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1 Ugo Rondinone, Subject of Solo Exhibition burn shine fly at Scuola Grande di San Giovanni Evangelista

Image courtesy of the artist

Artist: 우고 론디노네(Ugo Rondinone)
Exhibition Dates: April 20 – September 17, 2022
Exhibition Venue: Scuola Grande di San Giovanni Evangelista, Venice, Italy
Website: https://www.burnshinefly.com/

On the occasion of the 59th La Biennale di Venezia, the celebrated Swiss contemporary artist Ugo Rondinone will present a solo exhibition titled burn shine fly at the Scuola Grande di San Giovanni Evangelista (hereafter the Scuola), opening on April 20, 2022. The exhibition title is derived from a book of poems, you got to burn to shine (1994) by the American poet and late partner of the artist, John Giorno. Curated by Javier Molins, burn shine fly will feature iconic works by Rondinone and showcase for the first time a new body of work inspired by the historic walls of the Scuola.
Having represented Switzerland at the 52nd La Biennale di Venezia in 2007, Rondinone has maintained a close relationship with the city. In 2017, he participated in GLASSTRESS, held at the Palazzo Franchetti in Venice, where he presented an installation of 12 glass figures titled an ocean away (2017).

Founded in 1261, the Scuola is known for its imposing stone gateway, designed by the 15th-century Venetian architect Pietro Lombardo. Situated within the Scuola’s magnificent frescoed rooms, Rondinone’s works will exquisitely transform the historic site into a space that invites visitors to reflect on “the marvels and mysteries of life.” The artist has further remarked: “The sculptures in burn shine fly are natural growths out of a loam of perception and feeling I had of the Scuola Grande di San Giovanni Evangelista. The work aims to coax the sublime from the subliminal.” burn shine fly, slated to run through September 17, 2022, will be accompanied by a fully illustrated catalogue published by Skira.

제59회 베니스 비엔날레를 맞아 스위스의 현대미술가 우고 론디노네의 개인전 《burn shine fly》가 오는 4월 20일부터 스쿠올라 그란데 디 산 지오반니 에반젤리스타(Scuola Grande di San Giovanni Evangelista)에서 개최된다. 전시명 ‘burn shine fly’는 미국의 시인이자 고인이 된 론디노네의 파트너 존 지오르노(John Giorno)의 시집 「You got to burn to shine」(1994)에서 기인한다. 큐레이터 하비에 몰린스(Javier Molins)가 기획한 본 전시는 론디노네의 대표작을 비롯해 유서 깊은 성당의 공간에서 영감 받아 제작된 신작을 최초로 선보인다.
앞서 2007년 제52회 베니스 비엔날레 스위스 국가관의 대표 작가로 참가했던 론디노네는 꾸준히 베니스와 긴밀한 관계를 유지해왔다. 2017년 베니스 팔라초 프란체티(Palazzo Franchetti)에서 개최된 그룹전 《GLASSTRESS》에서는 12개의 유리 형상으로 구성된 설치작 <an ocean away>(2017)를 선보인 바 있다.

스쿠올라 그란데 디 산 지오반니 에반젤리스타는 1261년 설립된 종교단체로, 15세기 베니스 건축가 피에트로 롬바르도(Pietro Lombardo)가 설계한 웅장한 석조 관문으로도 유명하다. 화려한 프레스코 벽화로 둘러싸인 이 공간에 설치되는 론디노네의 작품은 관객으로 하여금 "삶의 경이로움과 신비"를 탐구하도록 이끌 예정이다. 이어 작가는 "본 전시에 소개되는 조각들은 내가 이 건물을 보며 느꼈던 풍부한 감정으로부터 자연스레 기인한 것이며, 이 작업들을 통해 잠재된 것(subliminal)으로부터 숭고한 아름다움(sublime)을 자아내고자 한다"고 덧붙였다. 《burn shine fly》는 오는 9월 17일까지 개최되며, 전시와 함께 사진들을 담은 도록이 세계적인 출판사 스키라(Skira)에서 출간될 예정이다.

[Source from burn shine fly press release]
2 Louise Bourgeois, Subject of Solo Exhibition Louise Bourgeois x Jenny Holzer: The Violence of Handwriting Across a Page at the Kunstmuseum Basel, Switzerland

Installation view of Louise Bourgeois x Jenny Holzer: The Violence of Handwriting Across a Page at the Kunstmuseum Basel © The Easton Foundation/2022, ProLitteris, Zurich, photo: Jonas Hänggi

Artists: 루이스 부르주아(Louise Bourgeois), 제니 홀저(Jenny Holzer)
Exhibition Dates: February 19 – May 15, 2022
Exhibition Venue: Kunstmuseum Basel, Switzerland
Website: https://kunstmuseumbasel.ch/en/exhibitions/2022/bourgeois-holzer

Louise Bourgeois, one of the most prominent artists of the 20th century, is the subject of the solo exhibition Louise Bourgeois x Jenny Holzer: The Violence of Handwriting Across a Page, on view from February 19 through May 15, 2022, at the Kunstmuseum Basel, Switzerland. Curated by the American contemporary artist Jenny Holzer, the exhibition presents Bourgeois’ extensive oeuvre as seen through Holzer’s eyes. Holzer, who utilizes language as a primary medium in her work, examines the ways in which writing helped alleviate Bourgeois’ childhood trauma. Presented across the nine galleries of the Kunstmuseum Basel’s ‘Neubau’ (new building), the hallway connecting the ‘Hauptbau’ (main building) and the Neubau, and the façade of the museum, this comprehensive exhibition brings together Bourgeois’ drawings and sculptures, along with excerpts from her writings as carefully selected by Holzer.

This unprecedented encounter between two of the most influential artists of the 20th and 21st centuries begins in the Neubau. Bourgeois’ lifelong obsession over writing allowed text to remain a crucial form of her expression. Throughout the course of her psychoanalysis, which began in 1951 soon after her father’s death, Bourgeois wrote extensively, exploring the depths of her inner mind. Her writings, which describe underlying emotions and impulses, are interweaved through Bourgeois’ multifaceted practice; text is seen embroidered on fabric including underpants and handkerchiefs, stamped on lead plaques, and incorporated into selected works from her installation series, Cell.

Installed in the hallway between the Neubau and Hauptbau is Bourgeois’ monumental installation, Twosome (1991). Taking the form of a railroad tank car moving back and forth on a track, Twosome embodies the tensions and dynamics between opposing concepts—including mother and child, male and female, inside and outside. The presentation extends outdoors; from February 16 to 22, 2022, excerpts from Bourgeois’ writing were projected onto the façades of Basel’s City Hall (Rathaus), the Old University (Alte Universität) on the Rhine, and the Kunstmuseum’s Hauptbau. These texts will further be displayed on the façade of the Kunstmuseum’s Neubau for the remaining duration of the show. Also accompanying Louise Bourgeois x Jenny Holzer: The Violence of Handwriting Across a Page is an eponymous catalog published by JRP | Editions, as well as an Augmented Reality App developed by the London-based creative innovation studio Holition, providing an immersive and multisensory experience of the works on view (available on-site only).

루이스 부르주아, 스위스 바젤 미술관에서 《Louise Bourgeois x Jenny Holzer: The Violence of Handwriting Across a Page》 개최

20세기 가장 위대한 예술가 중 한 명으로 꼽히는 루이스 부르주아의 개인전 《Louise Bourgeois x Jenny Holzer: The Violence of Handwriting Across a Page》가 스위스 바젤 미술관에서 2월 19일부터 5월 15일까지 열린다. 특별히 미국의 현대미술가 제니 홀저가 기획한 이번 전시는 그녀의 눈으로 매개한 부르주아의 작품들로 꾸려진다. 언어를 주재료로 작업하는 홀저는 부르주아가 예술 세계 전반에 걸쳐 글을 통해 어린 시절의 트라우마를 치유하고자 했던 과정에 주목한다. 제니 홀저는 그녀가 직접 발췌한 부르주아의 글과 드로잉 그리고 조각 작품들을 미술관 내 9개의 갤러리와 복도 공간, 그리고 미술관 외벽에 걸쳐 선보인다.

20세기와 21세기에 걸쳐 가장 중요한 두 거장들의 만남인 이번 전시는 신관 건물에서 시작된다. 부르주아는 살아생전 수많은 글을 남겼다고 알려져 있는데, 특히 1951년 아버지의 죽음 이후 정신 분석 치료를 받기 시작하면서 글쓰기를 통해 내면의 풍경을 바라보고자 했다. 내면 깊은 곳에 잠재된 감정과 충동 등을 표현한 글귀는 속옷이나 손수건 같은 천이나, 판화 또는 ‘밀실(Cell)’과 같은 조각에 새겨지는 등 다양한 형태로 그녀의 작업 전반에 걸쳐 나타난다.

신관과 본관을 잇는 복도 공간에는 부르주아의 설치작품 <Twosome>(1991)이 전시된다. 철도 위를 움직이는 열차의 형상을 한 이 작품은 엄마와 아이, 남성과 여성, 내부와 외부 같은 양극성 사이의 끊임없는 긴장과 역학관계를 탐구한다. 또한 전시 기간 동안 제니 홀저가 발췌한 부르주아의 문장들이 미술관 외벽에 프로젝션 작업으로 구현되며, 전시 기간 첫 주(2월 16일-22일)에는 바젤 시청과 라인 강가에 위치한 구(舊) 대학 건물 외벽에도 해당 작업이 공개된다. 전시와 함께 동명의 도록이 JRP 출판사에서 출간될 예정이며, 현장에선 영국의 크리에이티브 에이전시 홀리션(Holition)과 함께 개발한 AR 애플리케이션을 통해 작품을 체험해 볼 수 있다.

