November 2021
1 SUPERFLEX, Subject of Solo Exhibition Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami at Kunsthaus Graz, Austria

Installation view of Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami at Kunsthaus Graz, Austria, 2021
Courtesy of the artists
Photo: Jakob Fenger

Artist: 수퍼플렉스(SUPERFLEX)
Exhibition Dates: November 26, 2021 – March 13, 2022 
Exhibition Venue: Kunsthaus Graz, Austria
Website: https://www.museum-joanneum.at/en/kunsthaus-graz/exhibitions/exhibitions/events/event/9999/superflex-6

The Danish artist collective SUPERFLEX is the subject of the solo exhibition Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami at Kunsthaus Graz, Austria, on view from November 26, 2021. Concluding their five-year project that began at the institution in 2017, the exhibition challenges the integrity of the global financial system and the value of money imposed by today’s neoliberal agenda. Questioning the role of artists within a contemporary society, SUPERFLEX has persistently contemplated the nature of existing economic and power structures. In this exhibition, which employs the framework of the Five-Year Plan—a centralized, systemic economic development initiative issued by governments—the artist collective presents a selection of works that prompts viewers to reevaluate the current global economic structure.

As a start to their five-year project in 2017, SUPERFLEX installed C.R.E.A.M (2017), a sculpture that takes the form of an ATM, at the foyer of the museum. Placed next to the chrome-plated, deactivated ATM sculpture is a poster that reads “Cash rules everything around me.” This combination creates an environment in which the fundamental elements of capitalism have lost their original function. In 2018, SUPERFLEX carried out their Free Shop project in shops located around the museum. By distributing goods to customers free of charge, the project raises questions about the internalized forms of commercial transaction. Subsequently in 2019, they mounted Number of Visitors (2019) above the entrance of the museum, a large counter that displays the total number of visitors to the museum which lampoons the criteria cultural institutions are judged upon for their success today. In 2020, the artist collective presented Lost Money / Handful (2019), an installation displaying euro coins distributed across the floor, so firmly attached they cannot be lifted. Along with these older works, the concluding exhibition presents major pieces such as We Are All In the Same Boat (2018) and Beyond The End of the World (2021). Also on view at the exhibition is Investment Bank Flowerpots (2021), a series of sculptures that take the form of a flowerpot. Suggesting a harmonious, symbiotic relationship and a new form of coexistence between species, the sculptures expand communal notions amidst the imperfections of the capitalist system. Commended for their utilization of art as a “tool” to discover inspiring solutions to some of today’s greatest challenges including sustainability and environment, SUPERFLEX received the Danish Crown Prince Couple's Cultural Award in September. The exhibition, which prompts viewers to contemplate the legitimacy, susceptibility, and duplicity of the capitalist system that seeps into every crack and corner of the world “sometimes as a fog, sometimes as a tsunami,” will remain on view through March 13, 2022.

수퍼플렉스, 오스트리아 쿤스트하우스 그라츠에서 개인전 《Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami》 개최

덴마크 출신의 3인조 작가 그룹 수퍼플렉스의 개인전 《Sometimes As A Fog, Sometimes As A Tsunami》가 오스트리아 쿤스트하우스 그라츠에서 11월 26일부터 열린다. 2017년 같은 미술관에서 열린 'Five-year plan'으로 시작된 5개년 프로젝트를 마무리하는 이번 전시는 신자유주의 체제 내에서 우리가 믿고 있는 글로벌 금융 시스템의 완전성과 화폐의 가치에 대해 질문을 던진다. 현대사회 속 작가의 역할에 대해 끊임없이 자문하며 경제 시스템과 생산 조건을 고찰하는 작업을 전개해온 수퍼플렉스는 이번 전시에서 흔히 경제개발계획으로 명명되는 ‘5개년 계획’이라는 주제 하에 현시점의 경제 체제를 새로운 시각으로 바라보게 하는 다수의 작품들을 선보인다. 

