­Kukje Gallery is pleased to present Easy Heavy, a solo exhibition of Na Kim, at Kukje Gallery Busan from May 8 to June 30, 2024. Since 2011, the artist has continuously engaged the questions that arise when a designer adopts artistic terms or visual language. In this way, Kim has consistently challenged the boundaries between design and art and expanded the definition of each. Moreover, Na Kim persists in her self-referential practice—based on her own design work—continuing to redefine the language of visual arts and exhibitions. Marking the artist’s first-ever solo presentation at Kukje Gallery, the exhibition features nearly 40 works, including paintings, collages, hanging sculptures, and wall paintings, all of which explore the expressive potential and utility of graphic design elements within an exhibition space.

While working with brands like COS, Hermès, and museum art shops as a designer, Na Kim has focused on unique narratives that emerge when objects and materials are placed in an unexpected context. What potential effects might arise from rearranging elements inherent to familiar objects and events? This question, originating from a design perspective, confronts a new challenge within the context of contemporary art and exhibition. By reframing the question, Na Kim establishes a situation where design practice intersects with the system of art, resulting in an interrelationship and cross-contextual exchange between the printed page and the exhibition wall. As a result, she has created a conceptual practice in which visitors are able to discover new aesthetic possibilities in graphic design that evolves its functional role to act as an interpreter of culture. Additionally, her works generate layered interactions among diverse visual arts fields, such as art, design, architecture, and crafts.

“Easy Heavy,” the title of this exhibition, refers to a collection of objects that appear light but are far from superficial. Graphic design is often perceived as dispensable due to its role in production and advertising. However, Na Kim presents the role of image culture differently, through sampling and editing. She also utilizes images as a visual language that evokes various elements related to the exhibition environment, thus making them perform as a thought-provoking catalyst. The gallery is divided into two spaces: the front space showcases the artist’s representative series of works, while the rear introduces her more recent work that attempts new forms of conversation with everyday visual languages that have been re-edited.

The artist’s representative series include her SET series (2015-), Piece series (2020-) which transfer parts of the SET series onto canvas, and the Found Composition series (2009-) where the artist explores sketching as a way of training herself. SET is a series in which Kim imposes a new order on visual elements found in various media, regardless of whether they are individual works, commission projects, or exhibition pieces. Na Kim collected works she had been developing between 2006 and 2015, removed their respective contexts, and reclassified them according to their geometric criteria to create a sort of sample book entitled SET. Kim has also been presenting a series of works under the same title which reinterpret their geometrical components after summoning them back into diverse spaces. This involves transferring the surface of the sample book to the flat surface of the wall. Consequently, the book itself becomes an exhibition manual. In this process, the artist explores the distinction between design and fine art, challenging their separation as antiquated by unfolding her own reorganized visual language across various media. Furthermore, she strives to create a more comprehensive system that dismantles the boundaries between the working practices and forms of the two domains.

Upon entering the exhibition space at Kukje Gallery Busan, visitors first encounter SET v.25: View N (2024) installed on the wall. This piece represents a variation from the original SET series and a mural in which Kim has altered the proportion of visual elements. This is in contrast to previous SET works that reproduce the proportions of the book’s page, aligning the height of the book design and the wall. Additionally, Piece 25-1 (2024), displayed alongside, is a painting where a part of the SET mural is transferred onto canvas. This creates an effect akin to viewing a segment of the mural in isolation, offering viewers the opportunity to engage with SET without any spatial constraints. In this context, SET serves not only as an autonomous artwork but also as a background composed of the same pattern as Piece. It prompts viewers to consider that the artist’s experimentation, which began from a design perspective, intersects with the ongoing dialogue in the history of painting concerning the relationship between figure and ground, as well as the border between two- and three-dimensions. In this way, Na Kim’s work illustrates a fluid journey from the “image” on the book page to the wall as a parallel plane, and then eventually to the traditional painting medium of canvas. In other words, it is her process of encoding the original and then subsequently decoding it by using the wall as a “medium.”