[Source from Kunstmuseum Basel press release]
3 Louise Bourgeois, Subject of Solo Exhibition Louise Bourgeois: The Woven Child at the Hayward Gallery, London, UK

Installation view of Louise Bourgeois: The Woven Child at Hayward Gallery, 2022.
© The Easton Foundation/DACS, London and VAGA at Artists Rights Society (ARS), New York
Photo: Mark Blower © The Hayward Gallery

Artist: 루이스 부르주아(Louise Bourgeois)
Exhibition Dates: February 9 – May 15, 2022
Exhibition Venue: Hayward Gallery, Southbank Centre, London, UK
Website: https://www.southbankcentre.co.uk/whats-on/art-exhibitions/louise-bourgeois-woven-child

The internationally acclaimed contemporary master Louise Bourgeois is the subject of the solo exhibition Louise Bourgeois: The Woven Child, on view from February 9, 2022, at the Hayward Gallery in London, UK. Located at the Southbank Centre—the largest cultural institution in the UK—the Hayward Gallery has staged exhibitions featuring prominent artists such as Bruce Nauman, Anish Kapoor, Tracey Emin, and Lee Bul since opening in 1968. Bourgeois’ retrospective, which focuses exclusively on works made with fabrics and textiles, presents approximately 90 pieces created during the artist’s last two decades.

Since the mid-1990s, Bourgeois started to incorporate a range of textiles including clothing, linen, and tapestry fragments in her work. The artist, who believed in “the magic power of the needle … to repair the damage,” perceived the actions involved in fabricating these works—cutting, ripping, sewing, adjoining—as a means of coping with childhood traumas.

The installations, sculptures, collages, fabric drawings, books, and prints showcased in the exhibition often feature the spider motif recurrent throughout Bourgeois’ oeuvre. Growing up in a family that ran a tapestry restoration business, Bourgeois came to associate the spider and its ability to weave a web, with her mother. Situated in one corner of the gallery space is Spider (1997) from Bourgeois’ Cells series, which she began creating in the 1990s. Observed in the piece is a spider straddling an enclosure filled with a selection of objects, which directly reference the artist’s personal history—a broken watch, perfume, and old tapestries—evoking its role as a protector of the house.

Also showcased in the exhibition is a comprehensive selection of the artist's fabric heads. The fabric busts displaying various patterns and textures represent a range of psychological emotions including isolation, neglect, and abandonment, deeply rooted in the artist’s subconscious. Portrayed on one side of Untitled (2002) is a beast-like image that alludes to recurrent themes of duality and ambivalence present in Bourgeois’ oeuvre, expanding on the artist’s interest in animalistic desires and primitive urges inherent in humans. Alongside the fabric heads is a series of columnar figures evoking Bourgeois’ vertical pillar-like sculptures from the 1940s and 1950s, which are rendered in soft textiles instead of steel and wood, as in her older works. The exhibition, which showcases a large number of works by an artist who regarded art as a means of alleviating her childhood trauma, remains on view through May 15, 2022, and will travel to Gropius Bau, Berlin, in July 2022.

루이스 부르주아, 런던 헤이워드 갤러리에서 개인전 《Louise Bourgeois: The Woven Child》 개최

현대미술의 거장 루이스 부르주아의 개인전 《Louise Bourgeois: The Woven Child》가 런던 헤이워드 갤러리(Hayward Gallery)에서 2월 9일부터 열린다. 헤이워드 갤러리는 영국 최대 규모의 복합문화예술 공간인 사우스뱅크 센터 안에 위치한 미술관으로, 1968년 개관 이래 브루스 나우만, 아니시 카푸어, 트레이시 에민, 이불 등 저명한 현대미술가들을 조명하는 전시를 소개해왔다. 부르주아의 폭넓은 작업세계 중에서도 천과 직물에 기반한 작업을 집중 조명하는 이번 회고전은 작가가 생애 마지막 20여 년간 제작했던 90여 점의 작품을 선보인다.

부르주아는 1990년대 중반부터 의류와 린넨, 태피스트리 조각 등 다양한 직물을 적극 활용해 작업하기 시작했다. “바늘은 상처를 회복시키는 마법 같은 힘”을 가지고 있다고 말한 그는 직물을 자르고, 찢고, 꿰매고, 연결하는 행위를 통해 어린 시절의 트라우마를 치유하고자 했다.

부르주아가 후기에 제작한 설치, 조각, 콜라주, 패브릭 드로잉, 책, 판화 등으로 구성되는 이번 전시에는 그의 작업 전반에 걸쳐 나타나는 거미 모티프가 다수 등장한다. 태피스트리 수선을 가업으로 하는 집안에서 자란 부르주아는 거미가 온몸을 이용해 거미줄을 짜는 모습이 직조 작업을 하는 어머니의 모습과 비슷하다고 생각했다. 전시장 한 켠에 자리한 <Spider>(1997)는 작가가 1990년대 작업하기 시작한 ‘밀실(Cells)’ 연작 중 하나로, 어머니를 상징하는 거미가 낡은 직물, 멈춘 시계, 향수 등 작가의 개인사를 직접적으로 참조하는 요소들로 구성된 밀실을 감싸며 집안을 지키는 수호자로서의 역할을 환기한다.

한편 부르주아의 헝겊 두상 연작도 여러 점 소개된다. 다채로운 패턴과 질감의 천으로 이루어진 두상들은 작가의 무의식 속 자리잡은 고립, 방치, 버림받음 등의 감정을 나타낸다. 특히 두상 작품<Untitled>(2002)의 측면에 묘사된 짐승 형상은 부르주아의 예술세계에서 주요하게 발견되는 이중성, 나아가 동물적 욕망과 원시적 충동을 다룬다. 한편 두상 연작 옆에 전시되는 기둥 모형의 조각 연작은 부르주아가 1940-50년대에 천착했던 수직적 조각과 비슷한 형태를 띠지만, 이 역시 부드러운 직물이 사용되었다는 점에서 이전의 철제 및 목재 작품들과는 구분된다. 직물이라는 소재의 선택을 통해 자기치유를 도모한 부르주아의 작품을 대거 선보이는 본 전시는 5월 15일까지 계속되며, 오는 7월 독일 베를린의 그로피우스 바우(Gropius Bau) 미술관에서 순회전으로 이어진다.

[Source from Louise Bourgeois: The Woven Child Press Release]
4 SUPERFLEX Reveals Public Installation Project Play Contract at the Skulpturpark Billund in Denmark

SUPERFLEX, Play Contract, 2021. Photo: Torben Eskerod

Artist: 수퍼플렉스(SUPERFLEX)
Exhibition Dates: Permanent installation 
Exhibition Venue: Billund, Denmark
Website: https://superflex.net/works/play_contract

The Danish artist collective SUPERFLEX recently unveiled their public installation project Play Contract (2021) at the Skulpturpark Billund in Denmark. The installation has been created in celebration of the 10th anniversary of the Capital of Children (CoC) project, set in Billund, the hometown of Lego. CoC, which involves several institutions, foundations, and companies based in Billund, works towards building the city into a place where children are encouraged to experience the world through play, fostering their development into innovative adults with a global mindset. In collaboration with KWY.studio—a Lisbon-based project group consisting of architects, curators, and educators—SUPERFLEX presents Play Contract, a set of five sculptures constructed with the help of 121 children in Billund.  

Taking into consideration that “most public art is made by adults,” SUPERFLEX and KWY.studio invited 121 children to design playground models with Lego blocks, then realized these prototypes in the form of pink marble installations via Play Contract. While the sculptures are created from approximately 300 uniquely shaped stones, these stones remain raw and unpolished, exposing the rough surfaces that have been made from the tools that were used to cut them. Written on the walls of the sculptures are “play contracts” as dictated by children, which are to be followed by adults who visit the work. Adults are expected to respect the children’s rather absurd and insensible set of rules and embrace their senses and points-of-view. Play Contract allows adults to discover the surprises and fun that lie in giving up the control on everyday life. Following the permanent installation of the work at the park, Play Contract, a book including relevant stories and images, will be published in the near future. 

수퍼플렉스, 덴마크 빌룬 조각공원에 공공미술 설치작품 <Play Contract> 공개

덴마크 출신의 3인조 작가 그룹 수퍼플렉스가 덴마크 빌룬에 위치한 조각공원(Skulpturpark)에 공공미술 작품 <Play Contract>(2021)를 공개한다. 이번 작품은 레고의 고향으로 잘 알려진 빌룬의 ‘어린이 수도(Capital of Children)’ 프로젝트 10주년을 기념하여 제작되었다. 빌룬의 다수의 기관, 재단 및 기업들이 참여하는 ‘어린이 수도’는 빌룬을 아이들이 놀이를 통해 세상을 배우고, 창의적인 세계 시민으로 성장할 수 있도록 하는 도시로 만들고자 다양한 프로젝트를 진행하고 있다. 수퍼플렉스는 이곳에서 건축가, 큐레이터, 교육가 등으로 구성된 리스본 기반의 프로젝트 그룹 KWY.studio를 중심으로 빌룬의 아이들 121명과 함께 제작한 5개의 조각 작품 <Play Contract>를 선보인다. 