이번 5개년 프로젝트는 2017년 미술관 입구에 설치된 ATM 기기 형상의 작품 <C.R.E.A.M.>(2017)으로 시작되었다. 크롬으로 도금되어 ATM 본연의 기능을 잃은 이 작품은 ‘돈이 내 주위 모든 것을 지배한다(Cash rules everything around me)’라는 문구가 쓰인 포스터와 함께 설치되어 소비사회를 작동시키는 주요 요소가 무력화된 모습을 상징한다. 2018년에는 대가 없이 물건을 무료로 나누어 주는 <Free Shop>을 설치, 재화나 서비스를 돈을 받고 판매하는 내재화된 시스템에 의문을 제기했다. 2019년에는 미술관 펀딩의 주요 척도가 된 방문자 수 집계 체제를 비판하는 <Number of Visitors>(2019)를 설치했고, 2020년에는 바닥에 흩어진 채 고착되어 주울 수 없는 동전들을 보여주는 작품 <Lost Money / Handful>(2019)를 차례로 공개했다. 
이번 전시에서는 이러한 지난 작품들과 함께 <We Are All In the Same Boat>(2018), <Beyond The End of The World>(2021) 등 작가의 주요 작품들도 만날 수 있다. 전시 말미에는 식물을 소재로 한 <Investment Bank Flowerpots>(2021)를 통해 이 모든 불완전성에도 불구하고, 종들 간의 공존으로 탄생하는 확장된 공동체의 가능성을 시사한다. 한편 수퍼플렉스는 지난 9월 예술을 통해 현대사회가 마주한 환경과 지속가능성의 문제를 해결하고자 노력한 공을 인정받아 ‘덴마크 왕세자 부부 문화상(Danish Crown Prince Couple’s Cultural Award)’을 수상한 바 있다. 세계의 모든 틈에 ‘때로는 안개처럼, 때로는 쓰나미’처럼 스며드는 자본주의 체제의 진실과 변칙성, 허구성을 고찰하게끔 하는 이번 전시는 내년 3월 13일까지 계속된다. 

[Source from Kunsthaus Graz website]
2 Ugo Rondinone, Subject of Solo Exhibition vocabulary of solitude at Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki, New Zealand

Ugo Rondinone, vocabulary of solitude, 2014, polystyrene foam, epoxy resin, fabric. 
Installation view of Ugo Rondinone, vocaubulary of solitutde, Auckland Art Gallery Toi o Tamaki, 2021
Courtesy of the Artist and Galerie Eva Presenhuber, Zurich
Photo: Jennifer French

Artist: 우고 론디노네(Ugo Rondinone)
Exhibition Dates: November 20, 2021 – February 27, 2022
Exhibition Venue: Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki, New Zealand
Website: https://www.aucklandartgallery.com/whats-on/exhibition/vocabulary-of-solitude-by-ugo-rondinone

The Swiss contemporary artist Ugo Rondinone is the subject of a solo exhibition titled vocabulary of solitude, held at the Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki, New Zealand. The artist, who works across painting, sculpture, video, and installation, poetically reinterprets familiar imagery and explores the emotional and psychological depths of the human experience. Through his current installation, Rondinone presents an array of clown sculptures within a space encased in windows covered by rainbow-colored screen film, encouraging an introspection into human existence. 

Constructed with windows covered with multi-colored screen film, the exhibition space houses life-sized clown sculptures placed in various positions on the floor which is covered in vinyl, bringing a melancholy atmosphere to the room. For this exhibition, a sheet of colored screen film have been affixed to the front and back windows of the space. The clown figures—the main feature of this installation—exhibit a passive and lethargic attitude that strikes a stark contrast to their jubilant surroundings and festive costumes. Each of the clowns, titled after everyday acts such as “breathe,” “rise,” “taste,” “remember,” and “cry,” define “solitude” in discrete ways, while representing individuals who remain outside society’s mainstream. vocabulary of solitude, which is on view for free with the support of the Auckland Contemporary Art Trust, runs through February 27, 2022. 

