October 2021
1 Lee Ufan, Subject of Major Solo Exhibition Requiem at Alyscamps, Arles, France

Installation view of Requiem at Alyscamps, Arles, France.

Artists: 이우환(Lee Ufan)
Exhibition Dates: October 30, 2021 – September 30, 2022 
Exhibition Venue: Alyscamps, Arles, France
Website: https://www.studioleeufan.org/latest/2021/10/11/1afavh5b0iy292j5a97f9s32vcmjw7

The celebrated contemporary artist Lee Ufan is the subject of a solo exhibition titled Requiem at Alyscamps, Arles, in the south of France, on view from October 30, 2021, through September 30, 2022. A renowned tourist destination facing the Mediterranean Sea, Arles is known for its rich history and cultural heritage often associated with the Dutch Post-Impressionist painter Vincent van Gogh, who produced more than 300 paintings during his stay in the city. Arles is home to Alyscamps—one of the eight UNESCO World Heritage Sites in the city—a large Roman necropolis known for its alleys aligned with thousands of sarcophagi and the Romanesque Church of Saint-Honorat. In celebration of the 40th anniversary of the necropolis’ inscription on the World Heritage List, Alfred Pacquement, the former director of the National Museum of Modern Art, Centre Pompidou, has curated an exhibition that presents 14 new works by Lee. This carefully curated selection of works includes those from Lee’s signature series Relatum and Dialogue, along with other sculptures and paintings. The artist, who has continuously explored the dynamics between his work and its setting, exquisitely transforms the historic site into a space where each work enters into a dialogue with its surrounding monuments.

Since 1972, Lee has consistently presented his installation series entitled Relatum. With stones arranged on a steel plate, Lee’s Relatum series highlights the tension between nature and the artificial, along with the interrelationships of matter and space. Featuring concise brushstrokes on an otherwise bare canvas, Lee's Dialogue series once again delivers a deep resonance across the cemetery by activating the relationship between contrasting elements such as the painted and the unpainted, and presence and absence. Spanning the necropolis from the entrance to the interior of the Church of Saint-Honorat, each of the 14 works form a dialogue with the sarcophagi and surrounding nature, creating a tension between life and death, modern and ancient. In April of next year, a third permanent exhibition space—designed by the renowned Japanese architect, Tadao Ando—solely dedicated to Lee’s work is due to open in Arles following the opening of the Lee Ufan Museum in Naoshima, Japan (2010) and Space Lee Ufan at Busan Museum of Art, Korea (2015). 

이우환, 프랑스 남부 아를 알리스캉에서 개인전 《Requiem》 개최

현대미술의 거장 이우환의 개인전 《Requiem》이 프랑스 남부 아를(Arles)에 위치한 알리스캉(Alyscamps)에서 10월 30일부터 11개월 정도 선보인다. 지중해에 접한 휴양 도시 아를은 고흐가 300여 점이 넘는 그림을 그린 것으로 알려진 예술과 역사의 도시이다. 특히 아를의 8대 세계유산 중 하나인 알리스캉은 고대 로마인들의 독특한 무덤 문화가 담긴 공동묘지로 석관이 늘어선 골목과 로마네스크 양식의 생토노레 교회(Church of Saint-Honorat)가 조화를 이루는 곳이다. 유산 등재 40주년을 맞아 퐁피두센터 국립 근대미술관장을 역임한 큐레이터 알프레드 파퀴망(Alfred Pacquement)과 함께 기획된 이번 전시에서 이우환은 ‘관계항(Relatum)’, ‘대화(Dialogue)’를 비롯한 주요 신작, 조각과 회화 14점을 소개한다. 평생 주변 공간과 관계 맺으며 교감하는 작품을 선보여온 작가의 작업이 알리스캉의 오랜 유적들과 함께 호흡하게 된 셈이다.

이우환은 1972년부터 ‘관계항’이라는 이름의 설치 작품을 지속적으로 발표해왔다. 인위적으로 가공된 공업 용재 ‘철판’과 자연의 산물인 ‘돌’로 구성된 이 작업은 자연과 주변 환경, 다른 물질과의 관계를 형성하는 하나의 장(場)을 표현한다. 간결한 붓 자국과 캔버스의 여백이 조화를 이루는 ‘대화’ 연작은 이번에도 그림을 그린 부분과 그리지 않은 부분, 존재하는 것과 존재하지 않는 것이 서로 상호작용하며 묘지 공간에 깊은 울림을 주고, 석관이 늘어선 입구부터 교회 내부까지 곳곳에 전시된 작품들은 로마 시대의 유적 및 자연과 긴장감을 유지하면서 죽음과 삶, 고대와 현대를 아우른다. 내년 4월에는 일본 나오시마(2010년 개관), 부산(2015년 개관)에 이어 세 번째로 아를 시내에 이우환 미술관이 개관 예정이며, 유명 건축가 안도 다다오(Ando Tadao)가 건축 설계를 맡았다. 