Installed on the adjacent wall is the Found Composition series, which originated from the artist’s habit of creating compositions using printed materials collected in A4 and A5 size formats. Using “found” everyday items such as stickers, wrapping paper, post-it notes, and envelopes, Kim engages with a daily practice of developing ideas, just as a painter produces sketches. At times, this practice becomes a part of preparatory work for a specific project. The works included in this exhibition belong to the latter case, as they are original images created for projects that have already been realized in the past. At once an archive and an independent work, the series encapsulates seminal aspects of Kim’s work, including her artistic method based on collection and rearrangement, the process in which rules are developed, and the way in which a work serves not so much as the result of her practice but as an intermediary agent.

In this way, the exhibition is a kind of stage for the artist. Voluntarily assuming the role of a director, she carefully examines given structures or functional features of an exhibition space and installs works in a way that organically responds to the context, instead of following the conventions of an exhibition. This approach is exemplified in the second space of the exhibition, where the artist has engaged an easily overlooked structure encircling a pillar near the entrance. After spray painting the top part of the structure, Kim created a mural work that unfolds across the four internal walls of the exhibition hall at the same height. The work’s title H1276 (2024) reflects its actual height (127.6cm) as well as that of the marked structure. Elsewhere in her oeuvre, Kim has consistently employed the method of utilizing functional characteristics of architecture and incorporating them as basic units of her creative projects. Her use of small and large compositional units to determine the internal systems and disciplines of an operation of a space is not only a process by which Kim, as a designer and an artist, takes a step closer to an exhibition environment, but also an artistic practice of removing the pre-existing context of an exhibition while reframing it with new, autonomous rules.

Geometrical shapes, numbers, and letters are arranged in a disorderly manner on the top and bottom of H1276 which spans the space. For these works, she first samples visual language that is mass-produced and easily encountered in everyday life, such as stickers or signs, through a process of abstraction. Then, she combines them with supports made of various materials including canvas, wool, acrylic, and gypsum. In fact, the artist has for a long time been obsessively collecting stickers full of graphic designs. The stickers, of course, hold Kim’s personal memories and experiences; however, when an instruction or functional statement of the object is combined with an editing process or display that is completely unsuited to what the statement communicates, it successfully challenges its meaning. For example, Final Notice (2023), a phrase used to pressure urgent payment or certain requirements, is typically expected to feature bold colors and a glossy surface for heightened visibility; flipping the script, Kim renders it in cozy wool instead. Similarly, in works like 001110223 (2024) or OP.QUS·TRVWX·Y·Z (2024), the remaining blank space formed by untacking numbers and alphabets from a sticker sheet is expressed pictorially with acrylic paint applied. The geometric forms that depart from the existing context bring about unexpected effects within the exhibition space, showcasing their potential as a new language or ‘medium’ that reflects the surrounding environment.

Faced with the task of representation, rather than revisiting the traditional context of art history, Na Kim references various conditions under which an art exhibition is made, reinterpreting it within the language of design. By recontextualizing two-dimensional printed material within the exhibition space, a three-dimensional platform, she is able to deconstruct the relationship between an artwork and its spatial context. This radical methodology that lies beyond genres and media is only made possible by Kim’s fluency in the worlds of both design and art. With this exhibition, Kim invites the viewers into an intriguing site for discussing aesthetic values up until now unarticulated within the existing art historical language.


About the Artist
After having studied Industrial Design at KAIST, Daejeon, and Visual Communication Design at Hongik University, Seoul, Na Kim (b. 1979) graduated in Typography (M.Des) from ArtEZ Werkplaats Typografie, Arnhem in 2008. As an artist, she explores the complex interaction between the given structure and accidental discovery. In doing so, she persistently gathers everyday objects and happenings, continuously rearranging them in fiction forms. Na Kim currently lives and works in Seoul and Berlin, carrying out diverse projects as both an artist and a designer, and also runs a project space, LOOM in Berlin. Kim’s major solo exhibitions include TYVMXZU!! (Efremidis, Berlin, 2023), TESTER (DOOSAN Gallery, Seoul, 2023), OUTSIDE IN: FFC on 6, 7, 8 (ICA, Philadelphia, 2021), Transitory Workplace, 56 (A to Z, Berlin, 2020), Bottomless Bag (Buk-Seoul Museum of Art, Seoul, 2020), and Found Abstracts (Gallery Factory, Seoul, 2011). She has also participated in numerous group exhibitions and events, including Lisbon Architecture Triennale, Lisbon (2019); Pinakothek der Moderne, Munich (2017); National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea (2015, 2013); Victoria and Albert Museum, London (2013); The Museum of Modern Art, New York (2012); and Milan Triennale Museum, Milan (2011). Na Kim’s works are included in the collections of the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea; Musée des Arts décoratifs, Paris; and Die Neue Sammlung – The Design Museum, Munich.