우고 론디노네, 뉴질랜드 오클랜드 아트 갤러리 토이 오 타마키(Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki)에서 개인전 《vocabulary of solitude》 개최

스위스 출신의 현대미술가 우고 론디노네가 뉴질랜드에 위치한 오클랜드 아트 갤러리 토이 오 타마키(Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki)에서 개인전 《vocabulary of solitude》를 개최한다. 회화, 조각, 미디어, 설치 등 다양한 장르를 넘나드는 우고 론디노네는 일상적인 이미지들을 시적으로 재해석하고, 인간 내면의 깊은 곳을 탐구해왔다. 작가는 이번 개인전에서 무지개 빛이 드리워진 공간에 다수의 광대 조각을 펼쳐 보이며 인간의 존재론적 성찰을 도모한다. 

멜랑콜리한 분위기를 조성하는 론디노네의 설치작업은 무지개색 스크린 필름으로 도배된 전시장 유리 벽면, 고립된 채 제각기 다른 포즈를 취하고 있는 실물 크기의 광대 조각, 비닐로 덮인 바닥으로 구성되어 있다. 이번 전시를 위해 미술관 앞면과 뒷면에 위치한 유리 벽면 전면에는 스크린 필름이 부착됐다. 작업의 중심을 차지하는 광대 조각은 다채로운 천장 및 벽면, 그리고 화려한 옷과 상반되는 정적이고 무기력한 모습으로 ‘홀로 있음’의 정의를 자신만의 방식으로 표현하는 동시에 사회 변두리에서 소외된 일상을 살아가는 이들을 상징한다. 인간의 아주 평범하고도 일상적 행위들을 재현하는 광대들은 각각 ‘숨쉬기’, ‘일어나기’, ‘맛보기’, ‘기억하기’, ‘울기’ 등으로 이름 붙여진다. 오클랜드 현대미술 후원회(Auckland Contemporary Art Trust)의 지원을 받아 무료로 운영되는 본 전시는 2월 27일까지 진행된다. 

[Source from Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki website]
3 Hong Seung-Hye Showcases On Stage as part of Project Exhibition IMA Picks 2021 at Ilmin Museum of Art

Installation view of On Stage, 2021 at Ilmin Museum of Art, Seoul, Korea

Artists: 홍승혜(Hong Seung-Hye)
Exhibition Dates: November 19, 2021 – February 6, 2022 
Exhibition Venue: Ilmin Museum of Art, Seoul, Korea
Website: https://ilmin.org/exhibition/%e3%80%8aima-picks-2021%e3%80%8b/

The contemporary artist Hong Seung-Hye presents her solo exhibition On Stage as part of IMA Picks 2021, held at the Ilmin Museum of Art, Seoul, Korea, from November 19, 2021. As the museum’s annual project exhibition, IMA Picks 2021 highlights works by Hong Seung-Hye (b. 1959), Lee Eunsae (b. 1987) and Yun Suknam (b. 1939)—three female artists from discrete generations who have each inspired continuous discourse and shifts in the landscapes of the local and international contemporary art scenes. Each artist is designated a space within the museum’s galleries to showcase her work. Hong, who has spent decades constructing a unique practice that traverses between two-dimensional and three-dimensional works by combining and assembling the “pixel”—the basic unit of computer programming—embraces the role of a producer and director, showcasing a comprehensive span of her artistic vocabulary. 

Installed on the second floor of the museum, On Stage is a “stage” founded on the pixel, sporadically intervened by miscellaneous elements such as floors, walls, a circular stage, furniture, and posters. Hong utilizes this space to show one of her video works alongside five sculptures created by four sculptors who in the past were her students, and currently are her collaborators. The exhibition features aspects of a performance, inviting five performers—each identified as “the artist,” “the voice actor,” “the audience,” “the princess,” and “the lover”—who occupy the stage in the form of moving sculptures. On stage, their presence constructs a landscape where art intertwines with life, delivering Hong’s message that “art can touch upon the mundanity of everyday life, and that we can thus forge a collective world in which we all foster change.” Hong’s works, which derive from the organic form of the pixel, brings forth a new reality interweaved with abstract art, where various challenges exist relative to the space in which the works are placed. On stage runs through February 6, 2022, featuring performance sessions between 1pm to 5pm every Saturday. 