[Source from Studio LeeUfan website]
2 Wook-kyung Choi, Subject of Major Retrospective Wook-kyung Choi, Alice’s Cat at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Gwacheon, Korea

Installation view of Wook-kyung Choi, Alice’s Cat at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Gwacheon, Korea

Artists: 최욱경(Wook-kyung Choi)
Exhibition Dates: October 27, 2021 – February 13, 2022 
Exhibition Venue: National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), Gwacheon, Korea
Website: https://www.mmca.go.kr/eng/exhibitions/exhibitionsDetail.do?exhId=202101190001357

The Korean contemporary artist Wook-kyung Choi is the subject of a major retrospective titled Wook-kyung Choi, Alice’s Cat, which opens on October 27, 2021, at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) in Gwacheon, Korea. Choi is known for her bold abstract paintings and works on paper which signaled a timely intercultural exchange between the United States and Korea. The exhibition title stems from the novel Alice’s Adventures in Wonderland by Lewis Carroll (1832-1898), which left a profound influence on Choi’s artistic vocabulary. Presenting a tightly curated, comprehensive selection of approximately 200 works and ephemera, spanning early self-portraits from 1953 to later works created in 1985 before the artist’s untimely passing, Wook-kyung Choi, Alice’s Cat heralds Choi’s multifaceted talent as an artist, educator, and poet. 
The title of the exhibition—Wook-kyung Choi, Alice’s Cat—represents the explorations Choi undertook as an artist as she traveled back and forth from Korea and the United States after her first visit to the latter country in 1963. Simultaneously, it sheds light onto the artist’s commitment to literature—as a prolific poet, Choi published her English poems under the title Small Stones (1965) and 45 of her Korean poems (one of which included Alice’s Cat) under the title Like Unfamiliar Faces (1972) throughout her lifetime. 

The retrospective, which multilaterally reflects on Choi’s artistic language, is divided into four chronologically organized sections. The exhibition begins with ‘To America as Wonderland,’ featuring works created between 1963 and 1970, when the artist first became exposed to the latest shifts in American contemporary art and fully embraced these canons in her abstract and black-and-white paintings during her studies in the U.S. Between 1971 and 1978, Choi worked on large-scale abstract paintings while traveling between Korea and the U.S., showcased in the second section titled ‘Korea and America, In between Dream and Reality.’ ‘To the Mountains and Islands of Korea and the Home of Choi’s Painting’ presents Choi’s unique interpretation of Korean nature, which developed during her tenure as a professor at Yeungnam University and Duksung Women’s University upon her return to Korea in 1979. Choi’s self-portraits from the early 1950s to the 1970s constitute the final section, ‘Epilogue. Mirror Room: The Beginning of a New Story.’ The exhibition, which provides an opportunity to rediscover Choi as one of the leading figures of Korean abstract art, far beyond her existing reputation as a genius painter who died young, runs through February 13, 2022. Meanwhile, Choi’s works are also on view at the Guggenheim Museum Bilbao’s special group exhibition, Women in Abstraction, through February 27, 2022.

최욱경, 과천 국립현대미술관에서 대규모 회고전 《최욱경, 앨리스의 고양이》 개최

한국을 대표하는 추상미술가 최욱경의 대규모 회고전 《최욱경, 앨리스의 고양이》가 과천 국립현대미술관에서 10월 27일부터 열린다. 강렬한 색채와 대담한 필치의 작업으로 국제적인 동시에 한국적인 추상회화의 기법을 이끈 최욱경의 이번 회고전은 그의 작업세계에 큰 영향을 미친 것으로 알려진 루이스 캐럴(Lewis Carroll, 1832-1898)의 소설 『이상한 나라의 앨리스(Alice’s Adventures in Wonderland)』에서 제목을 차용하였다. 1953년 초기 자화상부터 1985년 작고하기까지의 작품 및 자료 200여 점을 선보이는 이번 대규모 회고전은 화가, 미술 교육자, 시인으로 전방위적인 활동을 펼친 작가의 총체적인 이력을 조망한다. 