<Play Contract>는 ‘대부분의 공공미술은 어른들의 관점에서 만들어진다’라는 문제의식에서 시작되었다. 이 프로젝트에 초청받은 121명의 아이들은 레고 블록으로 직접 놀이터를 설계하고, 수퍼플렉스와 KWY.studio는 이러한 아이들의 생각을 핑크색 대리석 모형의 5개의 조각으로 구현했다. 조각들은 독특한 모양을 가진 300개의 돌로 만들어져 있는데, 이 돌들은 표면 처리를 하지 않은 날것으로 갖가지 도구들로 잘려진 흔적이 그대로 남아있다. 벽면에는 빌룬의 아이들이 직접 만든 ‘놀이 규칙’이 새겨져 있는데, 이곳에 방문한 어른들은 이를 따라야 한다. 아이들이 설계한 규칙이 일견 엉뚱하고, 불합리하더라도 전적으로 이들의 감각과 생각을 존중하며 놀이를 실행하는 것이다. 주변을 통제하거나 통제 받는 일상에 익숙했던 어른들은 아이들의 놀이를 통해 예기치 못한 놀라움과 즐거움을 발견하게 된다. 영구 설치되는 이번 작품과 함께 곧 프로젝트에 담긴 이야기와 사진들을 담은 『Play Contract』 도록이 출간될 예정이다. 

[Source from SUPERFLEX website]
5 Daniel Boyd Participates in Group Exhibition UN/LEARNING AUSTRALIA at the Seoul Museum of Art, Korea

Installation view of Daniel Boyd, Untitled (37°33’51.2”N 126°58’24.4”E) at the Seoul Museum of Art, Korea

Artist: 다니엘 보이드(Daniel Boyd)
Exhibition Dates: December 14, 2021 – March 6, 2022 
Exhibition Venue: Seoul Museum of Art, Korea
Website: https://sema.seoul.go.kr/ex/exDetail?currentPage=1&glolangType=ENG&exGr=&museumCd=&targetDate=&searchDateType=SOON&exSearchPlace=&exNo=650529&startDate=&endDate=&searchPlace=&kwd=EXF01&kwdValue=

The Australian contemporary artist Daniel Boyd is currently part of the group exhibition UN/LEARNING AUSTRALIA, held at the Seoul Museum of Art (SeMA), Korea. Co-curated by SeMA and Artspace, Sydney, in celebration of the 60th anniversary of diplomatic relations between South Korea and Australia, the exhibition provides a comprehensive overview of Australian contemporary art through the works of 35 Australian artists, collectives, and indigenous art centers. The Korean title of the exhibition, ‘경로를 재탐색합니다 (rediscover the route),’ derives from a phrase often heard while using navigation devices, and is juxtaposed with the English title, UN/LEARNING AUSTRALIA. These dual titles aim to highlight the importance of “learning” itself, rather than the purpose of it, referring to the process of unlearning and relearning existing perceptions of Australia. Daniel Boyd, whose practice continuously questions the Western hegemonic gaze in interpreting and restoring the founding history of Australia with a unique artistic vocabulary, presents three of his paintings and one installation in UN/LEARNING AUSTRALIA

Boyd, who comes from an aboriginal background, introduces Untitled (TDHFTC) (2021) and Untitled (UT) (2021)—two paintings that reinterpret Australian history in a new lens. First showcased at the artist’s solo exhibition with Kukje Gallery last June, the paintings each depict Boyd’s sister and his grandma’s siblings. By sharing these personal images, Boyd connects his personal experiences and heritage to his ongoing interest in recalibrating the historical lens through which we view dominant historical narratives. Through Untitled (YWSITPIACLDTL) (2019), which was first shown at Boyd’s solo exhibition with Kukje Gallery Busan in 2019, the artist questions the conventional perceptions of beauty. Untitled (37°33’51.2”N 126°58’24.4”E) (2021), an installation commissioned by SeMA, entirely covers the museum’s glass façade—consisting of countless dots, the work directly references Boyd’s signature recurrent motif. These dots act as “lenses” through which one views the world and resemble the plurality and multiplicity of perspectives. The current exhibition discusses the vulnerabilities of this world affected by the unprecedented pandemic and inspires a more in-depth understanding of the values of “learning.” The show, which runs through March 6, 2022, can also be viewed through a variety of public programs and channels including the Instagram account @52artists52actions.  

다니엘 보이드, 서울시립미술관 그룹전 《경로를 재탐색합니다 UN/LEARNING AUSTRALIA》 참가

호주 작가 다니엘 보이드가 서울시립미술관에서 열리는 그룹전 《경로를 재탐색합니다 UN/LEARNING AUSTRALIA》에 참가한다. 한국과 호주 수교 60주년을 기념하여 서울시립미술관과 아트스페이스 시드니가 기획한 이번 전시는 호주의 작가들과 콜렉티브, 토착민 예술 센터 등 35명(팀)을 초대하여 호주의 동시대 미술을 폭넓게 조망한다. 전시명인 ‘경로를 재탐색합니다’는 우리가 내비게이션에서 주로 접하는 문장으로, 영문 제목 ‘UN/LEARNING AUSTRALIA’와 함께 배움의 목적보다 배움 그 자체의 실천을 강조하며, 우리가 알고 있는 호주의 모습을 탈학습, 재학습하며 인식을 확장해 나가는 과정을 의미한다. 서구의 일방적인 역사관이 놓친 호주의 역사 형성 과정을 고유한 미술적 방식으로 복원하는 작업을 전개해온 다니엘 보이드는 이번 전시에서 이러한 작업관을 반영한 회화 작품 3점과 설치 작품 1점을 선보인다.

호주 원주민 출신인 작가는 이번 전시에서 자신의 배경에 기대어 호주의 역사를 새로운 관점으로 재해석하는 회화 작품 <무제(TDHFTC)>(2021), <무제(UT)>(2021)를 선보인다. 지난 6월 국제갤러리 개인전에서 선보인 바 있는 두 작품은 각각 작가의 누나, 할머니의 형제를 그린 이미지로, 작가는 오랫동안 역사적 관점에서 제외되어 온 사적 역사를 통해 역사를 이해하는 기존의 관점을 재고한다. 이와 함께 작가는 2019년 국제갤러리 부산점에서의 개인전에서 선보였던 <무제(YWSITPIACLDTL)>(2019)를 선보이며 고정된 아름다움의 기준에 의문을 제기한다. 한편 서울시립미술관의 의뢰로 만든 커미션 작업 <무제(37°33’51.2”N 126°58’24.4”E)>(2021)는 미술관 유리 파사드 전면을 장식한 설치 작품으로 작가의 주요 작업 방식 중 하나인 점으로 이루어져 있다. 각각의 점은 우리가 세상을 바라보는 ‘렌즈’로, 수많은 점들은 우리가 세상을 이해하고 지각하는 다양한 방식, 즉 복수성(plurality)과 다양성(multiplicity)를 의미한다. 팬데믹의 시대에 우리가 사는 세상의 불확실한 토대를 인정하고, 이를 극복하기 위한 배움의 가치를 다시금 깨닫게 하는 이번 전시는 인스타그램 계정 ‘52 ARTISTS 52 ACTIONS’(@52artists52actions)와 공공 프로그램 등 다채로운 방식으로 만나볼 수 있다(전시는 2022년 3월 6일까지).

[Source from SeMA press release]
6 Ugo Rondinone, Subject of Major Solo Exhibition nude in the landscape at the Belvedere 21, Vienna, Austria

Installation view of nude in the landscape at Belvedere 21, Vienna, 2021
Photo: Johannes Stoll

Artist: 우고 론디노네(Ugo Rondinone)
Exhibition Dates: December 12, 2021 – May 1, 2022 
Exhibition Venue: Belvedere 21, Vienna, Austria
Website: https://www.belvedere.at/en/ugo-rondinone

The Swiss contemporary artist Ugo Rondinone is the subject of a major solo exhibition titled nude in the landscape at the Belvedere 21, Vienna, on view from December 12, 2021. Working in an extensive variety of mediums including painting, sculpture, photography, and video, Rondinone is widely recognized for his artistic vocabulary that explores the emotional and psychological depths of the human experience in relation to nature. The artist’s first solo exhibition in an Austrian museum, nude in the landscape presents a surreal environment inhabited by isolated human figures that are seemingly disconnected from nature.

The show features Rondinone’s installation series landscapes (2021), along with sculptures from his nude series (2010-11)—both of which are made from natural materials. Specifically designed for this show, the artist’s landscapes installations take the form of monumental plates. While made of natural materials such as soil and wax, these artificial-looking structures no longer evoke nature in their final embodiment. Seated in varying postures throughout the gallery space are hyper-realistic human figures deep in contemplation from the artist’s nude series, modeled directly from the human body. With their eyes closed and separate body parts attached like mannequins, these self-absorbed figures imbue the gallery space with a mystical yet meditative atmosphere. Meanwhile, the anonymity of each title—for example, nude (x) and nude (xx)—engenders an innate connection with the figures, expanding the series’ narrative potential. Through these artificial installations and sculptures that are made of natural materials, Rondinone provides an effective metaphor for humanity’s disconnection from nature. nude in the landscape, which utilizes everyday motifs to take viewers on an introspective journey within, will remain on view through May 1, 2022.

우고 론디노네, 벨베데레 현대미술관에서 대규모 개인전 《nude in the landscape》 개최

스위스 현대미술가 우고 론디노네의 대규모 개인전 《nude in the landscape》가 비엔나 벨베데레 현대미술관에서 12월 12일부터 열린다. 회화, 조각, 미디어 등 다양한 장르를 넘나드는 우고 론디노네는 우리가 일상적으로 접하는 자연을 통해 내면의 깊은 곳을 탐구하는 작업을 전개해왔다. 오스트리아에서 열리는 우고 론디노네의 첫 미술관 개인전에서 작가는 자연과의 연결고리를 잃고, 고립되고 소외된 인간의 풍경을 그려낸다.