홍승혜, 일민미술관 3인전 《IMA Picks 2021》에서 《무대에 관하여》 개최

현대미술가 홍승혜가 일민미술관의 전시 《IMA Picks 2021》에 참가, 《무대에 관하여》전을 11월 19일부터 선보인다. 이번 전시는 국내외 예술 현장에서 지속적인 담론과 현상을 만들어온 세 명의 작가를 선정하는 일민미술관의 기획전시로, 홍승혜(b.1959)를 비롯해 이은새(b.1987), 윤석남(b.1939) 등 각기 다른 세대를 경험해 온 여성작가 3인이 참가해 각각의 전시를 꾸렸다. 지난 수십 년 동안 컴퓨터 프로그램의 기본 단위인 ‘픽셀’을 결합, 축적하며 평면과 입체를 넘나드는 작업을 전개해온 홍승혜는 이번 전시에서 연출가 또는 극장장으로 분해 폭넓은 작업을 선보인다.

일민미술관 2층에서 펼쳐지는 《무대에 관하여》는 픽셀에 근거한 무대로, 곳곳에 바닥과 벽, 원형 무대, 가구와 포스터 등이 가설된 장소이다. 홍승혜는 이곳 무대에서 자신의 영상 작업과 함께 제자이자 동료인 4명의 조각가가 제작한 5점의 조각을 선보인다. 퍼포먼스가 가미된 이번 전시에서는 ‘예술가’, ‘성우’, ‘관객’, ‘공주’, ‘연인’으로 분한 5명의 퍼포머들이 움직이는 조각으로 무대를 채우며 예술적 사건과 삶의 시간이 뒤엉키는 풍경을 만들어내고, 이로써 “예술이 평범한 일상에 닿고, 그로 인해 우리 모두가 공통의 세계를 바꿀 수 있다는 믿음을 표현하고자 했다”는 작가의 의도를 반영한다. 유기적 단위인 픽셀을 응용하여 추상미술을 현실에 개입시켜온 홍승혜의 작업은 이번에도 공간에 관한 여러 도전들이 혼재한 또다른 현실을 탄생시킨다. 내년 2월 6일까지 진행되는 이번 전시는 매주 토요일 오후 1-5시 사이 수시로 퍼포먼스를 선보인다. 

[Source from Ilmin Museum of Art’s website] 
4 Haegue Yang Presents Sonic Rescue Ropes, an Installation Commissioned by M+, Hong Kong, in Celebration of Its Opening

Haegue Yang, Sonic Rescue Ropes, 2021, nickel-plated bells, stainless steel chains, split rings, dimensions variable. Courtesy of the artist. Commissioned by M+, 2021
Installation view at M+, Hong Kong, 2021. 
Photo: Lok Cheng and Dan Leung, M+. Courtesy of M+, Hong Kong.

Artist: 양혜규(Haegue Yang)
Exhibition Dates: November 12, 2021 – November 12, 2022
Exhibition Venue: M+, Hong Kong
Website: https://www.mplus.org.hk/en/exhibitions/m-commission-haegue-yang/

The Korean contemporary artist Haegue Yang’s Sonic Rescue Ropes (2021), an installation commissioned by M+, is currently being presented at the museum which recently opened its doors to the public in the West Kowloon Cultural District of Hong Kong. Asia’s first museum dedicated to contemporary visual culture, M+ is led by director Suhanya Raffel and deputy director Doryun Chong, who jointly ranked 78 on the 2021 Power 100 list announced by the respected British arts magazine ArtReview. Designed by the Pritzker Prize-winning Swiss architecture firm Herzog & de Meuron, the expansive cultural institution houses 33 galleries, along with other various facilities including three cinemas, a research center, followed by a number of restaurants and bars. Under its slogan, “more than a museum,” M+ showcases a holistic collection of works from Hong Kong, Asia, and beyond. To celebrate its inauguration, M+ presents approximately 1,500 works across six special exhibitions including Antony Gormley and a selection drawn from the M+ Sigg Collection, along with ambitious commissioned works by Haegue Yang and Danh Vō.

