean abstract art, far beyond her existing reputation as a genius painter who died young, runs through February 13, 2022. Meanwhile, Choi’s works are also on view at the Guggenheim Museum Bilbao’s special group exhibition, Women in Abstraction, through February 27, 2022.

최욱경, 과천 국립현대미술관에서 대규모 회고전 《최욱경, 앨리스의 고양이》 개최

한국을 대표하는 추상미술가 최욱경의 대규모 회고전 《최욱경, 앨리스의 고양이》가 과천 국립현대미술관에서 10월 27일부터 열린다. 강렬한 색채와 대담한 필치의 작업으로 국제적인 동시에 한국적인 추상회화의 기법을 이끈 최욱경의 이번 회고전은 그의 작업세계에 큰 영향을 미친 것으로 알려진 루이스 캐럴(Lewis Carroll, 1832-1898)의 소설 『이상한 나라의 앨리스(Alice’s Adventures in Wonderland)』에서 제목을 차용하였다. 1953년 초기 자화상부터 1985년 작고하기까지의 작품 및 자료 200여 점을 선보이는 이번 대규모 회고전은 화가, 미술 교육자, 시인으로 전방위적인 활동을 펼친 작가의 총체적인 이력을 조망한다. 

‘최욱경, 앨리스의 고양이’ 전시명은 1963년 처음 미국으로 건너가, 이후 한국과 미국을 오가며 새로운 세계를 탐색해온 작가를 상징하는 동시에 1965년 영문 시집 『작은 돌들(Small Stones)』, 1972년 「앨리스의 고양이」를 비롯한 시 45편을 수록한 국문 시집 『낯설은 얼굴들처럼』을 출간한 작가의 문학적 이력을 통해 그의 작업을 조망하고자 하는 의미를 지니고 있다. 

최욱경의 예술 세계 전반을 다각적으로 선보이는 이번 회고전은 크게 4개 공간으로 나뉘어 진행된다. 1963년부터 1970년까지 미국 유학 시기에 미국 동시대 미술을 폭넓게 수용한 추상회화 및 흑백 회화를 선보이는 '미국이라는 원더랜드를 향하여'를 시작으로 1971년부터 1978년까지 한국과 미국을 오가며 구상과 추상이 결합된 대규모 추상미술 작품들을 작업한 '한국과 미국, 꿈과 현실의 사이에서'가 이어진다. 계속되는 공간에서는 1979년 미국에서 귀국한 이후 영남대와 덕성여대에서 교수로 재직하며 한국의 자연을 주제로 작업한 작품들을 선보이는 ‘한국의 산과 섬, 그림의 고향으로’, 마지막으로 '에필로그. 거울의 방: 새로운 이야기의 시작'에서는 1950년대 초부터 1970년대까지 작가가 제작한 자화상을 선보인다. 요절한 천재 여성작가라는 기존의 평가를 넘어 한국 대표 추상미술가로서의 예술 세계 전반을 주목하는 이번 전시는 내년 2월 13일까지 계속된다. 한편 최욱경의 작품들은 현재 구겐하임 빌바오 미술관에서 열리는 기획전 《Women in Abstraction》(2022년 2월 27일까지)에서도 만나볼 수 있다. 

[Source from MMCA press release]
12 Elmgreen & Dragset, Subjects of Elmgreen & Dragset - 14th Robert Jacobsen Prize of the Würth Foundation at Museum Würth 2, Germany

Installation view of Elmgreen & Dragset - 14th Robert Jacobsen Prize of the Würth Foundation at Museum Würth 2
Photo: Würth/Ufuk Arslan

Artists: 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)
Exhibition Dates: October 5, 2021 – February 6, 2022 
Exhibition Venue: Museum Würth 2, Künzelsau, Germany
Website: https://kunst.wuerth.com/en/museum_wuerth_2/ausstellung/aktuelle_ausstellungen_2/elmgreen___dragset_14__robert_jacobsen_preis_der_stiftung_wuerth/elmgreen___dragset.php