이번 전시는 자연을 소재로 만들어진 <landscapes>(2021)와 <nude>(2010-11) 설치 조각으로 구성된다. 이번 전시를 위해 특별히 제작된 <landscapes>는 거대한 판 모양으로, 자연 소재인 흙과 밀랍으로 제작되었지만 더 이상 자연처럼 보이지 않는다. 역시 흙으로 만들어진 ‘nude’ 연작은 실제 사람을 본떠 만든 조각으로 전시장 곳곳에 흩어져 있다. 마네킹처럼 신체 곳곳이 분절, 조립된 채 저마다의 자세로 앉아있는 조각들은 모두 눈을 감고 있어 명상적인 분위기를 자아낸다. 작품 제목 또한 <nude (x)>, <nude (xx)>가 계속되는 익명의 구조로, 이들의 존재를 인류 전체로 확장하는 역할을 한다. 흙으로 만들어졌지만, 인공물처럼 보이는 풍경과 인물들을 통해 우고 론디노네는 자연과의 관계성을 잃은 인간의 모습을 은유한다. 가장 보편적인 형상의 작품을 통해 우리 존재와 내면을 비추어 보게끔 하는 이번 전시는 내년 5월 1일까지 계속된다. 

[Source from Belvedere 21 press release]
7 Bill Viola, Subject of Solo Exhibition Bill Viola: Five Angels for the Millennium at the West Bund Museum, Shanghai

Bill Viola, Five Angels for the Millennium-Creation Angel, 2001 ©Bill Viola Studio, Photo: Kira Perov

Artist: 빌 비올라(Bill Viola)
Exhibition Dates: December 10, 2021 – April 10, 2022 
Exhibition Venue: West Bund Museum, Shanghai, China
Website: https://www.wbmshanghai.com/en/category/exhibition/detail!www-billviola-com

The internationally renowned contemporary video artist Bill Viola is the subject of the solo exhibition Bill Viola: Five Angels for the Millennium at the West Bund Museum in Shanghai, on view from December 10, 2021. Part of the museum’s Centre Pompidou x West Bund Museum Project, running from 2019 to 2024, which presents curatorial and educational programs alongside highlights from the Centre Pompidou’s permanent collection, the exhibition showcases Five Angels for the Millennium (2001), Viola’s monumental installation composed of five videos. Widely known for his unique artistic practice that explores fundamental and existential themes by portraying universal human experiences of life and death through video, Viola presents his immersive installation at the “Box”—the museum’s space dedicated to ambitious multimedia works.

Created at the turn of the new millennium, Five Angels for the Millennium features the following five angels: the Departing Angel, Birth Angel, Fire Angel, Ascending Angel, and the Creation Angel. Filmed by the artist in 1999 using an underwater camera in a pool located in Long Beach, California, the installation was previously introduced to the Korean audiences at his solo exhibition Transfiguration (2008), at Kukje Gallery, and subsequently at Bill Viola: ENCOUNTER (2020) at Busan Museum of Art. Throughout the videos, which show each angel plunging into and rising above water, Viola utilizes his signature slow-motion technique, reversing select parts to emphasize an amplified sense of time. The scene of the angels plunging into the mysterious abyss collapse the boundaries between the immortality of the universe and the mortality of the human body, exploring opposing themes of light and dark, time and eternity, life and death. The five videos, each on loop, invite the audience to become immersed in a cosmic environment devoid of gravity. Bill Viola: Five Angels for the Millennium, which restructures and expands viewers’ fixed perceptions of time and space, will remain on view through April 10, 2022.

빌 비올라, 상하이 웨스트번드 미술관에서 개인전 《Bill Viola: Five Angels for the Millennium》 개최

비디오 아트의 거장 빌 비올라의 개인전 《Bill Viola: Five Angels for the Millennium》이 상하이 웨스트번드 미술관에서 12월 10일부터 열린다. 이번 전시는 2019년부터 2024년까지 웨스트번드 미술관에 퐁피두의 주요 소장품 및 전시 기획/교육 운영을 제공하는 ‘퐁피두 센터 X 웨스트번드 미술관 프로젝트(Centre Pompidou X West Bund Museum Project)’의 일환으로, 작가는 5개의 영상으로 구성된 대규모 비디오 설치 작품 <밀레니엄을 위한 다섯 천사>(2001)를 선보인다. 삶, 죽음 등 근원적이고 존재론적 주제를 ‘비디오’라는 매체로 표현해온 빌 비올라의 고유한 작품 세계는 웨스트번드 내에서도 미디어 전시 전용 공간인 박스(Box)에서 진행된다. 

새 천년을 기념하여 제작된 비디오 설치 작품 <밀레니엄을 위한 다섯 천사>는 떠나는 천사, 탄생의 천사, 불의 천사, 상승의 천사 그리고 창조의 천사 영상으로 구성된다. 1999년 캘리포니아 롱비치(Long Beach)에서 수중 카메라로 촬영된 이 작품은 2008년 국제갤러리 개인전 《변모》, 2020년 부산시립미술관 개인전 《빌 비올라, 조우》 등 국내에서도 차례로 선보인 바 있다. 작품은 작가 특유의 슬로 모션을 통한 시간의 확장과 역재생을 통해 각각의 천사들이 물에 빠져들거나 솟구쳐 오르는 모습을 보여준다. 신비로운 심연으로 뛰어드는 천사들의 모습을 통해 작가는 무한한 우주와 유한한 사람의 육체 사이의 경계를 무너뜨리고, 빛과 어둠, 시간과 영원, 삶과 죽음 사이를 넘나든다. 각각 저마다의 순환을 가지고 작동되는 영상은 관객들로 하여금 무중력 상태인 우주적 공간으로 들어가는 신비로운 체험을 가능하게 한다. 익숙한 의식의 흐름에 균열을 가하고, 우리가 존재하는 세계의 시공간을 확장하는 이번 빌 비올라의 개인전은 4월 10일까지 계속된다.

[Source from the West Bund Museum’s website]
8 SUPERFLEX, Subject of Solo Exhibition Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami at Kunsthaus Graz, Austria

Installation view of Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami at Kunsthaus Graz, Austria, 2021
Courtesy of the artists
Photo: Jakob Fenger

Artist: 수퍼플렉스(SUPERFLEX)
Exhibition Dates: November 26, 2021 – March 13, 2022 
Exhibition Venue: Kunsthaus Graz, Austria
Website: https://www.museum-joanneum.at/en/kunsthaus-graz/exhibitions/exhibitions/events/event/9999/superflex-6

The Danish artist collective SUPERFLEX is the subject of the solo exhibition Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami at Kunsthaus Graz, Austria, on view from November 26, 2021. Concluding their five-year project that began at the institution in 2017, the exhibition challenges the integrity of the global financial system and the value of money imposed by today’s neoliberal agenda. Questioning the role of artists within a contemporary society, SUPERFLEX has persistently contemplated the nature of existing economic and power structures. In this exhibition, which employs the framework of the Five-Year Plan—a centralized, systemic economic development initiative issued by governments—the artist collective presents a selection of works that prompts viewers to reevaluate the current global economic structure.

As a start to their five-year project in 2017, SUPERFLEX installed C.R.E.A.M (2017), a sculpture that takes the form of an ATM, at the foyer of the museum. Placed next to the chrome-plated, deactivated ATM sculpture is a poster that reads “Cash rules everything around me.” This combination creates an environment in which the fundamental elements of capitalism have lost their original function. In 2018, SUPERFLEX carried out their Free Shop project in shops located around the museum. By distributing goods to customers free of charge, the project raises questions about the internalized forms of commercial transaction. Subsequently in 2019, they mounted Number of Visitors (2019) above the entrance of the museum, a large counter that displays the total number of visitors to the museum which lampoons the criteria cultural institutions are judged upon for their success today. In 2020, the artist collective presented Lost Money / Handful (2019), an installation displaying euro coins distributed across the floor, so firmly attached they cannot be lifted. Along with these older works, the concluding exhibition presents major pieces such as We Are All In the Same Boat (2018) and Beyond The End of the World (2021). Also on view at the exhibition is Investment Bank Flowerpots (2021), a series of sculptures that take the form of a flowerpot. Suggesting a harmonious, symbiotic relationship and a new form of coexistence between species, the sculptures expand communal notions amidst the imperfections of the capitalist system. Commended for their utilization of art as a “tool” to discover inspiring solutions to some of today’s greatest challenges including sustainability and environment, SUPERFLEX received the Danish Crown Prince Couple's Cultural Award in September. The exhibition, which prompts viewers to contemplate the legitimacy, susceptibility, and duplicity of the capitalist system that seeps into every crack and corner of the world “sometimes as a fog, sometimes as a tsunami,” will remain on view through March 13, 2022.

수퍼플렉스, 오스트리아 쿤스트하우스 그라츠에서 개인전 《Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami》 개최

덴마크 출신의 3인조 작가 그룹 수퍼플렉스의 개인전 《Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami》가 오스트리아 쿤스트하우스 그라츠에서 11월 26일부터 열린다. 2017년 같은 미술관에서 열린 'Five-year plan'으로 시작된 5개년 프로젝트를 마무리하는 이번 전시는 신자유주의 체제 내에서 우리가 믿고 있는 글로벌 금융 시스템의 완전성과 화폐의 가치에 대해 질문을 던진다. 현대사회 속 작가의 역할에 대해 끊임없이 자문하며 경제 시스템과 생산 조건을 고찰하는 작업을 전개해온 수퍼플렉스는 이번 전시에서 흔히 경제개발계획으로 명명되는 ‘5개년 계획’이라는 주제 하에 현시점의 경제 체제를 새로운 시각으로 바라보게 하는 다수의 작품들을 선보인다. 