Haegue Yang, known for her practice that interweaves a range of materials and historical references to create multisensory experiences, displays her Sonic Rescue Ropes at the museum’s subterranean display space called the ‘Found Space.’ Referencing her earlier work Sonic Ropes (2020-), introduced at her solo exhibition MMCA Hyundai Motor Series 2020: Haegue Yang―O₂ & H₂O at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, Sonic Rescue Ropes features gleaming cords of bells that drape down from the ceiling, linked together with metal rings. Designed in various sizes and forms, Sonic Rescue Ropes explores the myriad ways in which the body responds to the work; earlier wall-mounted works from the Sonic Sculptures (2013-) create rattling sounds when rotated by hand, while Sonicwear (2013-) is worn directly on the body, triggering a resonance between the physical touch and acoustic sensation. Meanwhile, in the freestanding sculpture Sonic Domesticus (2020), handles mediate the body and the work to build a relationship in between. Sonic Rescue Ropes, of which the ends are dropped down almost to touch the floor, similarly introduces a new form of interaction between the work and the body. Inspired by the Korean folktale Sister Sun and Brother Moon, the installation takes the form of a rope that provides an escape from the hardships of reality. Resonating a rattling sound vertically towards the ceiling, Yang’s multisensory installation stimulates the viewers’ sensorial intuition toward the world of imagination. While the current work will be activated occasionally throughout the duration of the exhibition, a new commission by Yang will be presented on-site in spring. 

양혜규, 홍콩 M+ 개관전에서 커미션 설치작품 <소리 나는 구명 동아줄> 공개

현대미술가 양혜규가 홍콩 서구룡문화지구에 새롭게 문을 연 홍콩 M+에서 커미션 설치작품 <소리 나는 구명 동아줄>(2021)을 선보인다. 아시아 최초의 컨템포러리 비주얼 문화 뮤지엄을 표방하는 M+는 지난 12월 1일, 영국의 저명한 미술지 ‘아트리뷰(ArtReview) 2021 파워 100’에 공동 78위로 선정된 수한야 라펠(Suhanya Raffel)과 정도련이 각각 관장, 부관장을 맡았다. 프리츠커 상을 수상한 스위스 바젤 출신의 듀오 건축가 헤르조그 앤 드 뫼롱(Herzog and de Meuron)이 설계를 맡은 이곳 미술관은 33개의 갤러리와 3개의 극장을 비롯해 리서치 센터, 레스토랑, 바(bar) 등을 갖춘 대규모 문화공간이다. ‘미술관 이상의 미술관’이라는 뜻을 지닌 M+는 홍콩, 아시아 작가의 작품뿐 아니라 아시아의 영향을 받은 전세계의 예술 작품을 폭넓게 선보인다. 이번 개관전에서는 안토니 곰리(Antony Gormley), 지그 컬렉션(Sigg Collection) 등 6개의 전시와 양혜규, 얀 보(Danh Vō)를 비롯한 여섯 작가의 커미션 작품을 포함한 총 1500여 점의 다채로운 작품으로 관객들을 맞이한다.

다양한 재료와 역사적 참조를 바탕으로 감각적 경험을 매개하는 작업을 전개해온 양혜규는 이번 개관전에서 지난 2020년 국립현대미술관 《MMCA 현대차 시리즈 2020: 양혜규-O2 & H2O》에서 선보인 <소리 나는 동아줄>(2020)을 변형, 확장한 작품을 지하 ‘파운드 스페이스(Found Space)’에서 선보인다. 방울을 금속 링으로 엮어 전시장 천장으로부터 길게 드리운 <소리 나는 구명 동아줄>은 그 크기와 형태를 달리하며 작품이 신체와 관계 맺는 방식을 새롭게 발견해 나간다. 손으로 회전시켜 소리를 내는 초기의 벽걸이형 작품에서 시작하여, 몸에 직접 착용해 신체와 청각 사이의 공명을 연출한 <소리 나는 의류>(2013-), 손잡이를 매개로 신체와 관계를 맺는 직립형 작품 <소리 나는 가물 家物>(2020)에 이어 이번 작품은 작품의 신체 대응 방식을 또 한번 변화시킨다. 전래동화에서 영감을 얻어 천장에서부터 땅에 닿을 듯 말 듯 길게 늘어진 이 동아줄은 현실의 시련으로부터 탈출을 돕는 오브제다. 작품을 흔들 때 발생하는 소리는 수직으로 공명하고, 천장으로 울려 퍼지는 소리는 해와 달이 된 오누이의 설화처럼 우리의 감각과 상상력을 동아줄 너머의 어딘가까지 닿게 한다. 작품은 전시 기간 중 시연될 예정이며, 오는 2022년 봄에는 작가의 새로운 커미션 작업이 이곳 미술관에 설치될 예정이다.