‘최욱경, 앨리스의 고양이’ 전시명은 1963년 처음 미국으로 건너가, 이후 한국과 미국을 오가며 새로운 세계를 탐색해온 작가를 상징하는 동시에 1965년 영문 시집 『작은 돌들(Small Stones)』, 1972년 「앨리스의 고양이」를 비롯한 시 45편을 수록한 국문 시집 『낯설은 얼굴들처럼』을 출간한 작가의 문학적 이력을 통해 그의 작업을 조망하고자 하는 의미를 지니고 있다. 

최욱경의 예술 세계 전반을 다각적으로 선보이는 이번 회고전은 크게 4개 공간으로 나뉘어 진행된다. 1963년부터 1970년까지 미국 유학 시기에 미국 동시대 미술을 폭넓게 수용한 추상회화 및 흑백 회화를 선보이는 '미국이라는 원더랜드를 향하여'를 시작으로 1971년부터 1978년까지 한국과 미국을 오가며 구상과 추상이 결합된 대규모 추상미술 작품들을 작업한 '한국과 미국, 꿈과 현실의 사이에서'가 이어진다. 계속되는 공간에서는 1979년 미국에서 귀국한 이후 영남대와 덕성여대에서 교수로 재직하며 한국의 자연을 주제로 작업한 작품들을 선보이는 ‘한국의 산과 섬, 그림의 고향으로’, 마지막으로 '에필로그. 거울의 방: 새로운 이야기의 시작'에서는 1950년대 초부터 1970년대까지 작가가 제작한 자화상을 선보인다. 요절한 천재 여성작가라는 기존의 평가를 넘어 한국 대표 추상미술가로서의 예술 세계 전반을 주목하는 이번 전시는 내년 2월 13일까지 계속된다. 한편 최욱경의 작품들은 현재 구겐하임 빌바오 미술관에서 열리는 기획전 《Women in Abstraction》(2022년 2월 27일까지)에서도 만나볼 수 있다. 

[Source from MMCA press release]
3 Elmgreen & Dragset, Subjects of Elmgreen & Dragset - 14th Robert Jacobsen Prize of the Würth Foundation at Museum Würth 2, Germany

Installation view of Elmgreen & Dragset - 14th Robert Jacobsen Prize of the Würth Foundation at Museum Würth 2
Photo: Würth/Ufuk Arslan

Artists: 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)
Exhibition Dates: October 5, 2021 – February 6, 2022 
Exhibition Venue: Museum Würth 2, Künzelsau, Germany
Website: https://kunst.wuerth.com/en/museum_wuerth_2/ausstellung/aktuelle_ausstellungen_2/elmgreen___dragset_14__robert_jacobsen_preis_der_stiftung_wuerth/elmgreen___dragset.php

Internationally acclaimed for their witty yet critical interpretations of social and everyday stereotypes, the Scandinavian artist duo Elmgreen & Dragset have been named by the Würth Foundation as the recipients of the 14th Robert Jacobsen Prize. In celebration of this occasion, the duo are currently the subjects of the solo exhibition Elmgreen & Dragset – 14th Robert Jacobsen Prize of the Würth Foundation, running from October 5, 2021, at Museum Würth 2, Künzelsau, Germany. Established to commemorate the work of the renowned Danish sculptor Robert Jacobsen (1912-1993), the eponymous award selects one contemporary artist on a biannual basis, with the winner receiving an endowment of €50,000 from the Würth Foundation. Previous recipients of the Robert Jacobsen Prize include Eva Rothschild (2018/19), Yngve Holen (2016/17), Michael Sailstorfer (2014/15), Jeppe Hein (2012), and Lun Tuchnowski (1993). The foundation commended the duo’s work for “[t]heir multifaceted work [which] oscillates between seriousness and absurdity,” and which “show[s] a high social relevance and extreme urgency."

