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1 Byron Kim, Julian Opie, and SUPERFLEX Participate in Group Exhibition Trauma: Shooting the Pulitzer & 15minutes at the Daejeon Museum of Art

Installation view of Trauma: Shooting the Pulitzer & 15minutes at the Daejeon Museum of Art, 2021. Courtesy of the Daejeon Museum of Art.

Artists: 바이런 킴(Byron Kim), 수퍼플렉스(SUPERFLEX), 줄리안 오피(Julian Opie)
Exhibition Dates: July 6 – September 26, 2021
Exhibition Venue: Daejeon Museum of Art, Korea
Website: https://www.daejeon.go.kr/dmae/DmaExhibView.do?exType=01&menuSeq=6124&exSeq=105330&&pageIndex=1

The internationally acclaimed contemporary artists Byron Kim, Julian Opie, SUPERFLEX are currently participating in the group exhibition Trauma: Shooting the Pulitzer & 15minutes at the Daejeon Museum of Art. Inviting viewers to contemplate universal human experiences and the different ways to restore faith in humanity, the exhibition showcases works by key international contemporary artists alongside Pulitzer-winning photographs that document critical moments in modern and contemporary history.

The two-part exhibition is organized under the broader theme of “trauma,” with the second section, titled 15 minutes, examining different psychological states as sources of artistic inspiration. Julian Opie’s Boston crowd 1. (2019), which depicts a group of people walking across an urban environment, offers viewers a fresh perspective on passersby encountered in our daily lives. Byron Kim’s Sunday Paintings (2008-2019) series records the subtle changes in the colors of the sky every Sunday on a small canvas. Inscribed on each canvas are short, journalistic entries that reflect his personal thoughts and temperaments, illustrating the artist’s desire to “relate the infinitesimal with the infinite.”

The Danish artist collective SUPERFLEX presents two works that highlight a uniquely clever approach to representing today’s milieu. Oscillating between an object of art and that of practicality, SUPERFLEX’s work has constantly questioned the existing economic and power structures within our contemporary society. In We Are Having The Time of Our Lives (2019), the artist collective translates a familiar phrase into an LED signboard, inviting viewers to contemplate on a universal human condition encompassing a range of unpleasant situations. Situated in another corner of the gallery space is Copy Right (2007), a replica of the renowned Ant Chair designed by the Danish architect Arne Jacobsen in 1953. Modifying the original design into a commercial format, SUPERFLEX explores the notions of originality and imitation in contemporary art and the dialectic between them. The exhibition, which presents works by leading contemporary artists to examine the role of art in documenting human history, runs through September 26.

바이런 킴, 수퍼플렉스, 줄리안 오피, 대전시립미술관 그룹전 《트라우마: 퓰리처상 사진전 & 15분》 참가

세계적인 현대미술가 바이런 킴, 수퍼플렉스, 줄리안 오피가 대전시립미술관에서 열리는 그룹전 《트라우마: 퓰리처상 사진전 & 15분》에 참가한다. ‘인간성’의 성찰과 회복에 대한 고찰을 목표로 기획된 본 전시는 근현대사의 주요 장면을 포착한 퓰리처상 수상 사진작과 함께 전세계를 아우르며 활발한 활동을 펼치고 있는 현대미술 작가들의 작품으로 꾸려진다.

‘트라우마’라는 큰 주제 아래 두 개의 섹션으로 구성된 이번 전시의 ‘15분’ 섹션에서는 인간의 다양한 심리 상태와 예술적 영감의 관계성에 주목한다. 줄리안 오피는 복잡한 도시를 바쁘게 걷는 현대인의 모습을 담아낸 작품 <Boston crowd 1.>(2019)을 선보이며 주변 환경 속 타인을 새로운 방식으로 마주하게끔 이끈다. 바이런 킴의 <Sunday Paintings>(2008-2019) 연작은 매주 일요일의 하늘을 동일한 크기의 소형 캔버스에 담고 작가의 일상적 소회를 기록한 작품으로, ‘아주 극미한 것과 무한한 것을 연결시켜’ 개개인의 작은 일상을 담아내고자 하는 작가의 소박한 정서를 보여준다.

덴마크 출신 3인조 작가그룹 수퍼플렉스는 이번 전시에서 특유의 위트가 돋보이는 두 점의 작품을 선보인다. 수퍼플렉스는 미술 작업과 실용적 물품 사이를 오가며 현대사회의 경제 및 권력 시스템에 대해 끊임없이 의문을 제기해왔다. 간판의 시각적 주목성을 활용한 <We Are Having The Time of Our Lives>(2019)는 일상적인 관용구를 파란색 LED 조명 설치로 변모시키며 인류가 공통적으로 당면한 현 상황에 대한 인식과 자각을 시사한다. 전시장 한 켠에 자리한 <Copy Right>(2007)은 덴마크 건축가인 아르네 야콥센이 1953년 디자인한 스테디셀러 ‘개미 의자(앤트 체어)’를 모방한 작품으로, 현대미술의 주요 화두 중 하나인 독창성과 모방의 개념, 나아가 그 사이의 변증법을 다룬다. 현대미술가들의 다채로운 작품을 통해 시대의 목소리를 담는 예술의 역할을 조명하는 본 전시는 오는 9월 26일까지 진행된다.

[Source from Trauma: Shooting the Pulitzer & 15minutes press release]
2 a'strict Unveils Monumental Public Art Project at Times Square

Rendered images of Whale #2 (top) and Waterfall-NYC (bottom), 2021
Courtesy of the artist and Kukje Gallery 
© 2021. a'strict. All rights reserved.

Artist: a'strict (에이스트릭트)
Exhibition Dates: July 16, 2021 – August 2, 2021
Venue: Times Square, New York, USA

The Korean media artist unit a'strict will showcase two site-specific art installations in New York City’s Times Square from July 16 through August 2, 2021. The first work, titled Whale #2 (2021), will be screened daily once every hour and half-hour on the dot from 12PM to 12AM EDT for one minute from July 16 through July 27, 2021. The second work, titled Waterfall-NYC (2021), will be screened once every hour on the dot for one minute from July 27 through August 2, 2021.

Illuminating the pedestrian plaza at the center of the iconic Times Square, Whale #2 occupies a 1,400㎡-large screen that transforms the electronic display board into a hyperrealistic, undulating ocean environment occupied by a massive blue whale. Waterfall-NYC is installed on the exterior of One Times Square, using four vertical screens for a total height of 102.5 meters. The commanding cascade of water creates a compelling and overpowering presence amidst the city’s iconic red brick buildings and steel-framed architecture. These two monumental pieces of public art signal a'strict’s debut in the United States, highlighting the power of public art to transcend national borders in the age of a worldwide pandemic. In the thick of a hot New York summer, these digital depictions of water are sure to capture the attention of and serve as a moment of repose for pedestrians who flock to this famous tourist destination, effectively serving as a global statement both in and outside of the art world for a'strict.

With a heightened commitment to the social functions of art since their solo exhibition at Kukje Gallery in 2020, a'strict’s upcoming project at Times Square frames its objective to create spaces for rest and relaxation to a wide global audience. Powerfully evoking the subject of nature in an otherwise urban environment filled with towering skyscrapers, a'strict explores the boundless possibilities of technology within the field of contemporary art to fundamentally reframe the world-famous landmark; at the crux of art, culture, and commerce, the project utilizes innovative digital technology to generate a landscape that blends art into life through unprecedented scale and perceptual effects.

에이스트릭트, 뉴욕 타임스스퀘어(Times Square)에서 대규모 퍼블릭 아트 공개

한국의 미디어 아티스트 유닛 에이스트릭트(a'strict)가 2021년 7월 16일부터 8월 2일까지 미국 뉴욕 타임스스퀘어(Times Square)에서 두 점의 공공미술 작업 <Whale #2>(2021), <Waterfall-NYC>(2021)를 순차적으로 선보인다. (<Whale #2>는 2021년 7월 16일(금) – 2021년 7월 26일(월), 낮 12시부터 밤 12시까지 매 정시와 30분에 1분간 상영(EDT), <Waterfall-NYC>는 2021년 7월 27일(화) – 2021년 8월 2일(월), 매 정시에 1분간 상영(EDT) 예정이다). 

<Whale #2>는 타임스스퀘어 중심에 위치한 광장(Pedestrian Plaza)을 밝히는 약 1400㎡ 크기의 전광판 전체를 파도의 움직임에 따라 역동적으로 춤추는 고래의 형상을 통해 입체적 공간으로 탈바꿈하여 초현실적 장면을 연출한다. <Waterfall-NYC>는 원타임스스퀘어(One Times Square)의 외부 벽면에 총 4개의 스크린으로 구성된 높이 102.5m의 전광판을 이용한 작업으로, 뉴욕에서 흔히 볼 수 있는 적벽돌 건물 및 철골 구조물 위로 시원한 물줄기를 쏟아내는 거대한 폭포가 강렬하면서도 압도적인 분위기를 자아낸다. 에이스트릭트가 미국에서 선보이는 첫 번째 작업인 이번 작품들은 여름의 절정이라는 계절적 배경과 함께 팬데믹 시대를 관통하는 현 시점에 국경을 초월하는 공공미술의 역할과 한국 미디어 아티스트의 존재를 다시금 증명하며, 대중들에게 위안을 선사함은 물론 전 세계 미술계 안팎에서도 크게 주목받을 것으로 예상된다. 

