January 2021
1 Bill Viola, Subject of a Major Solo Exhibition at Stavanger Art Museum, Norway

Installation view of The Greeting, 1995, video/sound installation. Photo: Markus Johansson

Artist: 빌 비올라(Bill Viola)
Exhibition Dates: January 23 – August 15, 2021 
Exhibition Venue: Stavanger Art Museum, Norway
Website: https://stavangerkunstmuseum.no/en/events/bill-viola-1

The pioneering video artist Bill Viola is the subject of a major solo exhibition titled Into the Light, running through August 15, 2021, at Stavanger Art Museum in Norway. Viola, widely acclaimed for his conceptual and technical explorations of video as a medium of art since the early 1970s, comprehensively showcases over twenty works—twelve video installations followed by nine early single-channel works—created between 1976 and 2013. 

Of the early works on view, The Reflecting Pool (1977-1979), demonstrates Viola’s commitment to breaking free of the technical limitations and revealing the artistic potentials of video. The work builds on pertinent technical strategies of the time such as mirroring, reversing, and overlapping, as a means to represent a shift in content towards spiritual and transcendental themes. Viola not only applied these technological innovations of video to his work as an artistic feature, but also layered his work with art historical context, themes, and compositions drawn from medieval and Renaissance paintings. Taking the example of The Greeting (1995) and Catherine’s Room (2001), the former was inspired by Jacopo da Pontormo’s The Visitation (1528-1529), and the latter by Andrea di Bartolo’s St. Catherine of Siena with Four Blessed Dominican Nuns (1394-1398)—both videos function as metaphors of the original paintings, delivering ideas of personal interaction and the journey of life within a contemporary context. Apart from these centerpiece works, nine early works by Viola—curated into four different programs—will be shown in the museum’s auditorium in order to foster a comprehensive understanding of the artist. 

빌 비올라, 노르웨이 스타방에르 미술관(Stavanger Art Museum)에서 개인전 《Into the Light》 개최

비디오아트의 선구자 빌 비올라의 대규모 개인전 《Into the Light》가 오는 2021년 8월 15일까지 노르웨이 소재의 스타방에르 미술관(Stavanger Art Museum)에서 열린다. 1970년대 초부터 비디오라는 매체의 개념적이고 기술적인 부분들을 탐구해온 비올라는 이번 개인전을 통해 12점의 비디오 설치 작품과 활동 초기에 완성한 9점의 싱글 채널 작품 등을 포함하여 1976년부터 2013년 사이에 제작된 작품 총 20여 점을 종합적으로 선보인다. 

비올라는 초창기부터 비디오가 가지고 있는 예술적 가능성과 기술적 한계를 실험해왔는데, 이러한 작가의 탐구정신은 초기작 중 하나인 <투영하는 연못>(1977-1979)에서 선명히 드러난다. 기존에 다루던 주제에 비해 좀 더 본질적인 개념을 표현하고자 했던 해당 작품에서는 미러링(mirroring), 반전(reversing), 오버랩(overlapping) 등 당시 작가를 매료시켰던 비디오의 다양한 기술적 효과가 화면에 펼쳐지는 모습을 한 눈에 볼 수 있다. 또한 비디오로부터 발현된 예술의 기술적 혁신을 작품에 적용하는 데 그치지 않고 이에 미술학적 맥락을 반영하려 했던 만큼, 대표작 <인사>(1995)와 후기작 <캐서린을 위한 방>(2001)에서는 중세·르네상스 시대의 명화를 모티프 삼은 주제와 형태가 두드러진다. 각각 자코포 다 폰토르모(Jacopo da Pontormo)의 <성모 마리아의 성 엘리사벳 방문>(1528-1529)과 안드레아 디 바르톨로(Andrea di Bartolo)의 <시에나의 기도하는 성녀 카탈리나>(1394–1398)로부터 영감을 받아 제작된 이 두 작품은 원작이 표현하고자 했던 인물 상호간의 교류 및 인생이라는 여정을 은유하고 현대적으로 재해석한다. 한편 미술관은 이러한 주요작품 외에도 작가의 초기작 9점을 4개의 프로그램으로 나누어 오디토리움에서 기획 상영해 작가에 대한 포괄적인 이해를 돕는다.  