On the occasion of the award, a major selection of Elmgreen & Dragset’s works will be on display across the Belvedere and the sculpture garden at Museum Würth 2, located in the Baden-Württemberg state, in south central Germany. Statue of Liberty, Fig. 2 (2018-2021), a sculpture that takes the form of an ATM that stands upon an original concrete fragment of the Berlin Wall, discusses how independence cannot be exchanged as currency often is, and reassesses the history of East Berlin. Displayed inside the Belvedere are works such as The Observer (2019), portraying a solitary man deep in thought on a balcony that represents private and public boundaries, Watching (2016), and The Painter. Adaptation, Fig. 2 (2018), previously shown at the duo’s solo exhibition with Kukje Gallery back in 2019, is placed in the sculpture garden. While the work takes the shape a conventional safety sign, its mirror-like stainless steel surface reflects its surroundings and visitors, providing an opportunity to reexamine the familiar canons of everyday life. Elmgreen & Dragset’s comprehensive presentation runs through February 6, 2022. 

엘름그린 & 드라그셋, 독일 브뤼트 미술관에서 ‘제14회 로버트 야콥센 상’ 수상전 개최 

아티스트 듀오 엘름그린 & 드라그셋의 ‘제14회 로버트 야콥센 상’ 수상을 기념하는 전시가 독일 남부의 뷔르트 미술관에서 10월 5일부터 열린다. 사회적, 일상적 클리셰에 끊임없이 질문을 제기하고, 이를 특유의 위트와 비판정신으로 표현해온 엘름그린 & 드라그셋은 올해 ‘제14회 로버트 야콥센 상’ 수상자로 선정되었다. 덴마크의 저명한 조각가 로버트 야콥센(Robert Jacobsen, 1912-1993)을 기리기 위해 독일 뷔르트 재단에서 제정한 ‘로버트 야콥센 상’은 2년에 한 번씩 영향력 있는 현대미술가를 선정, 상금으로 5만 유로를 수여한다. 1993년 룬 터크나우스키를 시작으로 예페 하인(2012), 마이클 세일스토퍼(2014/15), 윙페 홀렌(2016/17), 에바 로스차일드(2018/19) 등이 최근 이 상을 수상한 바 있다. 뷔르트 재단은 “엘름그린 & 드라그셋의 다면적인 작업은 진지함과 위트를 오가며, 사회적으로 가장 시급한 문제들을 다룬다”며 수상 이유를 밝혔다. 

이번 수상을 기념하여 엘름그린 & 드라그셋은 독일 남부 바덴뷔르템베르크주에 위치한 뷔르트 미술관에서 벨베데레 갤러리와 정원 공간을 아울러 주요 작품들을 선보인다. 베를린 장벽 돌조각에 세워진 ATM 기기 작품 <Statue of Liberty, Fig. 2>(2018-2021)는 화폐와는 달리 결코 교환될 수 없는 자유, 그리고 역사 속으로 사라진 동독에 대해 논평한다. 벨베데레 갤러리 내부에는 공과 사의 경계인 발코니에서 홀로 사색에 잠긴 어느 개인의 자화상인 <The Observer>(2019)와 함께 <Watching>(2016), <The Painter> 등 대표 작품이 설치되어 있다. 정원에는 지난 2019년 국제갤러리 개인전에서도 선보인 바 있는 <Adaptation, Fig. 2>(2018)가 전시된다. 일반적인 안전표지판에서 그 형식을 차용하되 거울 표면처럼 매끄럽게 처리된 스테인리스 스틸로 제작된 작품은 작품이 놓인 정원 공간과 그 안에 있는 관람객의 존재를 함께 반영함으로써 일상의 규칙들을 반추할 수 있는 환경을 조성한다. 엘름그린 & 드라그셋의 작업 세계 전반을 조망할 수 있는 이번 전시는 내년 2월 6일까지 계속된다.

[Source from Museum Würth 2 press release]
4 Anish Kapoor, Subject of Major Solo Exhibition Anish Kapoor: Painting at Modern Art Oxford, UK

Installation view of Anish Kapoor: Painting at Modern Art Oxford, London, 2021
Photo: Ben Westoby

Artist: Anish Kapoor(아니쉬 카푸어)
Exhibition Dates: October 2, 2021 – Feb 13, 2022
Exhibition Venue: Modern Art Oxford, London, UK
Website: https://www.modernartoxford.org.uk/whats-on/anish-kapoor-painting

The internationally renowned contemporary artist Anish Kapoor is the subject of a major solo exhibition titled Anish Kapoor: Painting at Modern Art Oxford, UK, on view through February 13, 2022. A rare opportunity that brings together a large number of paintings by the celebrated sculptor in one setting, Anish Kapoor: Painting presents approximately 18 oil paintings alongside eight sculptures.