지난 2020년 국제갤러리에서의 개인전 이후 미술의 사회적 역할에 더욱 주목해온 에이스트릭트는 글로벌 관객층에게 감각적, 심리적 여유와 쉼을 제공하고자 하는 일종의 사회 공헌의 취지로 이번 뉴욕 타임스스퀘어 공공미술 프로젝트를 준비했다. 각종 마천루와 광고판이 즐비한 예술, 문화, 상업의 중심지에서 공개되는 두 작품은 현대 도시와 대조되는 자연이라는 소재를 첨단의 디지털 기술을 이용해 현실 공간으로 불러와 일상 속 예술이 직조할 수 있는 가장 생경한 풍경을 만들어낸다. 

[Source from Kukje Gallery press release]
3 Works by Alexander Calder on View at the High Museum of Art, Atlanta, Georgia

Alexander Calder, Untitled, 1956, sheet metal, wire, and paint, Calder Foundation, New York. © 2021 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York. Photo courtesy of Calder Foundation, New York/Art Resource, New York.

Artist: Alexander Calder (알렉산더 칼더)
Exhibition Dates: June 26 – Sept 19, 2021 
Exhibition Venue: High Museum of Art, Atlanta, Georgia
Website: https://high.org/exhibition/calder-picasso/

Works by Alexander Calder, one of the foremost figures of 20th-century art, are on view at the two-person exhibition titled Calder-Picasso at the High Museum of Art in Atlanta, Georgia, from June 26 through September 19, 2021. This touring exhibition, which debuted in 2019 at the Musée Picasso-Paris, presents more than one hundred paintings, sculptures, and works on paper spanning Calder’s and Picasso’s careers that reveal the radical innovation and enduring influence of their art. Conceived by the artists’ grandsons, Alexander S. C. Rower and Bernard Ruiz-Picasso, and organized by the Museum of Fine Arts, Houston, the exhibition focuses on the artists’ ceaseless reexamination of form, line, and space.

Exploring the visual and thematic interplay between these two masters of modern art, the exhibition highlights both the already apparent and heretofore unremarked connections. Calder and Picasso first met in Paris at the former’s exhibition opening in 1931; the two artists were aware of each other’s work, but didn’t directly comment on the other’s art on record. Calder-Picasso establishes a channel for "non-verbal communication" between two artists who were not in direct contact during their lifetimes. While their works belong to completely different categories of modern art, select works in the exhibition display striking formal similarities. One of Calder’s Constellations sculptures is shown next to Picasso’s Woman in an Armchair (1947), both for which the artists deployed colored polygons in a matrix of heavy black lines. 

The exhibition also includes other iconic wire figures, paintings, drawings, revolutionary nonobjective mobiles, stabiles, and standing mobiles by Calder including La Grande Vitesse (1969), Aztec Josephine Baker (1930), and Vertical Foliage (1941) in juxtaposition with those of Picasso, framing how each artist pushed the boundaries of modernism.

알렉산더 칼더, 미국 애틀랜타 하이 미술관 2인전 《Calder-Picasso》 참가

20세기 미술의 거장 알렉산더 칼더는 2021년 6월 26일부터 9월 19일까지 미국 애틀랜타 하이 미술관에서 열리는 2인전 《Calder-Picasso》에 참가한다. 지난 2019년 파리 국립 피카소 미술관에서의 전시를 시작으로 순회 중인 본 전시는 근대미술사에 한 획을 그은 칼더와 파블로 피카소의 혁신, 그리고 현재까지 다양한 방식으로 지속적인 영향을 미치는 이들의 작업세계를 조명하는 100점 이상의 회화, 조각, 종이작업 등을 소개한다. 두 작가의 손자인 알렉산더 S. C. 로어(Alexander S. C. Rower)와 베르나르드 루이즈-피카소(Bernard Ruiz-Picasso)가 기획하고 휴스턴 미술관이 주최한 이번 전시는 특히 두 거장의 작업에 나타나는 형태, 선, 그리고 공간에 대한 끊임없는 탐구와 고찰에 주목한다.

근대미술 거장들의 시각적, 주제적 상호 작용을 살펴보는 이번 전시는 이미 알려져 있으나 깊이 다뤄진 적 없는 두 작가의 연관성을 조명한다. 칼더와 피카소는 1931년 칼더의 파리 전시 오프닝 자리에서 처음 만났다. 서로의 작업에 대해 익히 알고는 있었지만 이후 공식적인 협업이나 대화가 전무했다는 사실에 착안, 이번 전시는 두 거장이 생전에 나누지 못한 예술적인 소통의 ‘비언어적 버전’으로 기획되었다. 이들의 작업은 근대미술 안에서 전혀 다른 카테고리로 분류되지만, 둘 사이의 명백한, 형식적인 공통점을 목격할 수 있다. 예컨대 칼더의 조각 시리즈 <Constellations>와 병치된 피카소의 <Woman in an Armchair>(1947), 이 두 작품에 공히 그물처럼 빽빽하게 그어진 굵은 검정색 선들 사이 형형색색의 다각형들이 놓여 있음을 알 수 있다. 

이번 2인전은 <La Grande Vitesse>(1969), <Aztec Josephine Baker>(1930), <Vertical Foliage>(1941)를 비롯한 칼더의 대표적인 와이어 인물 조각, 회화, 드로잉, 그리고 당시 혁신으로 평가받은 추상주의 모빌, 독립형 모빌, 그리고 스태빌 등을 대거 만나볼 수 있는 자리다. 칼더의 다양한 작품들과 피카소의 대표 작품들을 함께 다룸으로써, 작가들이 각기 자신의 미술사적 위치에서 어떤 방식으로 모더니즘의 한계를 증폭시켰는지 엿볼 수 있는 흔치 않은 기회를 제공한다. 

[Source from the High Museum of Art website]
4 Ugo Rondinone Reveals Outdoor Installation Project your age and my age and the age of the rainbow at the Belvedere in Vienna, Austria

Installation view of Ugo Rondinone. your age and my age and the age of the rainbow
Courtesy of Johannes Stoll, Belvedere, Vienna and studio rondinone

Artists: Ugo Rondinone(우고 론디노네)
Exhibition Date: June 13 – November 1, 2021
Exhibition Venue: The Belvedere, Vienna, Austria
Website: https://www.belvedere.at/en/ugo-rondinone-your-age-and-my-age-and-age-rainbow

The internationally acclaimed Swiss contemporary artist Ugo Rondinone’s outdoor installation project, your age and my age and the age of the rainbow (2021), was presented to the public in the baroque garden of the Belvedere in Vienna, on June 13, 2021. The artist, widely recognized for his poetic artistic vocabulary based on the introspection of the inner self, frequently utilizes elements of nature, including the sun, the moon, rainbows, stones, and trees. For this project, Rondinone collaborated with students across Austria to create a monumental rainbow installation, exploring the broader meanings and infinite potentials of the rainbow via perspectives of children. The rainbow, a central motif in Rondinone’s art, not only represents a natural phenomenon, but also symbolizes tolerance, peace, equality, and the connection between heaven and earth.

The project, which involved an extensive collaboration with 1,600 students from 12 elementary schools located across different cities in Austria, namely Vienna, Graz, Bregenz, and Salzburg, was carried out by distributing invitations to participants rather than holding an in-person workshop, which was the original plan that was cancelled due to Covid-19. Children were asked to freely draw their own interpretations of rainbows based on the information they received on the artist, exhibition venue, and rainbows in the invitation. As a result, a collection of 1,085 drawings has assembled into the world’s largest rainbow painting with a width of 70m at the Belvedere Palace Garden. The outdoor painting installation, which accentuates and enlivens the beautiful scenery of the garden, will remain on view through November 11, 2021. Also this coming November, Rondinone will hold his first major solo exhibition in Austria titled nude in the landscape at the Belvedere 21, the contemporary branch of the Belvedere. 

우고 론디노네, 오스트리아 벨베데레 궁전 미술관에서 야외 설치 프로젝트 <your age and my age and the age of the rainbow> 공개

스위스 출신의 세계적인 현대미술가 우고 론디노네의 야외 설치 프로젝트 <your age and my age and the age of the rainbow>(2021)가 벨베데레 궁전 미술관 내 바로크 정원에서 6월 13일 공개되었다. 태양, 달, 무지개, 돌, 나무 등의 자연을 소재로 하여 내면을 은유하는 시적인 작품 세계를 전개해온 우고 론디노네는 이번 프로젝트에서 오스트리아 전역의 학생들과 협력하여 완성한 대규모 무지개 설치 작품을 선보인다. 작가에게 무지개는 자연 현상을 넘어 포용과 화합, 평등, 천상과 지상의 연결 등을 상징하는 주요한 소재로, 작가는 이번 프로젝트에서 아이들의 눈으로 매개된 무지개를 통해 그 확장된 의미와 무한한 가능성을 탐구한다. 

비엔나, 그라츠, 브레겐츠, 잘츠부르크 등 오스트리아 전역에 위치한 12개의 초등학교에서 1,600명의 학생들이 참여한 이번 프로젝트는 코로나 19로 인해 당초 계획했던 워크샵 대신 각 학교에 초청장을 보내는 방식으로 진행됐다. 아이들은 초청장에 적힌 작가, 전시 공간, 무지개에 대한 다양한 정보들을 바탕으로 하여, 각자의 방식으로 탐구한 무지개를 자유롭게 표현했다. 아이들이 보낸 1,085개의 그림들은 벨베데레 궁전 미술관과 벨베데레 현대미술관 사이에 위치한 정원에서 길이 70m의 세계에서 가장 큰 무지개 작품으로 확장되었다. 벨베데레 궁전의 아름다운 경관에 생동감과 상상력을 더하는 이번 작품은 11월 1일까지 전시된다. 한편 우고 론디노네는 오는 11월, 벨레데레 현대미술관에서 오스트리아 첫 대규모 개인전 《nude in the landscape》을 선보일 예정이다. 