이번 5개년 프로젝트는 2017년 미술관 입구에 설치된 ATM 기기 형상의 작품 <C.R.E.A.M.>(2017)으로 시작되었다. 크롬으로 도금되어 ATM 본연의 기능을 잃은 이 작품은 ‘돈이 내 주위 모든 것을 지배한다(Cash rules everything around me)’라는 문구가 쓰인 포스터와 함께 설치되어 소비사회를 작동시키는 주요 요소가 무력화된 모습을 상징한다. 2018년에는 대가 없이 물건을 무료로 나누어 주는 <Free Shop>을 설치, 재화나 서비스를 돈을 받고 판매하는 내재화된 시스템에 의문을 제기했다. 2019년에는 미술관 펀딩의 주요 척도가 된 방문자 수 집계 체제를 비판하는 <Number of Visitors>(2019)를 설치했고, 2020년에는 바닥에 흩어진 채 고착되어 주울 수 없는 동전들을 보여주는 작품 <Lost Money / Handful>(2019)를 차례로 공개했다. 
이번 전시에서는 이러한 지난 작품들과 함께 <We Are All In the Same Boat>(2018), <Beyond The End of The World>(2021) 등 작가의 주요 작품들도 만날 수 있다. 전시 말미에는 식물을 소재로 한 <Investment Bank Flowerpots>(2021)를 통해 이 모든 불완전성에도 불구하고, 종들 간의 공존으로 탄생하는 확장된 공동체의 가능성을 시사한다. 한편 수퍼플렉스는 지난 9월 예술을 통해 현대사회가 마주한 환경과 지속가능성의 문제를 해결하고자 노력한 공을 인정받아 ‘덴마크 왕세자 부부 문화상(Danish Crown Prince Couple’s Cultural Award)’을 수상한 바 있다. 세계의 모든 틈에 ‘때로는 안개처럼, 때로는 쓰나미’처럼 스며드는 자본주의 체제의 진실과 변칙성, 허구성을 고찰하게끔 하는 이번 전시는 내년 3월 13일까지 계속된다. 

[Source from Kunsthaus Graz website]
9 Ugo Rondinone, Subject of Solo Exhibition vocabulary of solitude at Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki, New Zealand

Ugo Rondinone, vocabulary of solitude, 2014, polystyrene foam, epoxy resin, fabric. 
Installation view of Ugo Rondinone, vocaubulary of solitutde, Auckland Art Gallery Toi o Tamaki, 2021
Courtesy of the Artist and Galerie Eva Presenhuber, Zurich
Photo: Jennifer French

Artist: 우고 론디노네(Ugo Rondinone)
Exhibition Dates: November 20, 2021 – February 27, 2022
Exhibition Venue: Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki, New Zealand
Website: https://www.aucklandartgallery.com/whats-on/exhibition/vocabulary-of-solitude-by-ugo-rondinone

The Swiss contemporary artist Ugo Rondinone is the subject of a solo exhibition titled vocabulary of solitude, held at the Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki, New Zealand. The artist, who works across painting, sculpture, video, and installation, poetically reinterprets familiar imagery and explores the emotional and psychological depths of the human experience. Through his current installation, Rondinone presents an array of clown sculptures within a space encased in windows covered by rainbow-colored screen film, encouraging an introspection into human existence. 

Constructed with windows covered with multi-colored screen film, the exhibition space houses life-sized clown sculptures placed in various positions on the floor which is covered in vinyl, bringing a melancholy atmosphere to the room. For this exhibition, a sheet of colored screen film have been affixed to the front and back windows of the space. The clown figures—the main feature of this installation—exhibit a passive and lethargic attitude that strikes a stark contrast to their jubilant surroundings and festive costumes. Each of the clowns, titled after everyday acts such as “breathe,” “rise,” “taste,” “remember,” and “cry,” define “solitude” in discrete ways, while representing individuals who remain outside society’s mainstream. vocabulary of solitude, which is on view for free with the support of the Auckland Contemporary Art Trust, runs through February 27, 2022. 

우고 론디노네, 뉴질랜드 오클랜드 아트 갤러리 토이 오 타마키(Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki)에서 개인전 《vocabulary of solitude》 개최

스위스 출신의 현대미술가 우고 론디노네가 뉴질랜드에 위치한 오클랜드 아트 갤러리 토이 오 타마키(Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki)에서 개인전 《vocabulary of solitude》를 개최한다. 회화, 조각, 미디어, 설치 등 다양한 장르를 넘나드는 우고 론디노네는 일상적인 이미지들을 시적으로 재해석하고, 인간 내면의 깊은 곳을 탐구해왔다. 작가는 이번 개인전에서 무지개 빛이 드리워진 공간에 다수의 광대 조각을 펼쳐 보이며 인간의 존재론적 성찰을 도모한다. 

멜랑콜리한 분위기를 조성하는 론디노네의 설치작업은 무지개색 스크린 필름으로 도배된 전시장 유리 벽면, 고립된 채 제각기 다른 포즈를 취하고 있는 실물 크기의 광대 조각, 비닐로 덮인 바닥으로 구성되어 있다. 이번 전시를 위해 미술관 앞면과 뒷면에 위치한 유리 벽면 전면에는 스크린 필름이 부착됐다. 작업의 중심을 차지하는 광대 조각은 다채로운 천장 및 벽면, 그리고 화려한 옷과 상반되는 정적이고 무기력한 모습으로 ‘홀로 있음’의 정의를 자신만의 방식으로 표현하는 동시에 사회 변두리에서 소외된 일상을 살아가는 이들을 상징한다. 인간의 아주 평범하고도 일상적 행위들을 재현하는 광대들은 각각 ‘숨쉬기’, ‘일어나기’, ‘맛보기’, ‘기억하기’, ‘울기’ 등으로 이름 붙여진다. 오클랜드 현대미술 후원회(Auckland Contemporary Art Trust)의 지원을 받아 무료로 운영되는 본 전시는 2월 27일까지 진행된다. 

[Source from Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki website]
10 Hong Seung-Hye Showcases On Stage as part of Project Exhibition IMA Picks 2021 at Ilmin Museum of Art

Installation view of On Stage, 2021 at Ilmin Museum of Art, Seoul, Korea

Artists: 홍승혜(Hong Seung-Hye)
Exhibition Dates: November 19, 2021 – February 6, 2022 
Exhibition Venue: Ilmin Museum of Art, Seoul, Korea
Website: https://ilmin.org/exhibition/%e3%80%8aima-picks-2021%e3%80%8b/

The contemporary artist Hong Seung-Hye presents her solo exhibition On Stage as part of IMA Picks 2021, held at the Ilmin Museum of Art, Seoul, Korea, from November 19, 2021. As the museum’s annual project exhibition, IMA Picks 2021 highlights works by Hong Seung-Hye (b. 1959), Lee Eunsae (b. 1987) and Yun Suknam (b. 1939)—three female artists from discrete generations who have each inspired continuous discourse and shifts in the landscapes of the local and international contemporary art scenes. Each artist is designated a space within the museum’s galleries to showcase her work. Hong, who has spent decades constructing a unique practice that traverses between two-dimensional and three-dimensional works by combining and assembling the “pixel”—the basic unit of computer programming—embraces the role of a producer and director, showcasing a comprehensive span of her artistic vocabulary. 

Installed on the second floor of the museum, On Stage is a “stage” founded on the pixel, sporadically intervened by miscellaneous elements such as floors, walls, a circular stage, furniture, and posters. Hong utilizes this space to show one of her video works alongside five sculptures created by four sculptors who in the past were her students, and currently are her collaborators. The exhibition features aspects of a performance, inviting five performers—each identified as “the artist,” “the voice actor,” “the audience,” “the princess,” and “the lover”—who occupy the stage in the form of moving sculptures. On stage, their presence constructs a landscape where art intertwines with life, delivering Hong’s message that “art can touch upon the mundanity of everyday life, and that we can thus forge a collective world in which we all foster change.” Hong’s works, which derive from the organic form of the pixel, brings forth a new reality interweaved with abstract art, where various challenges exist relative to the space in which the works are placed. On stage runs through February 6, 2022, featuring performance sessions between 1pm to 5pm every Saturday. 

홍승혜, 일민미술관 3인전 《IMA Picks 2021》에서 《무대에 관하여》 개최

현대미술가 홍승혜가 일민미술관의 전시 《IMA Picks 2021》에 참가, 《무대에 관하여》전을 11월 19일부터 선보인다. 이번 전시는 국내외 예술 현장에서 지속적인 담론과 현상을 만들어온 세 명의 작가를 선정하는 일민미술관의 기획전시로, 홍승혜(b.1959)를 비롯해 이은새(b.1987), 윤석남(b.1939) 등 각기 다른 세대를 경험해 온 여성작가 3인이 참가해 각각의 전시를 꾸렸다. 지난 수십 년 동안 컴퓨터 프로그램의 기본 단위인 ‘픽셀’을 결합, 축적하며 평면과 입체를 넘나드는 작업을 전개해온 홍승혜는 이번 전시에서 연출가 또는 극장장으로 분해 폭넓은 작업을 선보인다.

일민미술관 2층에서 펼쳐지는 《무대에 관하여》는 픽셀에 근거한 무대로, 곳곳에 바닥과 벽, 원형 무대, 가구와 포스터 등이 가설된 장소이다. 홍승혜는 이곳 무대에서 자신의 영상 작업과 함께 제자이자 동료인 4명의 조각가가 제작한 5점의 조각을 선보인다. 퍼포먼스가 가미된 이번 전시에서는 ‘예술가’, ‘성우’, ‘관객’, ‘공주’, ‘연인’으로 분한 5명의 퍼포머들이 움직이는 조각으로 무대를 채우며 예술적 사건과 삶의 시간이 뒤엉키는 풍경을 만들어내고, 이로써 “예술이 평범한 일상에 닿고, 그로 인해 우리 모두가 공통의 세계를 바꿀 수 있다는 믿음을 표현하고자 했다”는 작가의 의도를 반영한다. 유기적 단위인 픽셀을 응용하여 추상미술을 현실에 개입시켜온 홍승혜의 작업은 이번에도 공간에 관한 여러 도전들이 혼재한 또다른 현실을 탄생시킨다. 내년 2월 6일까지 진행되는 이번 전시는 매주 토요일 오후 1-5시 사이 수시로 퍼포먼스를 선보인다. 