[Source from Stavanger Art Museum website]
2 Kukje Gallery's Renovated K1 Building Announced as Winner of Wallpaper* Design Awards 2021

Wallpaper* February issue: Wallpaper* Design Awards 2021
‘Best Cultural Draw’ (pp. 82-83)

Awarded Venue: Kukje Gallery K1
Full article: www.kukjegallery.com/temp/2021.02_Wallpaper_Best_Cultural_Draw.pdf

Kukje Gallery is pleased to announce that its recently renovated K1 building was named a winner of Wallpaper* Design Awards 2021 for the 'Best Cultural Draw' category. Announced annually in their February issue, Wallpaper* Design Awards is an annual list of outstanding places, products, and people within the international art and design worlds as selected by the renowned British magazine. 
After undergoing two years of renovation, Kukje Gallery's K1 building is now a new multi-use arts complex. Reopening its doors to the public on June 18, 2020, K1 features a newly expanded gallery space and a reimagined café on the ground floor (Cafe @ The Restaurant) that features site-specific wall paintings by the graphic designer Na Kim and is designed by OURSTUDIO, the local practice that was tasked with transforming the architecture and interior design of the entire building while preserving the look of the original façade, which has become a historical landmark of the neighborhood. The acclaimed interior designer Teo Yang spearheaded the interior design for the rest of the floors—on the second floor is a contemporary French restaurant (The Restaurant) that features the renowned artist Haegue Yang’s installations and on the third floor is a wellness center (Wellness K) that seeks to integrate visual art with a broader platform of lifestyle. Together, this dynamic space provides a perfect getaway in the bustling city of Seoul. Even in the midst of the pandemic, the ambitious integration of art, creative cuisine, and health within the renovated K1 building immediately became a focus of interest with an outpouring of support from art lovers both locally and abroad. 

The 'Best Cultural Draw' category featured a diverse pool of venues that reflect the most innovative and visionary spaces around the world that respond to our rapidly changing times. With regards to Kukje Gallery’s new space, Wallpaper* stated, "With last summer’s reopening of its K1 building, which now encompasses exhibition spaces, a café, a restaurant and a wellness centre, it is rethinking how and where art should be experienced. The 1987 building is one of three spaces that Kukje operates in Seoul’s upscale Samcheong-dong enclave… The idea, which has proven prescient, was to create open spaces throughout, with as few dividing walls as possible so that the greenery outside is always in view." 

Teo Yang, Principal of TeoYang Studio who was tasked with transforming the interior design of the upper levels of the building including The Restaurant and Wellness K, highlighted this emphasis on balance, saying, "I hope the gallery evokes the curated atmosphere of a collector’s home... Visitors are encouraged to imagine living with the works."

In response to the news of the award, Kukje Gallery's Managing Director Bo Young Song noted that "The interior is closely connected to its surroundings, which I believe serves as a relief to people who live in a time of isolation and social distancing.” On spearheading the direction for the operation of the new multi-use arts complex in the context of a post-Covid-19 era, Song observed, “We believe that art transcends the visual. As multidisciplinary integration is increasingly relevant today, it was necessary for the gallery to keep up with and even try to move ahead of our times."