[Source from Belvedere 21 press release and website]
5 Elmgreen & Dragset Reveal Permanent Installation Life Rings (2021) at the Royal Djurgården, Stockholm, Sweden

Elmgreen & Dragset, Life Rings, 2021
Courtesy of the Princess Estelle Cultural Foundation
Photo: Ruth Anna Eriksson

Artists: Elmgreen & Dragset (엘름그린 & 드라그셋)
Exhibition Date: June 8, 2021
Exhibition Venue: Royal Djurgården, Stockholm, Sweden
Website: https://www.preks.se/en/2021-life-rings-eng/

The internationally acclaimed artist duo Elmgreen & Dragset recently unveiled Life Rings (2021), a permanent installation created with multiple lifebuoys, at the Royal Djurgärden in Stockholm, Sweden. Elmgreen & Dragset’s first public sculpture in Sweden and the Royal Djurgärden’s second permanent work in their sculpture park, Life Rings questions human relationships and existing social structures utilizing subversive wit and underlying criticality which are signature to the artist duo. The Princess Estelle Cultural Foundation, founded in 2019 in order to support arts and culture events in Sweden, has taken on transforming the Royal Djurgärden into a sculpture park as part of its inaugural project. Elmgreen & Dragset has been selected as this year’s artist with the task of reinterpreting everyday objects in an unexpected environment, generating new perspectives. 

Life Rings is a large-scale installation with a height of 8 meters constructed with a cluster of lifebuoys, normally used for rescue in crisis situations. The lifebuoys—interconnected in a circuit that extends upwards into the air, no longer able to serve their original purpose—work as a symbol for indirect criticism against individualism in modern society, and a call for the need of cooperation and solidarity between individuals. As the surrounding environment is also often critical to delivering Elmgreen & Dragset’s message, Life Ring’s proximity to water encourages contemplation on the boundaries between public and private spaces, while simultaneously inviting viewers to reflect on humanity and the fragility of life. 

엘름그린 & 드라그셋, 스웬덴 스톡홀름 로열 유르고덴 공원(Royal Djurgården)에 영구 설치 작품 <Life Rings> 공개

세계적인 작가 듀오 엘름그린 & 드라그셋이 스웨덴 스톡홀름에 위치한 로열 유르고덴(Royal Djurgärden) 공원에 다수의 구명부표로 이루어진 <Life Rings>(2021)를 영구 설치했다. 이번 작품은 이들이 스웨덴에서 처음 소개하는 공공미술작품이자 로열 유르고덴 공원에서 선보이는 두 번째 작업으로, 엘름그린 & 드라그셋 특유의 위트 있는 비판정신으로 현대인들의 인간관계와 사회적 구조에 대해 역설한다. 스웨덴의 문화 활동을 지원하기 위해 2019년 설립되어 첫 프로젝트로 로열 유르고르덴 공원을 조각 공원으로 조성하고 있는 프린세스 에스텔 문화재단(Princess Estelle Cultural Foundation)에 의해 올해의 아티스트로 선정된 엘름그린 & 드라그셋은 또 한 번 일상적 오브제를 새로운 환경에 비치하는 방식으로 같은 것을 바라보는 색다른 관점을 제시한다. 

<Life Rings>는 본래 위급상황에서 사람을 구출하는 용도인 구명부표로 구성된 8m 높이의 대형 설치 조각이다. 안전을 상징하는 구명부표를 체인 형식으로 연결해가며 허공을 향해 쌓아 올린 본 작품에서는 구명부표가 본래의 기능을 상실하게 된다. 엘름그린 & 드라그셋은 이런 모순적인 구조를 통해 개인주의가 만연한 현대사회를 우회적으로 비판하는 동시에 그 안에서 살아가는 구성원들 개개인간에 필요한 협업과 단결의 가치를 강조한다. 이들의 작업에서 작품이 설치되는 환경 역시 작품의 중요한 요소로 작용하는 만큼, 이번에도 <Life Rings>를 강변에 설치함으로써 공공장소와 사적 공간 사이의 경계 등에 대한 고찰을 자연스럽게 유도하고 인류와 삶의 섬세함과 연약함을 조명한다. 

[Source from Princess Estelle Cultural Foundation website]
6 Kyungah Ham Participates in Group Exhibitions at the Kunstmuseum Bern, Switzerland, and KAI 10 | ARTHENA FOUNDATION, Germany

Installation view of Active Threads, KAI 10 | ARTHENA FOUNDATION, Düsseldorf, Germany. Photo: Achim Kukulies

Artists: Kyungah Ham (함경아)
Exhibition Dates and Venues: 
April 30 – Sep 5, 2021 [Kunstmuseum Bern, Switzerland]
May 8 – Sep 5, 2021 [KAI 10 | ARTHENA FOUNDATION, Düsseldorf, Germany]     
Website: www.kunstmuseumbern.ch/en/see/today/1003-border-crossings-n-120.html

The contemporary artist Kyungah Ham is participating in a group exhibition titled Border Crossings – North and South Korean Art from the Sigg Collection at the Kunstmuseum Bern, Switzerland, through September 5, 2021. Featuring works from the collection of the prominent Swiss collector Uli Sigg, who served as the Swiss ambassador to China and North Korea in the 1990s, the exhibition presents 75 works including those by Kyungah Ham, Sea Hyun Lee, Feng Mengbo, and Guang Tingbo. Weaving together works from either sides of the Korean peninsula, the exhibition examines the irreconcilability of the two political systems that have diverged from one another since the division. Among the works presented are Kyungah Ham’s What you see is the unseen / Chandeliers for Five Cities 01 (2012-13) and Sweet-Sweet & Bling-Bling (2009-10)—two embroidery paintings created in collaboration with North Korean hand embroiderers.

Concurrently, Kyungah Ham is also taking part in Active Threads, a group exhibition at KAI 10 | ARTHENA FOUNDATION, Düsseldorf, Germany, through September 5, 2021. Exploring how textiles still function as effective means of communication even now in our digital era, the exhibition introduces the works of eight artists who examine the social and political relevance of textiles across different cultures. On view at the exhibition are Kyungah Ham’s Big and pretty eye drops vitamin A, detail From SMS Series 04 (2017-2018) from her SMS series, and What you see is the unseen / Chandeliers for Five Cities BK 03-05 (2016-17) from her Chandelier series, both of which showcase the artist’s unique working process; Ham sends images of embroidery designs with hidden messages to artisans in North Korea, who then embroider the piece stitch by stitch in accordance with her instructions. Through these paintings, Ham offers insight into her unique artistic vocabulary which integrates the working process as a part of the finished work.

함경아, 베른 시립미술관 그룹전 《Border Crossings-North and South Korean Art from the Sigg Collection》과 뒤셀도르프 아르테나 재단 그룹전 《Active Threads》 참가

현대미술가 함경아가 스위스 베른 시립미술관에서 열리는 그룹전 《국경을 넘어: 울리 지그 남북한 작품 소장전(Border Crossings-North and South Korean Art from the Sigg Collection)》(2021년 9월 5일까지)에 참여한다. 스위스의 유명 컬렉터이자 90년대 중국, 북한 주재 스위스 대사를 역임한 울리 지그의 소장품으로 구성되는 이번 전시는 함경아, 이세현, 펑멍보(Feng Mengbo), 광팅보(Guang Tingbo) 등의 작품 75점을 소개한다. 남북의 작품들을 통해 분단 이후 계속해서 한반도를 지배해온 두 체제의 비화합성을 고찰하는 이번 소장전에서는 북한 자수 노동자들과의 협업으로 제작한 함경아의 작품 <What you see is the unseen / Chandeliers for Five Cities 01>(2012-13), <Sweet-Sweet & Bling-Bling>(2009-10)을 만날 수 있다.

한편 함경아는 연이어 뒤셀도르프 아르테나 재단에서 열리는 그룹전 《Active Threads》(2021년 9월 5일까지)에서 작품을 선보인다. 오늘날에도 유효한 커뮤니케이션 수단으로 기능하는 직물의 의미를 고찰하는 전시로, 다양한 문화권에서 직물에 내재된 정치, 사회적 의미를 탐구해온 작가 8인의 작품을 소개한다. 메시지가 숨겨진 도안을 북한으로 보내, 북한 자수 공예가들이 한 땀 한 땀 새긴 결과물을 돌려받는 방식의 작업을 전개해온 함경아는 <SMS 디테일> 연작인 <Big and pretty eye drops vitamin A, detail From SMS Series 04>(2017-2018)와 샹들리에 연작 <What you see is the unseen / Chandeliers for Five Cities BK 03-05>(2016-17)를 통해 작품에 담긴 일련의 과정 자체가 작품이 되는 독창적인 예술 세계를 펼쳐 보인다.