Internationally acclaimed for their witty yet critical interpretations of social and everyday stereotypes, the Scandinavian artist duo Elmgreen & Dragset have been named by the Würth Foundation as the recipients of the 14th Robert Jacobsen Prize. In celebration of this occasion, the duo are currently the subjects of the solo exhibition Elmgreen & Dragset – 14th Robert Jacobsen Prize of the Würth Foundation, running from October 5, 2021, at Museum Würth 2, Künzelsau, Germany. Established to commemorate the work of the renowned Danish sculptor Robert Jacobsen (1912-1993), the eponymous award selects one contemporary artist on a biannual basis, with the winner receiving an endowment of €50,000 from the Würth Foundation. Previous recipients of the Robert Jacobsen Prize include Eva Rothschild (2018/19), Yngve Holen (2016/17), Michael Sailstorfer (2014/15), Jeppe Hein (2012), and Lun Tuchnowski (1993). The foundation commended the duo’s work for “[t]heir multifaceted work [which] oscillates between seriousness and absurdity,” and which “show[s] a high social relevance and extreme urgency."

On the occasion of the award, a major selection of Elmgreen & Dragset’s works will be on display across the Belvedere and the sculpture garden at Museum Würth 2, located in the Baden-Württemberg state, in south central Germany. Statue of Liberty, Fig. 2 (2018-2021), a sculpture that takes the form of an ATM that stands upon an original concrete fragment of the Berlin Wall, discusses how independence cannot be exchanged as currency often is, and reassesses the history of East Berlin. Displayed inside the Belvedere are works such as The Observer (2019), portraying a solitary man deep in thought on a balcony that represents private and public boundaries, Watching (2016), and The Painter. Adaptation, Fig. 2 (2018), previously shown at the duo’s solo exhibition with Kukje Gallery back in 2019, is placed in the sculpture garden. While the work takes the shape a conventional safety sign, its mirror-like stainless steel surface reflects its surroundings and visitors, providing an opportunity to reexamine the familiar canons of everyday life. Elmgreen & Dragset’s comprehensive presentation runs through February 6, 2022. 

엘름그린 & 드라그셋, 독일 브뤼트 미술관에서 ‘제14회 로버트 야콥센 상’ 수상전 개최 

덴마크 출신의 아티스트 듀오 엘름그린 & 드라그셋의 ‘제14회 로버트 야콥센 상’ 수상을 기념하는 전시가 독일 남부의 뷔르트 미술관에서 10월 5일부터 열린다. 사회적, 일상적 클리셰에 끊임없이 질문을 제기하고, 이를 특유의 위트와 비판정신으로 표현해온 엘름그린 & 드라그셋은 올해 ‘제14회 로버트 야콥센 상’ 수상자로 선정되었다. 덴마크의 저명한 조각가 로버트 야콥센(Robert Jacobsen, 1912-1993)을 기리기 위해 독일 뷔르트 재단에서 제정한 ‘로버트 야콥센 상’은 2년에 한 번씩 영향력 있는 현대미술가를 선정, 상금으로 5만 유로를 수여한다. 1993년 룬 터크나우스키를 시작으로 예페 하인(2012), 마이클 세일스토퍼(2014/15), 윙페 홀렌(2016/17), 에바 로스차일드(2018/19) 등이 최근 이 상을 수상한 바 있다. 뷔르트 재단은 “엘름그린 & 드라그셋의 다면적인 작업은 진지함과 위트를 오가며, 사회적으로 가장 시급한 문제들을 다룬다”며 수상 이유를 밝혔다. 