[Source from Ilmin Museum of Art’s website] 
11 Haegue Yang Presents Sonic Rescue Ropes, an Installation Commissioned by M+, Hong Kong, in Celebration of Its Opening

Haegue Yang, Sonic Rescue Ropes, 2021, nickel-plated bells, stainless steel chains, split rings, dimensions variable. Courtesy of the artist. Commissioned by M+, 2021
Installation view at M+, Hong Kong, 2021. 
Photo: Lok Cheng and Dan Leung, M+. Courtesy of M+, Hong Kong.

Artist: 양혜규(Haegue Yang)
Exhibition Dates: November 12, 2021 – August 24, 2022
Exhibition Venue: M+, Hong Kong
Website: https://www.mplus.org.hk/en/exhibitions/m-commission-haegue-yang/

The Korean contemporary artist Haegue Yang’s Sonic Rescue Ropes (2021), an installation commissioned by M+, is currently being presented at the museum which recently opened its doors to the public in the West Kowloon Cultural District of Hong Kong. Asia’s first museum dedicated to contemporary visual culture, M+ is led by director Suhanya Raffel and deputy director Doryun Chong, who jointly ranked 78 on the 2021 Power 100 list announced by the respected British arts magazine ArtReview. Designed by the Pritzker Prize-winning Swiss architecture firm Herzog & de Meuron, the expansive cultural institution houses 33 galleries, along with other various facilities including three cinemas, a research center, followed by a number of restaurants and bars. Under its slogan, “more than a museum,” M+ showcases a holistic collection of works from Hong Kong, Asia, and beyond. To celebrate its inauguration, M+ presents approximately 1,500 works across six special exhibitions including Antony Gormley and a selection drawn from the M+ Sigg Collection, along with ambitious commissioned works by Haegue Yang and Danh Vō.

Haegue Yang, known for her practice that interweaves a range of materials and historical references to create multisensory experiences, displays her Sonic Rescue Ropes at the museum’s subterranean display space called the ‘Found Space.’ Referencing her earlier work Sonic Ropes (2020-), introduced at her solo exhibition MMCA Hyundai Motor Series 2020: Haegue Yang―O₂ & H₂O at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, Sonic Rescue Ropes features gleaming cords of bells that drape down from the ceiling, linked together with metal rings. Designed in various sizes and forms, Sonic Rescue Ropes explores the myriad ways in which the body responds to the work; earlier wall-mounted works from the Sonic Sculptures (2013-) create rattling sounds when rotated by hand, while Sonicwear (2013-) is worn directly on the body, triggering a resonance between the physical touch and acoustic sensation. Meanwhile, in the freestanding sculpture Sonic Domesticus (2020), handles mediate the body and the work to build a relationship in between. Sonic Rescue Ropes, of which the ends are dropped down almost to touch the floor, similarly introduces a new form of interaction between the work and the body. Inspired by the Korean folktale Sister Sun and Brother Moon, the installation takes the form of a rope that provides an escape from the hardships of reality. Resonating a rattling sound vertically towards the ceiling, Yang’s multisensory installation stimulates the viewers’ sensorial intuition toward the world of imagination. While the current work will be activated occasionally throughout the duration of the exhibition, a new commission by Yang will be presented on-site in spring. 

양혜규, 홍콩 M+ 개관전에서 커미션 설치작품 <소리 나는 구명 동아줄> 공개

현대미술가 양혜규가 홍콩 서구룡문화지구에 새롭게 문을 연 홍콩 M+에서 커미션 설치작품 <소리 나는 구명 동아줄>(2021)을 선보인다. 아시아 최초의 컨템포러리 비주얼 문화 뮤지엄을 표방하는 M+는 지난 12월 1일, 영국의 저명한 미술지 ‘아트리뷰(ArtReview) 2021 파워 100’에 공동 78위로 선정된 수한야 라펠(Suhanya Raffel)과 정도련이 각각 관장, 부관장을 맡았다. 프리츠커 상을 수상한 스위스 바젤 출신의 듀오 건축가 헤르조그 앤 드 뫼롱(Herzog and de Meuron)이 설계를 맡은 이곳 미술관은 33개의 갤러리와 3개의 극장을 비롯해 리서치 센터, 레스토랑, 바(bar) 등을 갖춘 대규모 문화공간이다. ‘미술관 이상의 미술관’이라는 뜻을 지닌 M+는 홍콩, 아시아 작가의 작품뿐 아니라 아시아의 영향을 받은 전세계의 예술 작품을 폭넓게 선보인다. 이번 개관전에서는 안토니 곰리(Antony Gormley), 지그 컬렉션(Sigg Collection) 등 6개의 전시와 양혜규, 얀 보(Danh Vō)를 비롯한 여섯 작가의 커미션 작품을 포함한 총 1500여 점의 다채로운 작품으로 관객들을 맞이한다.

다양한 재료와 역사적 참조를 바탕으로 감각적 경험을 매개하는 작업을 전개해온 양혜규는 이번 개관전에서 지난 2020년 국립현대미술관 《MMCA 현대차 시리즈 2020: 양혜규-O2 & H2O》에서 선보인 <소리 나는 동아줄>(2020)을 변형, 확장한 작품을 지하 ‘파운드 스페이스(Found Space)’에서 선보인다. 방울을 금속 링으로 엮어 전시장 천장으로부터 길게 드리운 <소리 나는 구명 동아줄>은 그 크기와 형태를 달리하며 작품이 신체와 관계 맺는 방식을 새롭게 발견해 나간다. 손으로 회전시켜 소리를 내는 초기의 벽걸이형 작품에서 시작하여, 몸에 직접 착용해 신체와 청각 사이의 공명을 연출한 <소리 나는 의류>(2013-), 손잡이를 매개로 신체와 관계를 맺는 직립형 작품 <소리 나는 가물 家物>(2020)에 이어 이번 작품은 작품의 신체 대응 방식을 또 한번 변화시킨다. 전래동화에서 영감을 얻어 천장에서부터 땅에 닿을 듯 말 듯 길게 늘어진 이 동아줄은 현실의 시련으로부터 탈출을 돕는 오브제다. 작품을 흔들 때 발생하는 소리는 수직으로 공명하고, 천장으로 울려 퍼지는 소리는 해와 달이 된 오누이의 설화처럼 우리의 감각과 상상력을 동아줄 너머의 어딘가까지 닿게 한다. 작품은 전시 기간 중 시연될 예정이며, 오는 2022년 봄에는 작가의 새로운 커미션 작업이 이곳 미술관에 설치될 예정이다.

[Source from M+ Hong Kong press release]
12 Julian Opie, Subject of Solo Exhibition Julian Opie: Collected Works/Works Collected at Newlands House Gallery, Petworth, UK

Installation view of Julian Opie: Collected Works/Works Collected at Newlands House Gallery, Petworth. UK. 
Photo: Elizabeth Zeschin

Artist: 줄리안 오피(Julian Opie)
Exhibition Dates: November 6, 2021 – March 6, 2022
Exhibition Venue: Newlands House Gallery, Petworth, UK
Website: https://newlandshouse.gallery/exhibitions/julian-opie-collected-works-works-collected/

The British contemporary artist Julian Opie is the subject of a solo exhibition titled Julian Opie: Collected Works/Works Collected, on view through March 6, 2022 at Newlands House Gallery, Petworth, UK. Situated in a historic 18th-century townhouse, Newlands House Gallery opened its doors to the public in March of 2020 and has since staged exhibitions featuring prominent 20th-century artists. As its fifth exhibition—following those of celebrated artists such as Helmut Newton, Ron Arad, and Joan Miro—Julian Opie: Collected Works/Works Collected showcases over 100 pieces from the artist’s personal collection, ranging from antiquities to contemporary art, alongside a selection of his own sculptures, paintings, and films.

Opie has often referred to drawing inspiration from antiquities and works by other contemporary artists, mentioning that “the work of others pushes me beyond what I know and assume," and that it "suggests new logics and approaches.” In this context, Julian Opie: Collected Works/Works Collected provides yet another opportunity to reflect on the British artist’s interest in art spanning centuries of history.

Displayed in the exhibition are Opie’s paintings characterized by his signature style of simple lines and flat colors, LED installations, mosaic portraits, sculptures, and videos alongside his personal collection of art that has inspired his unique work. His collection of art spans a range of eras and genres, from Greco-Roman statuary and Egyptian sarcophagi to works by contemporary artists such as Chuck Close, Roy Lichtenstein, and Sol LeWitt. Each piece from the artist’s personal collection comes into intimate dialogue with his work. For instance, everyday scenes of Japanese women portrayed by the renowned Ukiyo-e printmaker Kitagawa Utamaro hang next to Ruth Smoking 2. (2006)—Opie’s animated LCD portrait of a woman smoking a cigarette, while silhouette portraits by the 19th-century French painter Auguste Edouard are presented in juxtaposition with Opie’s own series of silhouettes depicting his family and friends. Installed in the center of the garden is Yoko XIX (2006), the British contemporary artist Don Brown’s sculptural portrait of his wife, alongside two of Opie’s animal sculptures.