[Source from Kunstmuseum Bern, KAI 10 | ARTHENA FOUNDATION website]
7 Dansaekhwa Works by Kwon Young-Woo, Park Seo-Bo, and Ha Chong-Hyun Join the Centre Pompidou Permanent Collection

Kwon Young-Woo, Untitled, 1984, gouache, Chinese ink on Korean paper, 259 x 162 cm. Courtesy of the artist’s estate and Kukje Gallery

Artist: 박서보 (Park Seo-Bo), 권영우 (Kwon Young-Woo), 하종현 (Ha Chong-Hyun)
Website: https://www.centrepompidou.fr/en/collections/visual-arts

The Centre Pompidou in Paris recently announced that it will add works by three of Korea’s most celebrated modern artists, Park Seo-Bo, Kwon Young-Woo, and Ha Chong-Hyun, to its permanent collection. The Centre Pompidou, widely recognized as one of the three largest museums in France along with the Louvre and the Musée d'Orsay, houses one of the world’s most celebrated modern and contemporary art collection of approximately 120,000 works, encompassing visual art, photography, new media, film, and design. Considered the largest in Europe, the museum’s collection comes second only to that owned by the Museum of Modern Art (MoMA) in New York. 
The four works that will become part of the Centre Pompidou’s permanent collection include: two colored hanji works by Kwon Young-Woo; one work from Park Seo-Bo’s color Ecriture series; and one work from Ha Chong-Hyun’s signature Conjunction series. All three artists celebrated as masters of Dansaekhwa—the seminal art movement that emerged in postwar Korea and showcased a unique form of Korean modernism—the addition of these works to the Centre Pompidou’s permanent collection not only reinforces the representation of Korean art within the global art scene, but also provides an important point of departure for extensive art-historical discourse surrounding the movement. 

Kwon Young-Woo's two signature colored hanji works from the 1980s, Untitled (1984) and Untitled (1986), feature surfaces repeatedly punctured with numerous holes, that are then saturated with ink that fills in the spaces in distinctive patterns. Painted with both Western (gouache) and Eastern (Chinese ink) mediums, these works showcase the artistry with which Kwon allowed color to permeate into the paper’s torn edges. These paintings provide a backdrop for the unpredictable encounter between the paper and ink, thereby effectively highlighting the materiality of hanji. Distinguished by its simple yet dynamic aesthetic, Park Seo-Bo's Ecriture (描法) No. 120103 (2012) belongs to the artist's late Ecriture series which reflects a uniquely Korean spirituality. The series, often also referred to as “color Ecriture” due to its vibrant palette, gives insight to Park’s technical approach and philosophy of becoming unified with nature, thus emptying the mind and achieving a higher level of awareness. Ha Chong-Hyun’s Conjunction 85-022 (1985) demonstrates Ha’s exploration of his internationally celebrated technique of bae-ap-bup, a singular method of pushing paint from the back to the front of the burlap canvas. Thick layers of paint that seep through the front are liberally transformed by the artist using a wide range of tools such as knives, brushes, and wooden spatulas, which Ha appropriately modifies in order to create patterns that accentuate the pictorial plane; achieved through this process is the “conjunction” between material and performance.
Dansaekhwa has become synonymous with a generation of artists who experienced first-hand the social and political upheaval in 1970s Korea, and who fought for a more liberal approach to visual art practice. Specifically, these artists expanded studio practice to incorporate the language of performance on various two-dimensional surfaces, adopting innovative and often unorthodox technical methods as well as a meditative philosophical perspective.

Since its establishment, Kukje Gallery has supported important Dansaekhwa artists including Kwon Young-Woo, Park Seo-Bo, Ha Chong-Hyun, and Lee Ufan. As a part of the “Collateral Events” at the Venice Biennale in 2015, the gallery mounted an unprecedented exhibition of Dansaekhwa artists, celebrating these important figures and providing essential context to recognize their historical contributions. The following year, the gallery launched another special exhibition in collaboration with the Boghossian Foundation in Brussels, titled When Process Becomes Form: Dansaekhwa and Korean Abstraction. In 2018, Shanghai’s Powerlong Museum opened Korean Abstract Art: Kim Whanki and Dansaekhwa, the first-ever comprehensive exhibition of Korean abstract art to be held in China, which established a platform for continued dialogue on the aesthetic impact and ongoing importance of Dansaekhwa internationally.

파리 퐁피두 센터, 권영우, 박서보, 하종현 작가 단색화 작품 영구 소장 

파리 퐁피두 센터(Centre Pompidou)가 한국 화단을 대표하는 세 작가 권영우, 박서보, 하종현의 작품을 영구 소장한다고 밝혔다. 루브르 박물관, 오르세 미술관과 함께 프랑스 3대 미술관으로 손꼽히는 퐁피두 센터의 근현대미술 컬렉션은 시각 예술, 사진, 뉴미디어, 영화, 디자인 등 다양한 장르를 아울러 12만여 점에 이르며, 이는 유럽 내 최대이자 뉴욕 현대미술관에 이은 세계 두 번째 규모다. 
퐁피두 센터는 권영우의 채색 한지 회화 2점, 박서보의 색채묘법 1점, 하종현의 접합 1점 등 총 4점을 소장한다. 세 작가는 한국 현대미술의 대표적인 흐름이자 성과로 평가받는 단색화(Dansaekhwa)를 대표하는 거장들이다. 퐁피두 센터의 단색화 작품 소장은 국제무대에서 한국미술의 위상을 보여줌과 동시에 해외 미술사적 맥락 속에서 단색화의 학문적 가치에 대한 심도 있는 고찰이 더욱 활발해질 것이라는 기대를 낳고 있다. 

권영우(1926-2013)의 채색 한지 회화 2점 <Untitled>(1984)와 <Untitled>(1986)는 화면 전체를 일정하게 반복적인 패턴으로 채워가듯 구멍을 뚫고 선을 만들어 염료를 흘린 1980년대 대표작이다. 서양의 과슈와 동양의 먹으로 채색된 본 작품에는 종이의 찢긴 부분으로 물감이 자연스럽게 스며들어 있다. 이처럼 한지에 물감이 스며드는 우연적 현상을 활용한 작업 방식은 한지의 재료적 물질성을 극대화시켜 보여준다. 간결함과 단아함이 돋보이는 박서보(b.1931)의 <Ecriture No. 120103>(2012)은 한국의 고유한 정신성을 바탕으로 한 ‘후기묘법’ 연작이다. 풍부한 색감의 대비 혹은 조화가 강조되어 ‘색채묘법’이라고도 일컬어지는 ‘후기묘법’은 자연과의 합일을 통해 마음을 비워내고 수신을 일깨우는 행위를 지향한다. 하종현(b.1935)의 접합 연작 <Conjunction 85-022>(1985)는 작가의 독창적인 작업 방식인 배압법(背押法)을 보여준다. 올이 굵은 마포 뒷면에 두터운 물감을 바르면서 앞면으로 배어 나온 걸쭉한 물감 알갱이들은 나이프나 붓, 나무 주걱과 같은 도구를 사용한 작가의 개입으로 다시 자유롭게 변주되고, 마침내 물질과 행위의 흔적이 결합된 결과물로 완성된다.
단색화는 1970년대 한국의 정치적, 사회적 현실을 경험한 세대의 작가들이 각기 다른 고유한 평면에 당시로서는 파격적인 전통적 그리기의 접근을 시도하며 혁신적인 미학 담론을 발전시켜왔다. 작가의 고유한 행위성과 촉각성 그리고 정신성이 고스란히 담겨있는 단색화 작품들은 일종의 ‘수행(performance)’과도 같은 제작 방식에 바탕한다.

국제갤러리는 그간 권영우, 박서보, 하종현, 이우환 등 단색화 작가들을 세계 미술계에 적극적으로 소개해왔다. 2015년 베니스 비엔날레에서는 공식 병행전시인 《단색화》 특별전을 통해 유수의 작가들을 소개하고 그들의 미술사적 기여도를 기념하는 자리를 가진 바 있으며, 2016년에는 벨기에 브뤼셀의 보고시안 재단과 협력하여 《과정이 형태가 될 때: 단색화와 한국 추상미술》 특별전을 개최했다. 이 기념비적인 전시들은 곧 단색화 열풍을 이끌며 한국 미술사에 활력을 불어넣었다. 2018년에는 상하이 소재의 파워롱미술관에서 한국 추상미술을 대규모로 소개하는 중국 내 최초의 전시 《한국의 추상미술: 김환기와 단색화》를 개최해 국제적으로 단색화의 미학과 가치에 대한 담론을 형성했다.

[Source from the Kukje Gallery press release]
8 The Art Gallery of New South Wales Acquires Thirteen Works by Koo Bohnchang, Including the Moon Jar Series Moon Rising III 

Courtesy of the Korean Cultural Centre AU. Photo: Document Photography

Artist: Koo Bohnchang (구본창)
Acquisition: Moon Rising III (2005-2006), AAM 01 (2011)
Institution: Art Gallery of New South Wales, Sydney, Australia 
Website: https://www.artgallery.nsw.gov.au/

The Art Gallery of New South Wales, Sydney, Australia, recently added to its permanent collection a total of thirteen works including Moon Rising III (2005-2006) and AAM 01 (2011) by Koo Bohnchang, one of the most celebrated Korean photographers alive. Established in 1871, the institution is one of Australia’s most renowned art museums, and focuses on collecting, conserving, and showcasing Australian, Aboriginal, European, and Asian art. Slated for completion by the end of 2022, the museum is currently undergoing a major expansion to celebrate its 150th anniversary. 
The first introduction of Koo’s work to the Australian audiences date back to 1993, when the photographer participated in the 1st edition of The Asia Pacific Triennial of Contemporary Art held in Brisbane. Koo exhibited three works from the In the Beginning (1991) series, all of which were later acquired by the Queensland Art Gallery & Gallery of Modern Art in Brisbane, establishing Koo as a photographer of international recognition. In his recent exhibition, Light Shadow, held at the Korean Cultural Centre AU last August, Koo presented a series of photographs that not only visually portrayed but captured the delicate energy of white porcelains, which garnered critical acclaim amongst the local audience. Meanwhile, Koo is currently showcasing his white porcelain video work Vessel (2014) at the group exhibition The Way We Eat, which runs through February 3, 2022, at the Art Gallery of New South Wales. 