[Source from M+ Hong Kong press release]
5 Julian Opie, Subject of Solo Exhibition Julian Opie: Collected Works/Works Collected at Newlands House Gallery, Petworth, UK

Installation view of Julian Opie: Collected Works/Works Collected at Newlands House Gallery, Petworth. UK. 
Photo: Elizabeth Zeschin

Artist: 줄리안 오피(Julian Opie)
Exhibition Dates: November 6, 2021 – March 6, 2022
Exhibition Venue: Newlands House Gallery, Petworth, UK
Website: https://newlandshouse.gallery/exhibitions/julian-opie-collected-works-works-collected/

The British contemporary artist Julian Opie is the subject of a solo exhibition titled Julian Opie: Collected Works/Works Collected, on view through March 6, 2022 at Newlands House Gallery, Petworth, UK. Situated in a historic 18th-century townhouse, Newlands House Gallery opened its doors to the public in March of 2020 and has since staged exhibitions featuring prominent 20th-century artists. As its fifth exhibition—following those of celebrated artists such as Helmut Newton, Ron Arad, and Joan Miro—Julian Opie: Collected Works/Works Collected showcases over 100 pieces from the artist’s personal collection, ranging from antiquities to contemporary art, alongside a selection of his own sculptures, paintings, and films.

Opie has often referred to drawing inspiration from antiquities and works by other contemporary artists, mentioning that “the work of others pushes me beyond what I know and assume," and that it "suggests new logics and approaches.” In this context, Julian Opie: Collected Works/Works Collected provides yet another opportunity to reflect on the British artist’s interest in art spanning centuries of history.

Displayed in the exhibition are Opie’s paintings characterized by his signature style of simple lines and flat colors, LED installations, mosaic portraits, sculptures, and videos alongside his personal collection of art that has inspired his unique work. His collection of art spans a range of eras and genres, from Greco-Roman statuary and Egyptian sarcophagi to works by contemporary artists such as Chuck Close, Roy Lichtenstein, and Sol LeWitt. Each piece from the artist’s personal collection comes into intimate dialogue with his work. For instance, everyday scenes of Japanese women portrayed by the renowned Ukiyo-e printmaker Kitagawa Utamaro hang next to Ruth Smoking 2. (2006)—Opie’s animated LCD portrait of a woman smoking a cigarette, while silhouette portraits by the 19th-century French painter Auguste Edouard are presented in juxtaposition with Opie’s own series of silhouettes depicting his family and friends. Installed in the center of the garden is Yoko XIX (2006), the British contemporary artist Don Brown’s sculptural portrait of his wife, alongside two of Opie’s animal sculptures.

Meticulously curated in in consideration of the unique architecture of Newlands House Gallery, the show invites viewers to reflect on the stylistic and narrative similarities between works from a range of cultural milieus. In doing so, it places Opie’s oeuvre within a broader art historical context, providing a closer look into his artistic endeavor across various mediums and techniques.