이번 수상을 기념하여 엘름그린 & 드라그셋은 독일 남부 바덴뷔르템베르크주에 위치한 뷔르트 미술관에서 벨베데레 갤러리와 정원 공간을 아울러 주요 작품들을 선보인다. 베를린 장벽 돌조각에 세워진 ATM 기기 작품 <Statue of Liberty, Fig. 2>(2018-2021)는 화폐와는 달리 결코 교환될 수 없는 자유, 그리고 역사 속으로 사라진 동독에 대해 논평한다. 벨베데레 갤러리 내부에는 공과 사의 경계인 발코니에서 홀로 사색에 잠긴 어느 개인의 자화상인 <The Observer>(2019)와 함께 <Watching>(2016), <The Painter> 등 대표 작품이 설치되어 있다. 정원에는 지난 2019년 국제갤러리 개인전에서도 선보인 바 있는 <Adaptation, Fig. 2>(2018)가 전시된다. 일반적인 안전표지판에서 그 형식을 차용하되 거울 표면처럼 매끄럽게 처리된 스테인리스 스틸로 제작된 작품은 작품이 놓인 정원 공간과 그 안에 있는 관람객의 존재를 함께 반영함으로써 일상의 규칙들을 반추할 수 있는 환경을 조성한다. 엘름그린 & 드라그셋의 작업 세계 전반을 조망할 수 있는 이번 전시는 내년 2월 6일까지 계속된다.

[Source from Museum Würth 2 press release]
13 Anish Kapoor, Subject of Major Solo Exhibition Anish Kapoor: Painting at Modern Art Oxford, UK

Installation view of Anish Kapoor: Painting at Modern Art Oxford, London, 2021
Photo: Ben Westoby

Artist: Anish Kapoor(아니쉬 카푸어)
Exhibition Dates: October 2, 2021 – Feb 13, 2022
Exhibition Venue: Modern Art Oxford, London, UK
Website: https://www.modernartoxford.org.uk/whats-on/anish-kapoor-painting

The internationally renowned contemporary artist Anish Kapoor is the subject of a major solo exhibition titled Anish Kapoor: Painting at Modern Art Oxford, UK, on view through February 13, 2022. A rare opportunity that brings together a large number of paintings by the celebrated sculptor in one setting, Anish Kapoor: Painting presents approximately 18 oil paintings alongside eight sculptures.

The oil paintings featured in the exhibition have all been created during the pandemic, which led the artist to pose fundamental questions about life and death. Taking an intuitive approach, Kapoor responded to our times by creating works that focus on the essence of painting. The large-scale painting The world trembles when I retrieve from my ancient past what I need to live in the depths of myself (2020) depicts a scene from a volcanic eruption rendered in crimson red—reminiscent of blood. The bold, sweeping brushstrokes painted in intense red allude to both the life force and mortality of human bodies, evoking various physical risk factors that we are susceptible to and thus connoting our vulnerability.
Similarly, massive, energetic sculptures installed at the center of each gallery space captivate the audience by provoking a dramatic and intense response. Covered with thick layers of red and black paint, these sculptures are created with a mixture of waxes, acrylics, and fabrics, appearing quite different from the artist’s signature sculptures characterized by polished and reflective surfaces. The five sculptures installed in the Upper Gallery, for instance, evoke blood-stained organs, intestines, and body tissues, highlighting the vulnerability of the human body. Furthermore, Kapoor refers to numerous art historical paintings that depict violence, such as the flagellation of martyrs, the beheading of saints, and the atrocities of war. By continuing the traditions of painting and sculpture that harken back to the Renaissance, Kapoor places his work within a broader art historical context. In April, select works from Anish Kapoor: Painting will travel to the artist’s upcoming solo exhibition in Venice, scheduled to take place at Gallerie dell’Accademia and the Palazzo Manfrin, in conjunction with the 59th International Art Exhibition of the Venice Biennale.

아니쉬 카푸어, 영국 모던 아트 옥스퍼드에서 대규모 개인전 《Anish Kapoor: Painting》 개최

현대미술의 거장 아니쉬 카푸어의 개인전 《Anish Kapoor: Painting》이 영국 모던 아트 옥스퍼드(Modern Art Oxford)에서 오는 2월 13일까지 열린다. 본 전시는 조각가로 널리 알려진 작가의 회화 작업을 대거 만날 수 있는 흔치 않은 기회로, 18여 점의 유화가 8점의 조각과 함께 선보인다.