Throughout his career, Koo has traveled widely in search of porcelains from the Joseon dynasty scattered across institutions all over the world, photographing and reinterpreting the inherent traces of time and pure beauty of these vessels in a contemporary context. The museum’s recent acquisition, Moon Rising III (2005-2006), is a series of twelve photographs presenting the moon jar in the form of the moon waxing and waning across twelve phases. The series, which depicts the moon jar as an object containing the infinite traces of the history of humanity in a sentiment similar to that of the surface of the moon, portrays the imperfect beauty of the vessel and the passing of time. AAM 01 (2011), a large-scale color image of a white porcelain from the Joseon dynasty housed in the Asian Art Museum in San Francisco, delivers the warmth of the pure white vessel and the transcendent beauty of its asymmetrical form. 

John McDonald, one of Australia’s most widely read art critics who writes weekly art columns for newspapers including the Sydney Morning Herald, previously wrote about Koo’s unique artistic vocabulary in his exhibition preface for Light Shadow: “Inspired by a newly-kindled fascination for Joseon ceramics, and a feeling of sadness that they have been scattered across the world, far from the land in which their clay was gathered, Koo set off on a quest to photograph these artefacts in foreign museums and private collections... The moon jars are not immaculate creations – they’re slightly wonky, with many tiny imperfections and signs of wear, but they convey an extraordinary sense of purity. Looking at such a jar one begins to understand the most fundamental idea of oriental aesthetics: ‘that emptiness which is also a fullness.’”

Meanwhile, Koo’s works will be on view at the Art Gallery of New South Wales’ newly expanded space, which is due to open to the public next year. The works are anticipated to share the beauty of Korean porcelains with visitors from all over the globe. 

구본창의 달항아리 연작 <Moon Rising III> 포함 13점, 시드니 뉴사우스웨일스 미술관에 소장

한국을 대표하는 사진작가 구본창의 작품 <Moon Rising III>(2005-2006)와 <AAM 01>(2011) 등 총 13점이 호주 시드니에 위치한 뉴사우스웨일스 미술관에 영구 소장된다. 1871년 설립된 뉴사우스웨일스 미술관은 호주의 대표 미술관 중 하나로 호주 원주민인 어보리진 작품과 유럽, 아시아에 걸친 다양한 작품들을 수집 및 보존해 전시하고 있으며, 현재는 올해 창립 150주년을 맞아 대대적인 확장 공사를 진행 중이다. 
구본창에 대한 호주의 관심은 1993년 브리즈번에서 열린 제1회 아시아 태평양 트리엔날레로부터 시작된다. 이때 초대받은 <In the Beginning>(1991) 연작 3점이 브리즈번 현대미술관에 소장되어 국제적인 작가로 존재감을 알리기 시작했다. 이후 작년 8월 주시드니한국문화원에서 개최된 개인전 《Light Shadow》를 통해서는 백자의 시각적 재현을 넘어 섬세한 아우라를 포착한 사진 작품을 선보이며 호주 현지인들의 큰 주목을 받았다. 오는 2022년 2월 3일까지 뉴사우스웨일스 미술관에서 진행 중인 《The Way We Eat》에서는 백자 비디오 작품 <Vessel>(2014)을 전시 중이다. 

전 세계의 박물관에 흩어져 있는 조선의 도자를 카메라에 담아온 구본창은 도자가 지닌 세월의 흔적과 순수한 아름다움을 깊이 있고도 현대적인 감각으로 재해석하는 작업을 지속적으로 전개해왔다. 특히 뉴사우스웨일스 미술관이 이번에 대거 소장한 <Moon Rising III>(2005-2006) 연작은 달항아리를 통해 달이 차고 이지러지는 형상을 12단계로 표현한 작품이다. 마치 달의 표면처럼 인류와 역사의 무한한 흔적을 담고 있는 달항아리를 포착한 이 작품은 백자의 불완전함과 시간의 흐름을 표현한다. 함께 소장된 <AAM 01>(2011)은 샌프란시스코 아시아 미술관에 소장된 조선 백자를 사진으로 담아낸 작품으로, 순백자가 가진 온기와 비정형성 그리고 초월적인 아름다움을 담고 있다.

호주의 저명한 미술 평론가이자 시드니 모닝헤럴드지 등에 아트 칼럼을 연재 중인 존 맥도날드(John McDonald)는 주시드니한국문화원의 《Light Shadow》 전시 서문에서 그의 독창적인 예술세계를 소개한 바 있다. ‘조선백자를 찾아 사진을 찍으려는 그의 탐구는 그를 세계 도처로 이끌었으며, 이는 한국의 보물들이 지난 세기 동안 얼마나 광범위하게 흩어져왔는지를 보여준다. 이 작품들을, 특히 독특한 “달항아리”를 바라보는 모든 사람들이 그렇듯이, 구본창은 그것들의 위품과 소박함에 감동받았다. 모든 작은 요소들이 백자를 둘러싼 아우라를 형성한다. 우리는 미세한 얼룩과 결함 같은 불완전함에 주목하게 된다.’ 
한편 이번에 소장된 구본창의 작품들은 모두 내년에 완공되는 뉴사우스웨일스 미술관의 새로운 공간에 전시되어 전세계의 관람객들에게 한국 도자 고유의 숨결을 전할 예정이다.

[Source from Sydney Morning Herald Article and the artist]
9 Kukje Gallery Announces the Representation of Korakrit Arunanondchai

Korakrit Arunanondchai, Songs for Dying, 2021, single-channel video, color, sound, painting, 30:18 min
Co-commissioned by the 13th Gwangju Biennale, Kunsthall Trondheim, and the Han Nefkens Foundation
Installation view of the 13th Gwangju Biennale Minds Rising, Spirits Tuning, Horanggasy Artpolygon, Gwangju, South Korea, 2021

Kukje Gallery is pleased to announce the representation of Korakrit Arunanondchai. A painter, filmmaker, and most importantly storyteller, Arunanondchai weaves together enchanting webs of personal narratives and historical constructs. His kaleidoscopic practice works to attest to Arunanondchai’s faith in the power of storytelling, providing the artist’s unique language to a variety of subjects that mostly stem from his associations with his family, friends, and the local settings of production. 

Born in Bangkok and working between Bangkok and New York, the artist currently works in his homeland. His work being closely knitted with his personal accounts, cultural transplantation and hybridity serve as significant foundations of his grammar. His distinct interest in ghosts and spirituality, founded upon his Buddhist beliefs, are superimposed with individual expositions of the artist’s versatile experience of this world. 

Currently on view at the 13th Gwangju Biennale is Arunanondchai’s most recent film Songs for Dying (2021). Installed at the Horanggasy Artpolygon in Yangnim, a significant site of the West’s missionary work in Korea since the early 20th century, the new video draws on past and present histories of two countries—Korea’s Jeju Uprising of 1948 and Thailand’s democratization movement, looking into rituals of collective grief and their operations of healing and memorialization. 

About the Artist
Born in Bangkok, Thailand, in 1986, Korakrit Arunanondchai moved to the United States in 2005 to study art. He received his B.A. from Rhode Island School of Design (RISD) in 2009, and M.A. from Columbia University in 2012. Arunanondchai has held numerous solo exhibitions in major institutions around the world, including the Serralves Museum of Contemporary Art, Porto (2020), Secession, Vienna (2019), S.M.A.K., Ghent (2016), Ullens Center for Contemporary Art, Beijing (2015), Palais de Tokyo, Paris (2015), and MoMA PS1, New York (2014). He has also participated in global biennales including the 16th Istanbul Biennial (2019), the Whitney Biennial (2019), the 58th Venice Biennale (2019), and the 20th Sydney Biennale (2016). His works are included in the permanent collections of Tate Modern, London; the Whitney Museum of American Art, New York; Fondation Louis Vuitton, Paris; Office of Contemporary Art and Culture (OCAC) Ministry of Culture, Bangkok; Sifang Art Museum, Nanjing. He lives and works between New York and Bangkok.

국제갤러리, 코라크릿 아룬나논차이(Korakrit Arunanondchai)와 전속계약

국제갤러리는 태국의 현대미술가 코라크릿 아룬나논차이(Korakrit Arunanondchai)와 공식 전속계약을 체결했다. 회화, 영상, 퍼포먼스 작가이자, 무엇보다 탁월한 이야기꾼인 아룬나논차이는 개인적 서사와 역사적 산물을 한데 엮어 매혹적인 이야기를 만들어낸다. 다양한 매체를 오가는 다채로운 작업방식은 스토리텔링의 중요성에 대한 그의 신념을 방증하며 주로 자신의 가족, 동료, 친구, 프로덕션 환경과의 관계로부터 비롯되는 이야기들에 작가만의 고유한 언어를 제공한다. 