The oil paintings featured in the exhibition have all been created during the pandemic, which led the artist to pose fundamental questions about life and death. Taking an intuitive approach, Kapoor responded to our times by creating works that focus on the essence of painting. The large-scale painting The world trembles when I retrieve from my ancient past what I need to live in the depths of myself (2020) depicts a scene from a volcanic eruption rendered in crimson red—reminiscent of blood. The bold, sweeping brushstrokes painted in intense red allude to both the life force and mortality of human bodies, evoking various physical risk factors that we are susceptible to and thus connoting our vulnerability.
Similarly, massive, energetic sculptures installed at the center of each gallery space captivate the audience by provoking a dramatic and intense response. Covered with thick layers of red and black paint, these sculptures are created with a mixture of waxes, acrylics, and fabrics, appearing quite different from the artist’s signature sculptures characterized by polished and reflective surfaces. The five sculptures installed in the Upper Gallery, for instance, evoke blood-stained organs, intestines, and body tissues, highlighting the vulnerability of the human body. Furthermore, Kapoor refers to numerous art historical paintings that depict violence, such as the flagellation of martyrs, the beheading of saints, and the atrocities of war. By continuing the traditions of painting and sculpture that harken back to the Renaissance, Kapoor places his work within a broader art historical context. In April, select works from Anish Kapoor: Painting will travel to the artist’s upcoming solo exhibition in Venice, scheduled to take place at Gallerie dell’Accademia and the Palazzo Manfrin, in conjunction with the 59th International Art Exhibition of the Venice Biennale.

아니쉬 카푸어, 영국 모던 아트 옥스퍼드에서 대규모 개인전 《Anish Kapoor: Painting》 개최

현대미술의 거장 아니쉬 카푸어의 개인전 《Anish Kapoor: Painting》이 영국 모던 아트 옥스퍼드(Modern Art Oxford)에서 오는 2월 13일까지 열린다. 본 전시는 조각가로 널리 알려진 작가의 회화 작업을 대거 만날 수 있는 흔치 않은 기회로, 18여 점의 유화가 8점의 조각과 함께 선보인다.

전시에 포함되는 유화는 모두 그가 팬데믹 기간 동안 작업한 것으로, 생명의 위협이 도사린 나날 속 삶과 죽음에 대한 작가의 근원적인 질문에서 시작되었다. 작가는 이를 매우 직관적인 방식으로 접근하며 회화의 본질에 충실한 작업으로 풀어내고자 했다. 예컨대 대형 회화 작업 <The world trembles when I retrieve from my ancient past what I need to live in the depths of myself>(2020)는 화산이 폭발하는 장면을 묘사하는데, 피를 연상시키는 새빨간 색으로 채색되어 있다. 생명력을 상징하는 동시에 역설적으로 죽음을 암시하는 빨간색의 거침없고 묵직한 붓놀림은 다양한 외부의 위험 요인에 노출되어 있는 인체 그리고 인간의 취약성을 시사한다.
한편 각 전시실의 중앙에 설치된 거대한 조각 작품들은 회화와 마찬가지로 생동감 넘치는 풍경을 만들어내며 관람객을 단번에 압도한다. 왁스, 아크릴 및 다양한 직물을 사용해 두터운 빨간색과 검은색의 물감으로 질감을 구현해낸 조각들은, 빛의 원리를 이용해 매끄러운 표면을 부각한 작가의 기존 주요 조각들과는 사뭇 다른 모습을 띤다. 특히 전시장의 어퍼 갤러리(Upper Gallery)를 아우르는 5점의 조각은 모두 피범벅이 된 장기, 내장, 각종 신체 조직 등을 묘사하며 육체적 존재의 위태로움을 탐구한다. 나아가 이는 채찍질 당하는 순교자, 참수당하는 성도, 전쟁의 잔해 등 성경 및 신화 속 인간사를 적나라하게 표현한 르네상스 미술을 상기시키며 카푸어의 작업 세계를 미술사적 맥락에서 재고하게 한다. 이번 전시의 일부 출품작들은 오는 4월 베니스 비엔날레의 기간에 맞춰 현지의 아카데미아 미술관과 만프린 성에서 열리는 작가의 대규모 개인전에서도 소개될 예정이다.

[Source from ‘Anish Kapoor: Painting’ exhibition notes, provided by Modern Art Oxford]