전시에 포함되는 유화는 모두 그가 팬데믹 기간 동안 작업한 것으로, 생명의 위협이 도사린 나날 속 삶과 죽음에 대한 작가의 근원적인 질문에서 시작되었다. 작가는 이를 매우 직관적인 방식으로 접근하며 회화의 본질에 충실한 작업으로 풀어내고자 했다. 예컨대 대형 회화 작업 <The world trembles when I retrieve from my ancient past what I need to live in the depths of myself>(2020)는 화산이 폭발하는 장면을 묘사하는데, 피를 연상시키는 새빨간 색으로 채색되어 있다. 생명력을 상징하는 동시에 역설적으로 죽음을 암시하는 빨간색의 거침없고 묵직한 붓놀림은 다양한 외부의 위험 요인에 노출되어 있는 인체 그리고 인간의 취약성을 시사한다.
한편 각 전시실의 중앙에 설치된 거대한 조각 작품들은 회화와 마찬가지로 생동감 넘치는 풍경을 만들어내며 관람객을 단번에 압도한다. 왁스, 아크릴 및 다양한 직물을 사용해 두터운 빨간색과 검은색의 물감으로 질감을 구현해낸 조각들은, 빛의 원리를 이용해 매끄러운 표면을 부각한 작가의 기존 주요 조각들과는 사뭇 다른 모습을 띤다. 특히 전시장의 어퍼 갤러리(Upper Gallery)를 아우르는 5점의 조각은 모두 피범벅이 된 장기, 내장, 각종 신체 조직 등을 묘사하며 육체적 존재의 위태로움을 탐구한다. 나아가 이는 채찍질 당하는 순교자, 참수당하는 성도, 전쟁의 잔해 등 성경 및 신화 속 인간사를 적나라하게 표현한 르네상스 미술을 상기시키며 카푸어의 작업 세계를 미술사적 맥락에서 재고하게 한다. 이번 전시의 일부 출품작들은 오는 4월 베니스 비엔날레의 기간에 맞춰 현지의 아카데미아 미술관과 만프린 성에서 열리는 작가의 대규모 개인전에서도 소개될 예정이다.

[Source from ‘Anish Kapoor: Painting’ exhibition notes, provided by Modern Art Oxford]
14 Jean-Michel Othoniel, Subject of Major Solo Exhibition The Narcissus Theorem at the Petit Palais, Paris

Jean-Michel Othoniel, Gold Lotus, 2019
Courtesy of the artist and Perrotin
© Jean-Michel Othoniel / Adagp, Paris, 2021
Photo: Claire Dorn

Artists: 장-미셸 오토니엘 (Jean-Michel Othoniel)
Exhibition Dates: September 28, 2021 – January 2, 2022 
Exhibition Venue: Petit Palais, Paris, France
Website: https://www.petitpalais.paris.fr/en/expositions/narcissus-theorem

The French contemporary artist Jean-Michel Othoniel is the subject of a major solo exhibition titled The Narcissus Theorem, which runs from September 28, 2021, through January 2, 2022, at the Petit Palais in Paris, France. Othoniel’s largest exhibition held in Paris since his retrospective My Way at the Pompidou Centre in 2011, the comprehensive presentation introduces a collection of approximately 70 new works across the historical museum and its gardens. For the show, the artist demonstrates a magical interpretation of reality that exists in harmony with the culturally enriching venue’s natural surroundings, displaying works within the pools of the museum gardens and suspending them from tree branches. 