방콕에서 태어나 방콕과 뉴욕을 오가며 활동하던 작가는 현재는 태국에서 거주하며 작업하고 있다. 자신의 개인적 경험들에 긴밀히 빗대 작업하는 만큼 문화 이식 및 교배가 아룬나논차이 시각문법의 주요 토대로 기능한다. 불교신자로서 발현되는 정신성과 혼(魂)에 대한 관심은 작가가 이 세상을 경험해 나가는 과정에서 마주하는 개별 사건들과 꾸준히 교차편집 되며 발전한다. 

한편, 현재 광주비엔날레에서는 아룬나논차이의 신작 영상인 <Songs for Dying>(2021)을 만나볼 수 있다. 식민지 근대가 도래하기 전 개신교 선교자들의 주요 활동 거점이었던 ‘서양촌’으로서 광주의 다층적 역사를 보여주는 양림동의 호랑가시나무 아트폴리곤에 설치되어 있는 본 영상은 제주 4.3 사건과 태국 민주화 운동을 소환하며, 집단적 애도의 의식 절차와 그 치유 및 추모 방식을 살펴본다. 

1986년 태국 방콕에서 태어난 코라크릿 아룬나논차이는 미술 공부를 위해 2005년 미국으로 건너갔다. 2009년 로드아일랜드 디자인스쿨(RISD)에서 학사를 마친 후 2012년 콜럼비아 대학에서 석사학위를 받았다. 뉴욕 모마 PS1(2014), 파리 팔레드도쿄(2015), 베이징 울렌스 현대미술센터(2015), 겐트의 S.M.A.K.(2016), 비엔나의 Secession(2019), 포르투의 세할베스 현대미술관(2020) 등 유수 기관에서 개인전을 선보였고, 2019년 한 해에만 베니스 비엔날레와 휘트니 비엔날레, 이스탄불 비엔날레에 참여하는 등 세계적 명성을 얻고 있다. 그의 작품은 런던의 테이트모던, 뉴욕의 휘트니 미술관, 파리의 루이비통 재단, 방콕의 문화부 산하 현대미술부, 난징의 시팡 미술관 등이 소장하고 있다. 방콕과 뉴욕을 오가며 활동 중이다.
10 Elmgreen & Dragset present solo exhibition Short Story at Copenhagen Contemporary, Denmark

Elmgreen & Dragset, Short Story, 2020. Courtesy of the artist and KÖNIG GALERIE, Berlin, London, Tokyo. Photo: Roman Maerz

Artist: 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)
Exhibition Dates: April 21 – October 24, 2021 
Exhibition Venue: Copenhagen Contemporary, Denmark
Website: https://copenhagencontemporary.org/en/elmgreen-dragset/

The Scandinavian artist duo Elmgreen & Dragset are the subject of a solo exhibition titled Short Story, running from April 21 to October 24, 2021, at Copenhagen Contemporary, Denmark’s foremost contemporary art center focused on showcasing large-scale installations by international artists. In celebration of their solo show, the duo transformed Hall 2 of the venue into a tennis court featuring three figures, creating a surreal environment to raise attention to subjects such as competitiveness, individualism, and ideas of inclusion and exclusion implied by modern society.

In the gallery, which takes the form of a generic tennis court, stand three sculptures—each named Flo, Kev, and Bogdan. Flo and Kev, placed on opposite sides of the court divided in two by the net, induce a heightened sense of discomfort and tension, making it difficult for the viewer to distinguish between the winner and the loser. The third figurative sculpture depicts Bogdan, an elderly man half asleep in his wheelchair. With his eyelids closing, Bogdan appears aloof from the situation occurring between the two boys, withdrawing from the reality surrounding him. By portraying an emotionally charged moment after a tennis match, Elmgreen & Dragset allow the audience to interpret and understand the dynamics of the situation upon their own perspective, rather than providing a confirmed narrative. As suggested from the title of the exhibition—Short Story—the installation is almost reminiscent of a scene in a movie, conveying complex ideas in a very compact manner which allows for the audience to somberly reflect on the situation at hand.

엘름그린 & 드라그셋, 코펜하겐 컨템포러리(Copenhagen Contemporary)에서 개인전 《Short Story》 개최

북유럽 출신의 작가 듀오 엘름그린 & 드라그셋은 오는 4월 21일부터 10월 24일까지 덴마크를 대표하는 현대미술센터인 코펜하겐 컨템포러리에서 대형 설치작업 <Short Story>(2020)를 개인전 형식으로 선보인다. 미술관 제2전시실 공간 전체를 테니스 코트로 변모시킨 이들은 초현실적인 환경 내에 세 가지 인물조각을 긴장감 있게 배치하여, 현대사회에 만연한 경쟁심리와 개인주의, 그리고 사회적 구조 안에서 파생되는 소속과 배제에 대해 역설한다. 

평범한 테니스장처럼 보이는 전시장에는 플로(Flo), 케브(Kev), 보그단(Bogdan)이라는 이름의 세 가지 조각이 설치되어 있다. 네트를 가운데 두고 서로 테니스장의 반대편에 서있는 두 소년 플로와 케브는 승자와 패자를 구분할 수 없는 모호한 상황에서 서로에게 등을 돌린 채 묘한 불편함과 긴장감을 고조시킨다. 한편 테니스장 끝에서 휠체어를 타고 졸고 있는 노인 보그단은 이 둘을 그저 관망한다. 엘름그린 & 드라그셋은 단편적인 상황만을 제시함으로써 인물들의 대립과 관계, 사건의 흐름, 향후 전개에 대한 열린 해석의 여지를 남긴다. 또한 <Short Story>는 제목이 시사하듯 영화 속 한 장면을 포착한 듯한 간결하고 함축적인 구성을 통해 작품의 메시지를 더욱 적극적으로 재고하도록 관객들을 이끈다. 

[Source from the Copenhagen Contemporary website]
11 Kwon Young-Woo, subject of eponymous solo exhibition at Blum & Poe, Tokyo

Installation view of Kwon Young-Woo, Tokyo, 2021. Photo: SAIKI

Artist: 권영우(Kwon Young-Woo)
Exhibition Dates: April 3 – May 22, 2021 
Exhibition Venue: Blum & Poe, Tokyo, Japan
Website: https://www.blumandpoe.com/exhibitions/kwon_youngwoo_tokyo

Kwon Young-Woo, a pioneering figure of the seminal Korean postwar art movement referred to as Dansaekhwa, is the subject of a solo exhibition at Blum & Poe Tokyo, from April 3, 2021, through May 22, 2021. The solo presentation—which showcases a selection of Kwon’s signature works utilizing ink and paper—marks his first exhibition with the gallery in five years since his last show at Blum & Poe New York, and his first in Tokyo. While Kwon’s works have been featured in numerous group exhibitions in the past, his current solo presentation provides a more comprehensive understanding of the artist’s practice by scrutinizing his artistic vocabulary and technique with a wide range of works in various sizes. 

Stemming from Chinese ink painting traditions, Kwon began experimenting with techniques of scratching, puncturing, and cutting the delicate surface of the traditional Korean paper, hanji, in the 1960s. This unconventional approach to utilizing paper itself as a medium garnered much international acclaim, such as at the 1965 Tokyo Biennale and the exhibition Five Korean Artists, Five Kinds of White at Tokyo Gallery in 1975, which was the first exhibition where Dansaekhwa was introduced globally, and eventually validated status and potential of Kwon’s work in the international art market. Throughout his career, the artist continuously experimented with paper as a material as well as a technique, actively expanding the scopes of his artistic vocabulary. Untitled (1988), which depicts a pale blue surface punctured with numerous holes, and Untitled (2002), which delivers a unique tension between the paper and the canvas, are notable examples of the artist’s commitment to experimentation. As the gallery is currently open by appointment only, the six-week-long exhibition can be visited by making a reservation via the Blum & Poe website (https://blumandpoe.com/reservation). 

권영우, 블럼앤포 갤러리 도쿄에서 동명의 개인전 개최

한국 단색화의 거장 권영우의 개인전이 4월 3일부터 5월 22일까지 블럼앤포 도쿄점에서 개최된다. 지난 2016년 블럼앤포 뉴욕 이후 약 5년 만에 해당 갤러리에서 열리는 전시이자 도쿄에서 선보이는 첫 개인전으로, 작가를 대표하는 종이 위의 잉크 작업들을 다수 선보인다. 과거 작가의 작업들이 다양한 그룹전을 통해 단편적으로 소개되었다면, 이번 개인전은 권영우의 작품세계와 작업기법 등을 집중조명하며 소품부터 대작까지 다양한 작품들을 폭넓게 소개한다.  

잉크를 사용한 수묵화를 기반으로 작업했던 권영우는 1960년대 들어 한국 전통매체인 한지의 표면을 손톱과 도구로 긁고, 뚫고, 찢는 등의 행위를 통해 작품을 제작했다. 종이에 대한 작가 고유의 비정형적인 접근은 당시 1965년 도쿄 비엔날레 등 해외에서도 큰 주목을 받았는데, 특히 지난 1975년 동경화랑에서 열린 《다섯 가지의 흰색전(Five Korean Artists, Five Kinds of White)》을 통해 세계 미술시장에서의 가능성을 입증했다. 이후에도 권영우는 종이라는 재료와 관련기법에 근본적인 의문을 제기하며 자신의 작품세계를 끊임없이 확장해나갔다. 이번 개인전에서 전시되는, 푸른 표면에 무수히 뚫려있는 구멍들이 인상적인 작업 <Untitled>(1988)와 종이와 캔버스 사이의 여백이 긴장감 있는 리듬감을 생성하는 <Untitled>(2002) 등의 작품들이 이러한 지속적인 실험의 대표적인 예시라 할 수 있다. 약 6주 동안 진행되는 이번 개인전은 사전예약제로 운영되며, 블럼앤포 홈페이지(https://blumandpoe.com/reservation)를 통해 신청할 수 있다.  