줄리안 오피, 영국 뉴랜드 하우스 갤러리에서 개인전 《Julian Opie: Collected Works/Works Collected》 개최

현대미술가 줄리안 오피의 개인전 《Julian Opie: Collected Works/Works Collected》가 영국 페트워스의 뉴랜드 하우스 갤러리(Newlands House Gallery)에서 오는 3월 6일까지 열린다. 2020년 3월에 개관한 뉴랜드 하우스 갤러리는 18세기에 지어진 대저택을 보존하여 만든 공간으로, 20세기의 저명한 예술가들을 조명하는 다채로운 전시를 소개해왔다. 헬무트 뉴튼, 론 아라드, 호안 미로 등에 이어 다섯 번째로 열리는 이번 전시에서 줄리안 오피는 고미술부터 현대미술까지 100여 점에 이르는 본인의 컬렉션을 조각, 회화, 영상 작업 등과 함께 선보인다.

오피는 과거의 예술은 물론 동시대미술가들의 작품에서 예술적 영감을 얻는다고 종종 밝혀왔다. 그는 “다른 예술가들의 작업은 내가 상정하는 세상 너머로 나를 밀어붙이고, 대상에 대한 새로운 접근 방식과 논리를 제안한다”고 이야기한 바 있는데, 이번 전시 역시 세기를 넘나드는 예술에 대한 작가의 관심이 고스란히 반영되었다. 

전시장에는 간결한 선과 평면적인 색이 특징인 그의 시그니처 회화는 물론 LED 설치, 모자이크 작품, 조각, 영상 등이 이 모든 작업의 예술적 영감이 된 그의 컬렉션과 함께 배치되어 있다. 오피의 컬렉션은 고대 그리스와 로마의 조각상 및 이집트 석관부터 척 클로즈, 로이 리히텐슈타인, 솔 르윗 등 근현대미술 작가들의 작품까지 각 시대와 양식을 아우르는데, 각 수집품은 작가의 작업과 서로 긴밀하게 상호작용하며 흥미로운 대화를 이끌어 낸다. 예컨대 일본 에도 시대의 우키요에 화가 기타가와 우타마로의 미인도가 담배 피는 여성을 묘사한 오피의 LCD 애니메이션 작업 <Ruth Smoking 2.>(2006)와 나란히 배치되어 있으며, 19세기 프랑스 화가 오귀스트 에두아르의 실루엣 초상화가 가족과 지인을 형상화한 오피의 실루엣 연작과 함께 전시되는 식이다. 한편 정원에는 영국 현대미술가 돈 브라운이 자신의 부인을 묘사한 조각 <Yoko XIX>(2006)이 오피가 주변에서 마주하는 동물을 소재로 작업한 조각 두 점과 함께 설치되어 있다. 

전혀 다른 배경을 가진 작품 간의 양식적, 서사적 유사성과 해당 기관의 건축구조 등 다양한 요소를 염두에 두고 면밀히 설계된 본 전시는 오피의 작업 세계를 미술사적 맥락에서 재고하게 하며, 여러 소재와 기법을 활용해 작업하는 작가의 예술적 실험을 심도 있게 조명한다.

[Source from Newlands House Gallery website]
6 Jenny Holzer Reveals HURT EARTH, a Series of Large-scale Light Projections across the UK

Jenny Holzer, HURT EARTH, 2021
© 2021 Jenny Holzer, member Artists Rights Society (ARS), NY / DACS, UK
Photo: Adam Kenrick

Artist: Jenny Holzer
Exhibition Venues & Dates:
October 29 – 31, 2021 Tate Modern, London, UK
November 8, 2021 Edinburgh Castle, Edinburgh, UK│SEC Armadillo, Glasgow, UK
November 9 – 11, 2021 Met Tower, Glasgow, UK
November 12 – 14, 2021 Pop-up locations across Edinburgh, UK
Website: https://artforyourworld.wwf.org.uk/blog/40-news-jenny-holzer-hurt-earth-at-tate-modern-supporter-spotlight/

The American contemporary artist Jenny Holzer recently revealed a series of large-scale light projections, under the title HURT EARTH (2021), across the UK. This project coincides with the 26th annual United Nations Climate Change Conference of the Parties (COP26), which takes place in Glasgow and brings together leaders and delegates from approximately 120 countries. Intended to raise awareness of the climate crisis—one of the greatest challenges faced by humanity today—HURT EARTH launched at London’s Tate Modern and has traveled to major UK landmarks including Edinburgh Castle, the SEC Armadillo, and the Met Tower, and will be followed by a series of pop-up locations in Edinburgh through November 14, 2021.