Blue River (2021), one of the exhibition’s most stunning installations installed at the entrance of the stairway to the museum, evokes the glistening surface of a river. Comprised of bricks created in collaboration with Indian glass artisans, the aquamarine and gold-toned work exudes a mystical and spiritual atmosphere. Meanwhile, Othoniel explores the infinite possibilities of the glass bead as a medium and highlights its versatility in both size and form through works including his Wild Knots series, rooted in the reflection theory developed by the Mexican mathematician Aubin Arroyo, his long-term friend and collaborator; his Necklaces series, which delivers a unique colorful exuberance; and Crown of the Night (2008), a beautiful chandelier-shaped glass crown.

장-미셸 오토니엘, 파리 프티 팔레 미술관에서 대규모 개인전 《The Narcissus Theorem》 개최

프랑스 현대미술가 장-미셸 오토니엘의 대규모 개인전 《The Narcissus Theorem》이 파리 프티 팔레 미술관의 초청으로 9월 28일부터 내년 1월 2일까지 개최된다. 지난 2011년 퐁피두 센터에서의 회고전 《My Way》 이후 파리에서 가장 큰 규모로 선보이는 작가의 이번 개인전에서는 유서 깊은 미술관과 정원을 배경으로 한 신작 70여 점을 소개한다. 작품을 물 한가운데 배치하거나 나무에 매다는 등 인류의 문화유산 및 자연과 조화를 이루는 동시에 현실을 초월한 듯한 환상의 세계는 프티 팔레를 찾는 각국의 관객들을 매료시키고 있다.

미술관을 향한 계단을 따라 설치된 <Blue River>(2021)는 이번 전시의 대표작 중 하나로, 다채로운 빛깔로 반짝거리는 푸른색 물결을 연상시킨다. 인도 유리공예장인이 만든 벽돌로 이루어진 작품은 흐르는 물을 닮은 아쿠아마린과 금색의 조화를 보여주며 신비롭고 영롱한 분위기를 연출한다. 한편 작가를 상징하는 유리구슬 작업 또한 고유한 작품으로 변주되어 전시장 곳곳에 자리하고 있다. 멕시코 출신의 젊은 수학자 오빈 아로요(Aubin Arroyo)의 반사이론에서 영감을 얻은 <Wild Knots> 연작, 다채롭게 빛나는 색감이 인상적인 <Necklaces> 연작, 화려한 샹들리에를 연상시키는 대형왕관 모양의 <Crown of the Night>(2008) 등 다양한 형태 및 사이즈의 작품들은 작가가 오랜 기간 매진해온 유리구슬 연작의 확장 가능성을 증명한다. 

[Source from The Narcissus Theorem press release]
15 Haegue Yang and Jae-Eun Choi Participate in the 2021 DMZ Art & Peace Platform

Haegue Yang, Migratory DMZ Birds on Asymmetric Lens – Kyott Kyott Vessel (Pale Thrush), 2021, soapstone, 3D printed resin, 161×70×150 cm
Courtesy of the artist

Artists: 양혜규 (Haegue Yang), 최재은 (Jae-Eun Choi)
Exhibition Dates: September 15 – November 15, 2021 
Exhibition Venues: 
Paju Guard Post, Korea 
UniMARU, Paju, Korea 
Jejin Station, Goseong-gun, Korea
Website: https://dmzplatform.com/artists

The contemporary artists Haegue Yang and Jae-Eun Choi are participating in the group exhibition 2021 DMZ Art & Peace Platform, a presentation of works by 32 Korean and international artists which discusses the past, present, and future of Korea’s demilitarized zone. Exhibited works are displayed across five locations—UniMARU, Dorasan Station, Jejin Station, the Paju Guard Post, and the National Institute of Unification Education—spanning Paju, Goseong-gun, and Seoul, Korea. Yang’s new work Migratory DMZ Birds on Asymmetric Lens – Kyott Kyott Vessel (Pale Thrush) (2021) is introduced at the Paju Guard Post, while two recent works by Choi—To call by Name (2019) and Nature Rules (2021)—are each shown at UniMARU and Jejin Station. 