[Source from the Blum & Poe website]
12 Alexander Calder, Subject of a Major Solo Retrospective at the Museum of Modern Art, New York

Installation view of the exhibition Alexander Calder: Modern from the Start, March 14, 2021–August 7, 2021. IN2457.2. Photo: Robert Gerhardt

Artist: 알렉산더 칼더 (Alexander Calder)
Exhibition Dates: March 14, 2021– January 15, 2022
Exhibition Venue: The Museum of Modern Art, New York, USA
Website: https://www.moma.org/calendar/exhibitions/5209

Alexander Calder, one of 20th century’s most beloved artists and a pioneer of kinetic art, is the subject of a major retrospective titled Alexander Calder: Modern from the Start, held at the Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden and the Edward Steichen Galleries, each located on the first and third floors of the Museum of Modern Art (MoMA) in New York from March 14, 2021 through January 15, 2022. Throughout its year-long duration, the exhibition brings together approximately 70 works—including early wire and wood figures, works on paper, jewelry, mobiles in motion, and monumental abstract sculptures—providing a comprehensive overview of Calder’s distinctive artistic vision. Supporting materials such as film and archival photos will be showcased alongside his works to encourage the viewers’ in-depth understanding of the artist. 

Calder maintained a close relationship with the museum since its establishment in 1929, which naturally led him to produce a series of commission works including the multicolored Lobster Trap and Fish Tail (1939). Drawing from this strong sense of companionship between the artist and the museum, the exhibition also presents Man-Eater with Pennants (1945), a large-scale sculpture that will be on view in the Sculpture Garden for the first time in more than 50 years after undergoing recent conservation. Entry is allowed by timed ticket only, and visitors may book tickets in advance online. 

알렉산더 칼더, 뉴욕 현대미술관에서 대규모 회고전 개최

20세기 가장 사랑받는 작가 중 한 명이자 키네틱 아트(Kinetic Art)의 선구자로도 알려진 알렉산더 칼더의 대규모 회고전 《Alexander Calder: Modern from the Start》가 뉴욕 현대미술관 1층 애비 앨드리치 록펠러 조각공원(Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden)과 3층 에드워드 스타이켄 갤러리(Edward Steichen Galleries)에서 2021년 3월 14일부터 2022년 1월 15일까지 개최된다. 1여 년에 이르는 전시 기간 동안 미술관 및 칼더 재단 소장품에 속한 작품 70여 점을 소개하는 이번 전시는 작가의 초기 와이어 및 목재 모형, 종이 작업, 주얼리, 움직이는 모빌, 대형 추상 작업 등을 포괄적으로 선보이며 칼더의 기발하고도 독창적인 작업세계를 조명한다. 핵심 작품들과 함께 선보이는 영상, 아카이브 사진 등의 자료는 관람객들의 심도 깊은 이해를 도울 예정이다. 

뉴욕 현대미술관이 개관한 1930년부터 꾸준히 작품을 선보여온 칼더는 특히 생전에 해당 미술관과 긴밀한 관계를 유지하며 공간을 위해 다채로운 색으로 구성된 <Lobster Trap and Fish Tail>(1939) 같은 다양한 커미션 작업을 제작하기도 했다. 이러한 돈독한 예술적 행보를 바탕으로, 이번 전시에도 예컨대 최근 보수작업을 마치고 50여 년 만에 미술관 조각공원에서 대중에게 처음 공개되는 대형조각 <Man-Eater with Pennants>(1945) 등 쉽게 만날 수 없었던 작업들이 강력한 존재감을 드러낸다. 본 전시는 온라인 사전예약을 통해 관람 가능하다. 

[Source from the Museum of Modern Art (MoMA) website]
13 Bill Viola, Subject of a Major Solo Exhibition at the Pushkin State Museum of Fine Arts, Russia

Installation view of Bill Viola: The Journey of the Soul, Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscow, 2021. Photo: Alexander Gulinov

Artist: 빌 비올라(Bill Viola)
Exhibition Dates: March 2 – May 30, 2021 
Exhibition Venue: Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscow
Website: https://pushkinmuseum.art/events/archive/2020/exhibitions/viola/index.php?lang=en

Bill Viola’s first major solo exhibition in Russia, titled Bill Viola: The Journey of the Soul, is currently on view at the Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscow, through May 30, 2021. As the museum’s first exhibition showcasing media art throughout its history of more than a century, the presentation showcases an ambitious body of twenty representative works created between 2000 and 2014, demonstrating Viola’s crucial role in developing video art as a prominent genre of contemporary art. 

Internationally acclaimed for his multidisciplinary practice encompassing single-channel videos, installations integrating visuals and sound, and monumental media art collaborations with operas and concerts, Viola celebrates his encounter with the Russian public by introducing signature works including Fire Woman (2005), Catherine’s Room (2001), and The Quintet of the Astonished (2000), which mark the epitome of his four-decade-long career. The artist’s videos, which work as a metaphor for the essence of human nature, birth and death, and spiritual growth, at times reveal the influence of religion on art, evoking a motley range of sentiments from the viewer. Curated in order for visitors to first engage with works from the Mirage, Passions (2000-2002), Martyrs (2014), Water Portraits (2013), Transfigurations (2007-2008) series, then proceed to view the medieval and Renaissance works from the museum’s permanent collection, the exhibition fosters a comprehensive understanding of Viola’s working process and artistic journey. Meanwhile, the exhibition is held as part of the “Pushkin Museum XXI” project, which brings together classical tradition and contemporary practice, suggesting a new perspective on art for today’s audiences. 

빌 비올라, 러시아 푸시킨 주립 미술관(Pushkin State Museum of Fine Arts)에서 개인전 《Bill Viola: The Journey of the Soul》 개최

빌 비올라의 러시아 첫 개인전 《Bill Viola: The Journey of the Soul》이 2021년 3월 2일부터 5월 30일까지 모스크바에 위치한 푸시킨 주립 미술관에서 개최된다. 본 전시는 100년 넘는 유구한 역사를 가진 미술관이 주최하는 첫 번째 미디어아트 전시로, 2000년부터 2014년 사이에 제작된 작가의 대표작 총 20여 점을 선보이며 비디오아트의 거장으로서 선도했던 해당 분야의 성장과 발전을 총망라한다. 

지난 40여 년간 싱글채널 비디오, 이미지와 소리를 결합한 설치작업, 대규모 오페라 및 콘서트와의 미디어아트 협업 등 다양한 양식과 구성을 넘나드는 작업을 이어온 비올라는 이번에 <불의 여인>(2005), <캐서린의 방>(2001), <놀라움의 5중주>(2000) 등 자신의 작품세계를 대표하는 주요 작품들을 전시한다. 저마다 묘하고 복합적인 감정을 불러 일으키는 영상들은 작가가 평소 탐구해온 인간의 본질, 탄생과 죽음, 영적 성장과 같은 주요 주제들을 은유적으로 드러내며, 때로는 예술에서 나타나는 종교적 영향을 보여주기도 한다. 미술관 메인 빌딩을 따라 전시된 <Mirage>, <Passions>(2000-2002), <Martyrs>(2014), <Water Portraits>(2013), <Transfigurations>(2007-2008) 연작들을 감상한 후, 이어지는 상설 전시관에서 중세·르네상스 시대의 예술을 마주하게 되는 동선은 비올라의 예술적 영감의 원천과 생각의 흐름을 포괄적으로 이해할 수 있도록 한다. 미술관이 운영하는 ‘푸시킨 미술관 XXI’ 프로젝트의 일환인 본 전시는 전통적인 예술과 현대적 매체인 비디오의 결합을 추구하는 비올라의 작업을 통해 문화예술에 대한 새로운 해석을 제시한다. 

[Source from the Pushkin State Museum of Fine Arts website]
14 Bill Viola, Subject of a Major Solo Exhibition at Stavanger Art Museum, Norway

Installation view of The Greeting, 1995, video/sound installation. Photo: Markus Johansson

Artist: 빌 비올라(Bill Viola)
Exhibition Dates: January 23 – August 15, 2021 
Exhibition Venue: Stavanger Art Museum, Norway
Website: https://stavangerkunstmuseum.no/en/events/bill-viola-1

The pioneering video artist Bill Viola is the subject of a major solo exhibition titled Into the Light, running through August 15, 2021, at Stavanger Art Museum in Norway. Viola, widely acclaimed for his conceptual and technical explorations of video as a medium of art since the early 1970s, comprehensively showcases over twenty works—twelve video installations followed by nine early single-channel works—created between 1976 and 2013. 

Of the early works on view, The Reflecting Pool (1977-1979), demonstrates Viola’s commitment to breaking free of the technical limitations and revealing the artistic potentials of video. The work builds on pertinent technical strategies of the time such as mirroring, reversing, and overlapping, as a means to represent a shift in content towards spiritual and transcendental themes. Viola not only applied these technological innovations of video to his work as an artistic feature, but also layered his work with art historical context, themes, and compositions drawn from medieval and Renaissance paintings. Taking the example of The Greeting (1995) and Catherine’s Room (2001), the former was inspired by Jacopo da Pontormo’s The Visitation (1528-1529), and the latter by Andrea di Bartolo’s St. Catherine of Siena with Four Blessed Dominican Nuns (1394-1398)—both videos function as metaphors of the original paintings, delivering ideas of personal interaction and the journey of life within a contemporary context. Apart from these centerpiece works, nine early works by Viola—curated into four different programs—will be shown in the museum’s auditorium in order to foster a comprehensive understanding of the artist. 