For the past four decades, Holzer has utilized text as her primary medium to address pressing social issues and advocate political justice. For HURT EARTH, the artist has projected excerpts of writings, testimonies, speeches, and interviews from approximately 40 international leaders and activists onto different buildings, highlighting the precarious state of the climate crisis—an issue Holzer has always followed closely. Of the texts incorporated into the artwork includes a quote by the Swedish environmental activist Greta Thunberg, “IF WE CHOOSE TO ACT TOGETHER THERE ARE NO LIMITS TO WHAT WE CAN ACCOMPLISH,” along with one by Theodore Roosevelt, the 26th President of the United States, “THERE IS NOTHING MORE PRACTICAL IN THE END THAN THE PRESERVATION OF BEAUTY.” The use of such determined and intuitive language compellingly highlights the alarming intensity of climate change.

Inviting viewers to contemplate the bleak reality of the climate crisis, the sentences projected onto the façade of each building transforms what was once a familiar edifice into an entirely new piece of architecture. At a time when solidarity and collective action are most needed in order to address the current climate crisis, Holzer’s work initiates essential discourse on social and political activism within the art world.

제니 홀저, 영국 전역에 초대형 프로젝션 작업 <HURT EARTH>(2021) 공개

미국의 현대미술가 제니 홀저가 초대형 프로젝션 작업 <HURT EARTH>(2021)를 영국 전역에 선보인다. 기후위기에 대응하기 위해 세계 120여 개국의 정상이 참가, 영국 글래스고에서 개최되는 제26차 유엔기후변화협약 당사국총회(COP26)를 맞이해 기획된 본 프로젝트에서 작가는 기후변화라는 공통의 과제에 직면한 전세계에 경종을 울리는 메시지를 전한다. 작품은 런던의 테이트모던을 시작으로 오는 11월 14일까지 에든버러 성, SEC 아르마딜로, 메트 타워 등 영국의 주요 랜드마크에서 순차적으로 전시된다.

제니 홀저는 지난 40년간 언어를 주요 재료로 삼아 사회적 문제를 공론화하는 작업을 지속해왔다. 본인이 평소 관심 있게 바라본 기후변화 문제를 작업으로 승화한 이번 프로젝트에서 그는 전 세계 40여 명의 환경운동가 및 지도자들의 글과 연설 및 인터뷰에서 발췌한 문구를 건물에 투사하는 방식을 통해 기후위기의 심각성을 강조한다. 홀저는 스웨덴의 10대 환경운동가 그레타 툰베리(Greta Thunberg)의 연설에서 발췌한 “함께 행동하기로 결정한다면 우리가 성취할 수 있는 것엔 한계가 없다(If we choose to act together, there are no limits to what we can accomplish)”와 미국의 26대 대통령 시어도어 루스벨트(Theodore Roosevelt)의 명언 “아름다움을 보존하는 것만큼 실용적인 일은 없다(There is nothing more practical in the end than the preservation of beauty)”등 강경하고도 직관적인 문장들로 고조되는 기후위기에 대한 경각심을 일깨운다.

각 건물의 전면에 투사되는 제니 홀저의 글귀는 현지인들에게 친숙한 건물을 낯설고 새로운 공간으로 변모시킬 뿐만 아니라 이들로 하여금 인류가 당면한 현실을 직시하게 한다. 더 나아가 세계적 의제로 떠오른 기후위기에 대처하는 국제사회의 강화된 행동과 연대가 그 어느 때보다 절실한 지금, 홀저의 프로젝션 작업은 미술을 비롯한 문화예술계 내에서도 환경문제를 둘러싼 담론을 촉발하는 실천적인 예술로 크게 주목받고 있다.

[Source from ‘HURT EARTH’ press release, provided by Jenny Holzer Studio and Sutton]