월페이퍼*(Wallpaper*) ‘디자인 어워즈 2021’ 발표, 국제갤러리 K1 선정

서울 삼청동 소재의 국제갤러리 K1이 영국의 유명 건축·디자인 잡지 월페이퍼*(Wallpaper*)가 2021년 2월호 지면을 통해 발표한 ‘디자인 어워즈 2021(Design Awards 2021)’에서 ‘최고의 문화 공간 부문(Best Cultural Draw)'에 선정됐다. 지난 2020년 6월 복합문화공간으로 새 출발한 국제갤러리 K1은 새로운 전시공간을 비롯해 그래픽 디자이너 김영나의 벽화 작업으로 시각적 즐거움을 높인 ‘카페(Cafe @ The Restaurant, 1층, 건축 설계 및 인테리어 디자인: 아워스튜디오)’, 인테리어 디자이너 양태오의 감각적인 디자인 아래 현대미술가 양혜규의 설치 작업과 미식문화가 어우러진 파인다이닝 ‘더 레스토랑(The Restaurant, 2층)’, 그리고 예술이 전하는 영감을 나누고 심신의 여유를 제공하는 공간 ‘웰니스 K(Wellness K, 3층)’가 자리하며 코로나19 사태 속에서도 미술애호가들의 관심과 사랑을 받고 있다. 

월페이퍼*는 동시대의 문화적 흐름을 반영 및 선도하는 전 세계 다양한 공간들을 대상으로 한 '최고의 문화 공간 부문’에 국제갤러리 K1을 선정한 이유로 "전시공간, 카페 및 레스토랑, 웰니스 센터 등 복합문화공간으로서 예술을 경험하는 공간과 방식에 대한 새로운 방향성을 제시한다."고 밝혔다. 더불어 "K1은 국제갤러리가 1987년부터 서울 삼청동에 개관한 세 건물 중 하나다. 건물 내부에 열린 공간을 최대한 확보하고, 삼청동 풍경을 시야에 한눈에 담을 수 있도록 공간을 구분하는 벽면을 최소화한 점에서 마치 선견지명이 있었던 듯하다"고 덧붙였다. 

아울러 2층과 3층, 지하 1층의 가구 및 조명 등 고유한 개성이 담긴 인테리어 디자인으로 호평 받은 태오양 스튜디오의 양태오 대표는 "갤러리 공간을 둘러보며 마치 세심하게 큐레이팅 된 컬렉터의 집 같은 환경을 조성하기를 희망했다"며, "이 공간에 들어서는 분들이 작품들과 함께 사는 모습을 상상하게끔 이끌고 싶었다."고 디자인 의도를 전했다.

이번 선정 소식에 대해 국제갤러리 송보영 부사장은 "K1의 레노베이션을 통해 주변 외부 환경과 긴밀한 소통을 시도했다. 특히나 요즘같이 사회적 거리두기와 자가격리가 난무한 시대에 일종의 위로가 되리라고 믿는다. 코로나시대에 우리를 진정으로 위안해 주는 것은 결국 예술과 자연인 듯하다."라고 소감을 전했다. 또한 "미술은 시각적인 것을 초월한다. 다분야적 통합(multidisciplinary integration)이 하루가 다르게 더욱 절실해지는 요즘, 시대의 흐름을 정확히 직시할 뿐만 아니라 앞을 내다보는 국제갤러리만의 행보를 제시하고자 한다."며 포스트 코로나 시대, 새로운 미래에 대한 복합문화공간 K1의 운영 전략과 비전을 함께 밝히기도 했다.

[Source from Wallpaper* Design Awards]
3 Elmgreen & Dragset reveal The Hive, a permanent site-specific installation at the Moynihan Train Hall, New York

Elmgreen & Dragset, The Hive, 2020, stainless steel, aluminum, polycarbonate, LED lights, and lacquer
Commissioned by Empire State Development in partnership with Public Art Fund for Moynihan Train Hall
Courtesy Empire State Development and Public Art Fund, NY
Photo: Nicholas Knight

Artist: 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)
Exhibition Dates: January 1, 2021 – 
Exhibition Venue: Moynihan Train Hall, New York 
Website: https://www.publicartfund.org/exhibitions/view/mth/