빌 비올라, 노르웨이 스타방에르 미술관(Stavanger Art Museum)에서 개인전 《Into the Light》 개최

비디오아트의 선구자 빌 비올라의 대규모 개인전 《Into the Light》가 오는 2021년 8월 15일까지 노르웨이 소재의 스타방에르 미술관(Stavanger Art Museum)에서 열린다. 1970년대 초부터 비디오라는 매체의 개념적이고 기술적인 부분들을 탐구해온 비올라는 이번 개인전을 통해 12점의 비디오 설치 작품과 활동 초기에 완성한 9점의 싱글 채널 작품 등을 포함하여 1976년부터 2013년 사이에 제작된 작품 총 20여 점을 종합적으로 선보인다. 

비올라는 초창기부터 비디오가 가지고 있는 예술적 가능성과 기술적 한계를 실험해왔는데, 이러한 작가의 탐구정신은 초기작 중 하나인 <투영하는 연못>(1977-1979)에서 선명히 드러난다. 기존에 다루던 주제에 비해 좀 더 본질적인 개념을 표현하고자 했던 해당 작품에서는 미러링(mirroring), 반전(reversing), 오버랩(overlapping) 등 당시 작가를 매료시켰던 비디오의 다양한 기술적 효과가 화면에 펼쳐지는 모습을 한 눈에 볼 수 있다. 또한 비디오로부터 발현된 예술의 기술적 혁신을 작품에 적용하는 데 그치지 않고 이에 미술학적 맥락을 반영하려 했던 만큼, 대표작 <인사>(1995)와 후기작 <캐서린을 위한 방>(2001)에서는 중세·르네상스 시대의 명화를 모티프 삼은 주제와 형태가 두드러진다. 각각 자코포 다 폰토르모(Jacopo da Pontormo)의 <성모 마리아의 성 엘리사벳 방문>(1528-1529)과 안드레아 디 바르톨로(Andrea di Bartolo)의 <시에나의 기도하는 성녀 카탈리나>(1394–1398)로부터 영감을 받아 제작된 이 두 작품은 원작이 표현하고자 했던 인물 상호간의 교류 및 인생이라는 여정을 은유하고 현대적으로 재해석한다. 한편 미술관은 이러한 주요작품 외에도 작가의 초기작 9점을 4개의 프로그램으로 나누어 오디토리움에서 기획 상영해 작가에 대한 포괄적인 이해를 돕는다.  

[Source from Stavanger Art Museum website]
15 Kukje Gallery's Renovated K1 Building Announced as Winner of Wallpaper* Design Awards 2021

Wallpaper* February issue: Wallpaper* Design Awards 2021
‘Best Cultural Draw’ (pp. 82-83)

Awarded Venue: Kukje Gallery K1
Full article: www.kukjegallery.com/temp/2021.02_Wallpaper_Best_Cultural_Draw.pdf

Kukje Gallery is pleased to announce that its recently renovated K1 building was named a winner of Wallpaper* Design Awards 2021 for the 'Best Cultural Draw' category. Announced annually in their February issue, Wallpaper* Design Awards is an annual list of outstanding places, products, and people within the international art and design worlds as selected by the renowned British magazine. 
After undergoing two years of renovation, Kukje Gallery's K1 building is now a new multi-use arts complex. Reopening its doors to the public on June 18, 2020, K1 features a newly expanded gallery space and a reimagined café on the ground floor (Cafe @ The Restaurant) that features site-specific wall paintings by the graphic designer Na Kim and is designed by OURSTUDIO, the local practice that was tasked with transforming the architecture and interior design of the entire building while preserving the look of the original façade, which has become a historical landmark of the neighborhood. The acclaimed interior designer Teo Yang spearheaded the interior design for the rest of the floors—on the second floor is a contemporary French restaurant (The Restaurant) that features the renowned artist Haegue Yang’s installations and on the third floor is a wellness center (Wellness K) that seeks to integrate visual art with a broader platform of lifestyle. Together, this dynamic space provides a perfect getaway in the bustling city of Seoul. Even in the midst of the pandemic, the ambitious integration of art, creative cuisine, and health within the renovated K1 building immediately became a focus of interest with an outpouring of support from art lovers both locally and abroad. 

The 'Best Cultural Draw' category featured a diverse pool of venues that reflect the most innovative and visionary spaces around the world that respond to our rapidly changing times. With regards to Kukje Gallery’s new space, Wallpaper* stated, "With last summer’s reopening of its K1 building, which now encompasses exhibition spaces, a café, a restaurant and a wellness centre, it is rethinking how and where art should be experienced. The 1987 building is one of three spaces that Kukje operates in Seoul’s upscale Samcheong-dong enclave… The idea, which has proven prescient, was to create open spaces throughout, with as few dividing walls as possible so that the greenery outside is always in view." 

Teo Yang, Principal of TeoYang Studio who was tasked with transforming the interior design of the upper levels of the building including The Restaurant and Wellness K, highlighted this emphasis on balance, saying, "I hope the gallery evokes the curated atmosphere of a collector’s home... Visitors are encouraged to imagine living with the works."

In response to the news of the award, Kukje Gallery's Managing Director Bo Young Song noted that "The interior is closely connected to its surroundings, which I believe serves as a relief to people who live in a time of isolation and social distancing.” On spearheading the direction for the operation of the new multi-use arts complex in the context of a post-Covid-19 era, Song observed, “We believe that art transcends the visual. As multidisciplinary integration is increasingly relevant today, it was necessary for the gallery to keep up with and even try to move ahead of our times."

월페이퍼*(Wallpaper*) ‘디자인 어워즈 2021’ 발표, 국제갤러리 K1 선정

서울 삼청동 소재의 국제갤러리 K1이 영국의 유명 건축·디자인 잡지 월페이퍼*(Wallpaper*)가 2021년 2월호 지면을 통해 발표한 ‘디자인 어워즈 2021(Design Awards 2021)’에서 ‘최고의 문화 공간 부문(Best Cultural Draw)'에 선정됐다. 지난 2020년 6월 복합문화공간으로 새 출발한 국제갤러리 K1은 새로운 전시공간을 비롯해 그래픽 디자이너 김영나의 벽화 작업으로 시각적 즐거움을 높인 ‘카페(Cafe @ The Restaurant, 1층, 건축 설계 및 인테리어 디자인: 아워스튜디오)’, 인테리어 디자이너 양태오의 감각적인 디자인 아래 현대미술가 양혜규의 설치 작업과 미식문화가 어우러진 파인다이닝 ‘더 레스토랑(The Restaurant, 2층)’, 그리고 예술이 전하는 영감을 나누고 심신의 여유를 제공하는 공간 ‘웰니스 K(Wellness K, 3층)’가 자리하며 코로나19 사태 속에서도 미술애호가들의 관심과 사랑을 받고 있다. 

월페이퍼*는 동시대의 문화적 흐름을 반영 및 선도하는 전 세계 다양한 공간들을 대상으로 한 '최고의 문화 공간 부문’에 국제갤러리 K1을 선정한 이유로 "전시공간, 카페 및 레스토랑, 웰니스 센터 등 복합문화공간으로서 예술을 경험하는 공간과 방식에 대한 새로운 방향성을 제시한다."고 밝혔다. 더불어 "K1은 국제갤러리가 1987년부터 서울 삼청동에 개관한 세 건물 중 하나다. 건물 내부에 열린 공간을 최대한 확보하고, 삼청동 풍경을 시야에 한눈에 담을 수 있도록 공간을 구분하는 벽면을 최소화한 점에서 마치 선견지명이 있었던 듯하다"고 덧붙였다. 

아울러 2층과 3층, 지하 1층의 가구 및 조명 등 고유한 개성이 담긴 인테리어 디자인으로 호평 받은 태오양 스튜디오의 양태오 대표는 "갤러리 공간을 둘러보며 마치 세심하게 큐레이팅 된 컬렉터의 집 같은 환경을 조성하기를 희망했다"며, "이 공간에 들어서는 분들이 작품들과 함께 사는 모습을 상상하게끔 이끌고 싶었다."고 디자인 의도를 전했다.

이번 선정 소식에 대해 국제갤러리 송보영 부사장은 "K1의 레노베이션을 통해 주변 외부 환경과 긴밀한 소통을 시도했다. 특히나 요즘같이 사회적 거리두기와 자가격리가 난무한 시대에 일종의 위로가 되리라고 믿는다. 코로나시대에 우리를 진정으로 위안해 주는 것은 결국 예술과 자연인 듯하다."라고 소감을 전했다. 또한 "미술은 시각적인 것을 초월한다. 다분야적 통합(multidisciplinary integration)이 하루가 다르게 더욱 절실해지는 요즘, 시대의 흐름을 정확히 직시할 뿐만 아니라 앞을 내다보는 국제갤러리만의 행보를 제시하고자 한다."며 포스트 코로나 시대, 새로운 미래에 대한 복합문화공간 K1의 운영 전략과 비전을 함께 밝히기도 했다.

[Source from Wallpaper* Design Awards]