Meticulously curated in in consideration of the unique architecture of Newlands House Gallery, the show invites viewers to reflect on the stylistic and narrative similarities between works from a range of cultural milieus. In doing so, it places Opie’s oeuvre within a broader art historical context, providing a closer look into his artistic endeavor across various mediums and techniques.

줄리안 오피, 영국 뉴랜드 하우스 갤러리에서 개인전 《Julian Opie: Collected Works/Works Collected》 개최

현대미술가 줄리안 오피의 개인전 《Julian Opie: Collected Works/Works Collected》가 영국 페트워스의 뉴랜드 하우스 갤러리(Newlands House Gallery)에서 오는 3월 6일까지 열린다. 2020년 3월에 개관한 뉴랜드 하우스 갤러리는 18세기에 지어진 대저택을 보존하여 만든 공간으로, 20세기의 저명한 예술가들을 조명하는 다채로운 전시를 소개해왔다. 헬무트 뉴튼, 론 아라드, 호안 미로 등에 이어 다섯 번째로 열리는 이번 전시에서 줄리안 오피는 고미술부터 현대미술까지 100여 점에 이르는 본인의 컬렉션을 조각, 회화, 영상 작업 등과 함께 선보인다.

오피는 과거의 예술은 물론 동시대미술가들의 작품에서 예술적 영감을 얻는다고 종종 밝혀왔다. 그는 “다른 예술가들의 작업은 내가 상정하는 세상 너머로 나를 밀어붙이고, 대상에 대한 새로운 접근 방식과 논리를 제안한다”고 이야기한 바 있는데, 이번 전시 역시 세기를 넘나드는 예술에 대한 작가의 관심이 고스란히 반영되었다. 

전시장에는 간결한 선과 평면적인 색이 특징인 그의 시그니처 회화는 물론 LED 설치, 모자이크 작품, 조각, 영상 등이 이 모든 작업의 예술적 영감이 된 그의 컬렉션과 함께 배치되어 있다. 오피의 컬렉션은 고대 그리스와 로마의 조각상 및 이집트 석관부터 척 클로즈, 로이 리히텐슈타인, 솔 르윗 등 근현대미술 작가들의 작품까지 각 시대와 양식을 아우르는데, 각 수집품은 작가의 작업과 서로 긴밀하게 상호작용하며 흥미로운 대화를 이끌어 낸다. 예컨대 일본 에도 시대의 우키요에 화가 기타가와 우타마로의 미인도가 담배 피는 여성을 묘사한 오피의 LCD 애니메이션 작업 <Ruth Smoking 2.>(2006)와 나란히 배치되어 있으며, 19세기 프랑스 화가 오귀스트 에두아르의 실루엣 초상화가 가족과 지인을 형상화한 오피의 실루엣 연작과 함께 전시되는 식이다. 한편 정원에는 영국 현대미술가 돈 브라운이 자신의 부인을 묘사한 조각 <Yoko XIX>(2006)이 오피가 주변에서 마주하는 동물을 소재로 작업한 조각 두 점과 함께 설치되어 있다. 

전혀 다른 배경을 가진 작품 간의 양식적, 서사적 유사성과 해당 기관의 건축구조 등 다양한 요소를 염두에 두고 면밀히 설계된 본 전시는 오피의 작업 세계를 미술사적 맥락에서 재고하게 하며, 여러 소재와 기법을 활용해 작업하는 작가의 예술적 실험을 심도 있게 조명한다.

[Source from Newlands House Gallery website]
13 Jenny Holzer Reveals HURT EARTH, a Series of Large-scale Light Projections across the UK

Jenny Holzer, HURT EARTH, 2021
© 2021 Jenny Holzer, member Artists Rights Society (ARS), NY / DACS, UK
Photo: Adam Kenrick

Artist: Jenny Holzer
Exhibition Venues & Dates:
October 29 – 31, 2021 Tate Modern, London, UK
November 8, 2021 Edinburgh Castle, Edinburgh, UK│SEC Armadillo, Glasgow, UK
November 9 – 11, 2021 Met Tower, Glasgow, UK
November 12 – 14, 2021 Pop-up locations across Edinburgh, UK
Website: https://artforyourworld.wwf.org.uk/blog/40-news-jenny-holzer-hurt-earth-at-tate-modern-supporter-spotlight/

The American contemporary artist Jenny Holzer recently revealed a series of large-scale light projections, under the title HURT EARTH (2021), across the UK. This project coincides with the 26th annual United Nations Climate Change Conference of the Parties (COP26), which takes place in Glasgow and brings together leaders and delegates from approximately 120 countries. Intended to raise awareness of the climate crisis—one of the greatest challenges faced by humanity today—HURT EARTH launched at London’s Tate Modern and has traveled to major UK landmarks including Edinburgh Castle, the SEC Armadillo, and the Met Tower, and will be followed by a series of pop-up locations in Edinburgh through November 14, 2021.

For the past four decades, Holzer has utilized text as her primary medium to address pressing social issues and advocate political justice. For HURT EARTH, the artist has projected excerpts of writings, testimonies, speeches, and interviews from approximately 40 international leaders and activists onto different buildings, highlighting the precarious state of the climate crisis—an issue Holzer has always followed closely. Of the texts incorporated into the artwork includes a quote by the Swedish environmental activist Greta Thunberg, “IF WE CHOOSE TO ACT TOGETHER THERE ARE NO LIMITS TO WHAT WE CAN ACCOMPLISH,” along with one by Theodore Roosevelt, the 26th President of the United States, “THERE IS NOTHING MORE PRACTICAL IN THE END THAN THE PRESERVATION OF BEAUTY.” The use of such determined and intuitive language compellingly highlights the alarming intensity of climate change.

Inviting viewers to contemplate the bleak reality of the climate crisis, the sentences projected onto the façade of each building transforms what was once a familiar edifice into an entirely new piece of architecture. At a time when solidarity and collective action are most needed in order to address the current climate crisis, Holzer’s work initiates essential discourse on social and political activism within the art world.

제니 홀저, 영국 전역에 초대형 프로젝션 작업 <HURT EARTH>(2021) 공개

미국의 현대미술가 제니 홀저가 초대형 프로젝션 작업 <HURT EARTH>(2021)를 영국 전역에 선보인다. 기후위기에 대응하기 위해 세계 120여 개국의 정상이 참가, 영국 글래스고에서 개최되는 제26차 유엔기후변화협약 당사국총회(COP26)를 맞이해 기획된 본 프로젝트에서 작가는 기후변화라는 공통의 과제에 직면한 전세계에 경종을 울리는 메시지를 전한다. 작품은 런던의 테이트모던을 시작으로 오는 11월 14일까지 에든버러 성, SEC 아르마딜로, 메트 타워 등 영국의 주요 랜드마크에서 순차적으로 전시된다.

제니 홀저는 지난 40년간 언어를 주요 재료로 삼아 사회적 문제를 공론화하는 작업을 지속해왔다. 본인이 평소 관심 있게 바라본 기후변화 문제를 작업으로 승화한 이번 프로젝트에서 그는 전 세계 40여 명의 환경운동가 및 지도자들의 글과 연설 및 인터뷰에서 발췌한 문구를 건물에 투사하는 방식을 통해 기후위기의 심각성을 강조한다. 홀저는 스웨덴의 10대 환경운동가 그레타 툰베리(Greta Thunberg)의 연설에서 발췌한 “함께 행동하기로 결정한다면 우리가 성취할 수 있는 것엔 한계가 없다(If we choose to act together, there are no limits to what we can accomplish)”와 미국의 26대 대통령 시어도어 루스벨트(Theodore Roosevelt)의 명언 “아름다움을 보존하는 것만큼 실용적인 일은 없다(There is nothing more practical in the end than the preservation of beauty)”등 강경하고도 직관적인 문장들로 고조되는 기후위기에 대한 경각심을 일깨운다.

각 건물의 전면에 투사되는 제니 홀저의 글귀는 현지인들에게 친숙한 건물을 낯설고 새로운 공간으로 변모시킬 뿐만 아니라 이들로 하여금 인류가 당면한 현실을 직시하게 한다. 더 나아가 세계적 의제로 떠오른 기후위기에 대처하는 국제사회의 강화된 행동과 연대가 그 어느 때보다 절실한 지금, 홀저의 프로젝션 작업은 미술을 비롯한 문화예술계 내에서도 환경문제를 둘러싼 담론을 촉발하는 실천적인 예술로 크게 주목받고 있다.

[Source from ‘HURT EARTH’ press release, provided by Jenny Holzer Studio and Sutton]
14 Lee Ufan, Subject of Major Solo Exhibition Requiem at Alyscamps, Arles, France

Installation view of Requiem at Alyscamps, Arles, France.

Artists: 이우환(Lee Ufan)
Exhibition Dates: October 30, 2021 – September 30, 2022 
Exhibition Venue: Alyscamps, Arles, France
Website: https://www.studioleeufan.org/latest/2021/10/11/1afavh5b0iy292j5a97f9s32vcmjw7

The celebrated contemporary artist Lee Ufan is the subject of a solo exhibition titled Requiem at Alyscamps, Arles, in the south of France, on view from October 30, 2021, through September 30, 2022. A renowned tourist destination facing the Mediterranean Sea, Arles is known for its rich history and cultural heritage often associated with the Dutch Post-Impressionist painter Vincent van Gogh, who produced more than 300 paintings during his stay in the city. Arles is home to Alyscamps—one of the eight UNESCO World Heritage Sites in the city—a large Roman necropolis known for its alleys aligned with thousands of sarcophagi and the Romanesque Church of Saint-Honorat. In celebration of the 40th anniversary of the necropolis’ inscription on the World Heritage List, Alfred Pacquement, the former director of the National Museum of Modern Art, Centre Pompidou, has curated an exhibition that presents 14 new works by Lee. This carefully curated selection of works includes those from Lee’s signature series Relatum and Dialogue, along with other sculptures and paintings. The artist, who has continuously explored the dynamics between his work and its setting, exquisitely transforms the historic site into a space where each work enters into a dialogue with its surrounding monuments.