On New Year’s Day of 2021, the artist duo Elmgreen & Dragset revealed their permanent site-specific installation titled The Hive (2020) at the Pennsylvania Station in New York. Presented in celebration of the opening of the new Moynihan Train Hall—a major feature of the recent expansion undergone by the station—the work is suspended from the ceiling of the 31st Street Mid-block Entrance Hall. By offering a contemporary interpretation on the history and grandeur of the original Pennsylvania Station, Elmgreen & Dragset’s monumental installation, which depicts a kaleidoscopic overview of an imagined urban landscape inspired by iconic high-rise buildings from metropolises around the world such as New York, captures the multiplicity and synergies of these global megacities, bringing a sense of wonder at the extraordinary progression of technology and artistic vision. The title of the installation refers to the complex relationship between natural and human-built structures, which resembles the constantly evolving architecture of a beehive.

The Hive, which consists of 91 buildings that weigh over 1.3 tons and measure up to 2.7 meters, maintains a surreal and anti-gravitational appearance due to its inverted structure. Integrating more than 72,000 LED lights that outline the tightly clustered skyscrapers, the installation illuminates the entrance of the station day and night, evoking a sense of “interconnectedness” that symbolizes the station and the city itself. Rendered as post-architectural archetypes, the iconic buildings of The Hive construct complex layers that pay tribute to the diversity modern cities, prompting viewers to envision their very own imaginary cities. Along with The Hive, the station welcomes visitors with a series of public art installations commissioned through a partnership between Empire State Development and Public Art Fund, as part of New York Governor Andrew M. Cuomo’s visionary transformation of the nation’s busiest transportation hub.

엘름그린 & 드라그셋, 뉴욕 모이니한 기차 홀(Moynihan Train Hall)에 영구 설치작 <The Hive>(2020) 공개

2021년 1월 1일, 작가 듀오 엘름그린 & 드라그셋은 뉴욕 펜실베니아 역(Pennsylvania Station) 내부에 영구 설치한 장소특정적 작품 <The Hive>(2020)를 공개했다. 이번 작업은 해당 역의 대규모 증축 사업의 일환으로 설계된 뉴욕 31번가 모이니한 기차 홀(Moynihan Train Hall) 개장을 기념하여 홀 입구 천장에 자리하게 되었다. 펜실베니아 역의 고유한 역사와 웅장한 분위기를 현대적으로 재해석한 이 대형 설치작은 뉴욕을 포함한 세계 주요 대도시에서 착안한 가상 도시의 마천루를 통해 현대 도시에 내재된 복합적인 정체성과 이들 간의 시너지를 표현하고, 인류가 이룩한 경이로운 기술적 진보와 예술적 상상력을 상기시킨다. 작품명인 ‘The Hive’는 끊임없이 유동적으로 진화하는 벌집의 형태를 연상케 하는 도시의 자연적, 인위적 구조 사이의 복잡한 관계성을 가리킨다. 

최고 높이 2.7m, 무게 1.3톤에 달하는 91개의 건물 형상들이 뒤집힌 형상인 <The Hive>는 위아래가 반전된 형태를 통해 중력을 거스르는 듯한 초현실적인 분위기를 풍긴다. 빽빽하게 모인 건물들을 따라 빛나는 72,000여 개의 LED 조명은 밤낮으로 역의 입구를 비추며, 기차역이 상징하는 대도시의 ‘상호 연결성’을 보여준다. 세계 중심지들을 움직이게끔 하는 다양성을 향한 존중의 의미를 담은 <The Hive>는 현대인들에게 이상적인 도시란 무엇인가 상상하고 반추할 수 있는 기회를 제공한다. 한편 펜실베니아 역을 미국 동부의 교통 요충지이자 뉴욕 최대규모의 기차역으로 발전시키고자 하는 앤드류 쿠오모 뉴욕 주지사의 포부를 담은 모이니한 기차 홀 곳곳에서는 엠파이어스테이트개발공사(Empire State Development)와 퍼블릭 아트 펀드(Public Art Fund)의 협업 하에 제작된 다양한 현대미술 작가들의 공공미술 커미션 작업을 만나볼 수 있다. 

[Source from Public Art Fund press release]