Newly commissioned for the exhibition, Yang’s Migratory DMZ Birds on Asymmetric Lens – Kyott Kyott Vessel (Pale Thrush) was inspired by the audio element of birds chirping throughout the Inter-Korean Summit in 2018, which replaced the private conversation between the two leaders of the Korean Peninsula. Engraved with short Korean phrases and the work’s geographical coordinates within the DMZ, the asymmetrical, lens-shaped sculpture features a 3D printed, life-sized figure of a thrush sitting on top. Meanwhile, the bird’s disconnected head and body represents the harsh reality of a divided nation. The work references to Yang’s Migratory DMZ Birds on Asymmetric Lens series—revealed last year at the Clark Art Institute’s first outdoor exhibition titled Ground/work—which explores a narrative where these birds migrate back to the DMZ, coexisting with those that already inhabit the area. 

Meanwhile, Jae-Eun Choi, an annual participant of the DMZ Project since 2015, exhibits To call by Name (2019) and Nature Rules (2021) at UniMARU and Jejin Station. The former is an installation consisting of ceramic fragments onto which the names of 106 endangered plants native to the DMZ have been engraved, evoking subjects that have once existed yet are bound to be forgotten with the passing of time. The latter showcases a biotope map placed on a miniature DMZ model, highlighting the variety of plants that construct the local ecosystem. 

양혜규와 최재은, 《2021 DMZ 아트 & 피스 플랫폼》 참여

총 32명의 국내외 미술가들이 DMZ의 과거와 현재, 미래를 그리는 《2021 DMZ 아트 & 피스 플랫폼》전에 한국의 현대미술가 양혜규와 최재은이 참가한다. 오는 11월 15일까지 선보이는 이번 프로그램은 파주시 남북출입사무소의 Uni마루, 도라산역, 고성군의 제진역, 파주 철거 GP, 서울 국립통일교육원 등 총 5개의 공간에서 진행된다. 이중 파주 철거 GP에는 양혜규의 <비대칭 렌즈 위의 DMZ 철새 – 키욧 키욧 주형기舟形器 (흰배지빠귀)>(2021)가, Uni마루와 제진역에서는 최재은의 <이름 부르기>(2019), <자연국가(自然国家)>(2021) 작품 2점이 설치되어 있다. 

이번에 DMZ에서 선보이는 양혜규의 신작 <비대칭 렌즈 위의 DMZ 철새 – 키욧 키욧 주형기舟形器 (흰배지빠귀)>는 지난 2018년 4월 남북정상회담의 도보다리 회담 중 두 정상의 말소리 대신 지속적으로 들리던 새소리에 영감을 얻은 작업이다. 작품 위치가 기록되어 있는 위경도 정보와 다양한 문구가 새겨진 비대칭적 형태의 동석 위에 3D 인쇄된 실제 크기의 흰배지빠귀 모형을 배치했는데, 머리와 몸통이 절단된 채 전시되고 있는 문제의 새는 우리나라의 분단현실에 대한 메시지를 내포하고 있다. 지난해 미국 클라크 인스티튜트에서 개최된 《Ground/Work》전에서 작가가 선보인 <비대칭 렌즈 위의 DMZ 철새> 연작과도 연계되어 있는 이번 작품은 DMZ 철새가 비무장지대로 돌아와 현재 그곳에 서식하는 새들과 조우하는 모습을 그린다. 

한편, Uni마루와 제진역에서는 2015년부터 DMZ프로젝트를 진행해온 최재은의 <이름 부르기>와 <자연국가(自然国家)>가 전시된다. 106종의 멸종위기 식물들의 각각의 이름이 새겨진 세라믹 조각을 거울 위에 올려 완성된 <이름 부르기>는 한때는 존재했지만 점차 잊혀지는 것들의 이름과 그 존재들을 상기시킨다. 제진역에 위치한 <자연국가>의 경우, DMZ 모형 위에 비치된 ‘DMZ 생태 현황 지적도’를 통해 DMZ 생태계를 구성하는 다양한 식물군의 모습을 보여준다. 

[Source from 2021 DMZ Art & Peace Platform website]