Since 1972, Lee has consistently presented his installation series entitled Relatum. With stones arranged on a steel plate, Lee’s Relatum series highlights the tension between nature and the artificial, along with the interrelationships of matter and space. Featuring concise brushstrokes on an otherwise bare canvas, Lee's Dialogue series once again delivers a deep resonance across the cemetery by activating the relationship between contrasting elements such as the painted and the unpainted, and presence and absence. Spanning the necropolis from the entrance to the interior of the Church of Saint-Honorat, each of the 14 works form a dialogue with the sarcophagi and surrounding nature, creating a tension between life and death, modern and ancient. In April of next year, a third permanent exhibition space—designed by the renowned Japanese architect, Tadao Ando—solely dedicated to Lee’s work is due to open in Arles following the opening of the Lee Ufan Museum in Naoshima, Japan (2010) and Space Lee Ufan at Busan Museum of Art, Korea (2015). 

이우환, 프랑스 남부 아를 알리스캉에서 개인전 《Requiem》 개최

현대미술의 거장 이우환의 개인전 《Requiem》이 프랑스 남부 아를(Arles)에 위치한 알리스캉(Alyscamps)에서 10월 30일부터 11개월 정도 선보인다. 지중해에 접한 휴양 도시 아를은 고흐가 300여 점이 넘는 그림을 그린 것으로 알려진 예술과 역사의 도시이다. 특히 아를의 8대 세계유산 중 하나인 알리스캉은 고대 로마인들의 독특한 무덤 문화가 담긴 공동묘지로 석관이 늘어선 골목과 로마네스크 양식의 생토노레 교회(Church of Saint-Honorat)가 조화를 이루는 곳이다. 유산 등재 40주년을 맞아 퐁피두센터 국립 근대미술관장을 역임한 큐레이터 알프레드 파퀴망(Alfred Pacquement)과 함께 기획된 이번 전시에서 이우환은 ‘관계항(Relatum)’, ‘대화(Dialogue)’를 비롯한 주요 신작, 조각과 회화 14점을 소개한다. 평생 주변 공간과 관계 맺으며 교감하는 작품을 선보여온 작가의 작업이 알리스캉의 오랜 유적들과 함께 호흡하게 된 셈이다.

이우환은 1972년부터 ‘관계항’이라는 이름의 설치 작품을 지속적으로 발표해왔다. 인위적으로 가공된 공업 용재 ‘철판’과 자연의 산물인 ‘돌’로 구성된 이 작업은 자연과 주변 환경, 다른 물질과의 관계를 형성하는 하나의 장(場)을 표현한다. 간결한 붓 자국과 캔버스의 여백이 조화를 이루는 ‘대화’ 연작은 이번에도 그림을 그린 부분과 그리지 않은 부분, 존재하는 것과 존재하지 않는 것이 서로 상호작용하며 묘지 공간에 깊은 울림을 주고, 석관이 늘어선 입구부터 교회 내부까지 곳곳에 전시된 작품들은 로마 시대의 유적 및 자연과 긴장감을 유지하면서 죽음과 삶, 고대와 현대를 아우른다. 내년 4월에는 일본 나오시마(2010년 개관), 부산(2015년 개관)에 이어 세 번째로 아를 시내에 이우환 미술관이 개관 예정이며, 유명 건축가 안도 다다오(Ando Tadao)가 건축 설계를 맡았다. 

[Source from Studio LeeUfan website]
15 Wook-kyung Choi, Subject of Major Retrospective Wook-kyung Choi, Alice’s Cat at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Gwacheon, Korea

Installation view of Wook-kyung Choi, Alice’s Cat at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Gwacheon, Korea

Artists: 최욱경(Wook-kyung Choi)
Exhibition Dates: October 27, 2021 – February 13, 2022 
Exhibition Venue: National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Gwacheon, Korea
Website: https://www.mmca.go.kr/eng/exhibitions/exhibitionsDetail.do?exhId=202101190001357

The Korean contemporary artist Wook-kyung Choi is the subject of a major retrospective titled Wook-kyung Choi, Alice’s Cat, which opens on October 27, 2021, at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) in Gwacheon, Korea. Choi is known for her bold abstract paintings and works on paper which signaled a timely intercultural exchange between the United States and Korea. The exhibition title stems from the novel Alice’s Adventures in Wonderland by Lewis Carroll (1832-1898), which left a profound influence on Choi’s artistic vocabulary. Presenting a tightly curated, comprehensive selection of approximately 200 works and ephemera, spanning early self-portraits from 1953 to later works created in 1985 before the artist’s untimely passing, Wook-kyung Choi, Alice’s Cat heralds Choi’s multifaceted talent as an artist, educator, and poet. 
The title of the exhibition—Wook-kyung Choi, Alice’s Cat—represents the explorations Choi undertook as an artist as she traveled back and forth from Korea and the United States after her first visit to the latter country in 1963. Simultaneously, it sheds light onto the artist’s commitment to literature—as a prolific poet, Choi published her English poems under the title Small Stones (1965) and 45 of her Korean poems (one of which included Alice’s Cat) under the title Like Unfamiliar Faces (1972) throughout her lifetime. 

The retrospective, which multilaterally reflects on Choi’s artistic language, is divided into four chronologically organized sections. The exhibition begins with ‘To America as Wonderland,’ featuring works created between 1963 and 1970, when the artist first became exposed to the latest shifts in American contemporary art and fully embraced these canons in her abstract and black-and-white paintings during her studies in the U.S. Between 1971 and 1978, Choi worked on large-scale abstract paintings while traveling between Korea and the U.S., showcased in the second section titled ‘Korea and America, In between Dream and Reality.’ ‘To the Mountains and Islands of Korea and the Home of Choi’s Painting’ presents Choi’s unique interpretation of Korean nature, which developed during her tenure as a professor at Yeungnam University and Duksung Women’s University upon her return to Korea in 1979. Choi’s self-portraits from the early 1950s to the 1970s constitute the final section, ‘Epilogue. Mirror Room: The Beginning of a New Story.’ The exhibition, which provides an opportunity to rediscover Choi as one of the leading figures of Korean abstract art, far beyond her existing reputation as a genius painter who died young, runs through February 13, 2022. Meanwhile, Choi’s works are also on view at the Guggenheim Museum Bilbao’s special group exhibition, Women in Abstraction, through February 27, 2022.

최욱경, 과천 국립현대미술관에서 대규모 회고전 《최욱경, 앨리스의 고양이》 개최

한국을 대표하는 추상미술가 최욱경의 대규모 회고전 《최욱경, 앨리스의 고양이》가 과천 국립현대미술관에서 10월 27일부터 열린다. 강렬한 색채와 대담한 필치의 작업으로 국제적인 동시에 한국적인 추상회화의 기법을 이끈 최욱경의 이번 회고전은 그의 작업세계에 큰 영향을 미친 것으로 알려진 루이스 캐럴(Lewis Carroll, 1832-1898)의 소설 『이상한 나라의 앨리스(Alice’s Adventures in Wonderland)』에서 제목을 차용하였다. 1953년 초기 자화상부터 1985년 작고하기까지의 작품 및 자료 200여 점을 선보이는 이번 대규모 회고전은 화가, 미술 교육자, 시인으로 전방위적인 활동을 펼친 작가의 총체적인 이력을 조망한다. 

‘최욱경, 앨리스의 고양이’ 전시명은 1963년 처음 미국으로 건너가, 이후 한국과 미국을 오가며 새로운 세계를 탐색해온 작가를 상징하는 동시에 1965년 영문 시집 『작은 돌들(Small Stones)』, 1972년 「앨리스의 고양이」를 비롯한 시 45편을 수록한 국문 시집 『낯설은 얼굴들처럼』을 출간한 작가의 문학적 이력을 통해 그의 작업을 조망하고자 하는 의미를 지니고 있다. 

최욱경의 예술 세계 전반을 다각적으로 선보이는 이번 회고전은 크게 4개 공간으로 나뉘어 진행된다. 1963년부터 1970년까지 미국 유학 시기에 미국 동시대 미술을 폭넓게 수용한 추상회화 및 흑백 회화를 선보이는 '미국이라는 원더랜드를 향하여'를 시작으로 1971년부터 1978년까지 한국과 미국을 오가며 구상과 추상이 결합된 대규모 추상미술 작품들을 작업한 '한국과 미국, 꿈과 현실의 사이에서'가 이어진다. 계속되는 공간에서는 1979년 미국에서 귀국한 이후 영남대와 덕성여대에서 교수로 재직하며 한국의 자연을 주제로 작업한 작품들을 선보이는 ‘한국의 산과 섬, 그림의 고향으로’, 마지막으로 '에필로그. 거울의 방: 새로운 이야기의 시작'에서는 1950년대 초부터 1970년대까지 작가가 제작한 자화상을 선보인다. 요절한 천재 여성작가라는 기존의 평가를 넘어 한국 대표 추상미술가로서의 예술 세계 전반을 주목하는 이번 전시는 내년 2월 13일까지 계속된다. 한편 최욱경의 작품들은 현재 구겐하임 빌바오 미술관에서 열리는 기획전 《Women in Abstraction》(2022년 2월 27일까지)에서도 만나볼 수 있다. 

[Source from MMCA press release]