국제갤러리는 2024년 5월 8일부터 6월 30일까지 부산점에서 김영나의 개인전 《Easy Heavy》를 개최한다. 김영나는 2011년 이후 줄곧 디자이너가 미술 언어를 사용할 때 발생하는 흥미로운 지점들을 발견해가는 작업을 이어오고 있다. 그 과정에서 그는 디자인과 미술의 경계를 허물고 두 영역을 확장할 뿐 아니라, 시각예술의 언어와 전시의 맥락을 새롭게 규정하고자 스스로의 디자인 작업에 근간을 둔 자기 참조적 행위를 이어간다. 국제갤러리에서 선보이는 작가의 첫 개인전은 그의 회화 및 평면작업, 조각, 벽화로 구성된 근작 40여 점을 살펴보고, 전시장 내에서 전개되는 그래픽 디자인적 요소의 표현 가능성과 효용성을 탐색하고자 한다. 

김영나는 그래픽 디자이너로서 과거 코스(COS), 에르메스(Hermès) 같은 브랜드 또는 미술관 아트숍과의 프로젝트들을 진행하면서, 사물과 재료가 의외의 상황에 놓였을 때 발생하는 색다른 이야기에 주목한 바 있다. “익숙한 사물과 사건이 보유한 디자인적 요소를 새로운 시공간에 배열했을 때 얻을 수 있는 효과란 무엇일까?” 디자인적 관점에서 출발한 이 같은 질문은 현대미술과 전시장의 맥락 안으로 들어오면서 새로운 국면을 맞게 된다. 즉 디자이너에게는 ‘낯선’ 공간인 전시장 벽면과 인쇄물의 지면이 상호 참조하는 관계를 상정함으로써, 디자인적 실천이 미술 제도에 개입하는 상황을 연출한다. 그의 작업은 미술, 디자인, 건축, 공예 등 다양한 시각예술 장르 사이에서 층위를 더하고, 그로 인해 관람객은 그래픽 디자인이 단순한 기능적 표현을 뛰어넘어 문화를 해석하는 기호로서 그 역할을 확대해 나가는 새로운 미학적 가능성을 발견하게 된다.

전시 제목 ‘Easy Heavy’는 가벼워 보이지만 결코 가볍지만은 않은 대상들의 집합을 의미한다. 그래픽 디자인은 보통 대량생산이 가능해 기념품과 같이 수집 가능한 대상으로 여겨지지만, 김영나는 이 수집된 이미지들을 샘플링이나 재편집의 과정을 거쳐 완전히 다른 방식으로 재현하거나 전시장 환경과 관련된 여러 요소를 환기시키는 시각언어로 활용하기에 때로는 묵직한 촉진제 역할을 하기도 한다. 이번 전시는 크게 두 공간으로 구획되어 있는데, 첫 번째 공간은 작가의 대표 연작들을 선보이고, 이어 두 번째 공간에서는 일상 속에서 쉽게 접하는 시각 언어를 재편집해 새로운 소통을 시도하는 최근 작업들을 소개한다.
작가의 대표 연작은 〈SET〉(2015-), 〈SET〉에서 파생되는 일부를 캔버스 화면에 옮긴 〈조각(Piece)〉 연작(2020-), 그리고 디자이너로서 스케치하듯 수행하는 자세로 임하는 〈발견된 구성(Found Composition)〉 연작(2009-) 등으로 구성된다. 그중 〈SET〉는 개인 작업, 커미션 프로젝트, 전시 출품작 등에 관계없이 각 매체에서 발견되는 시각 요소에 새로운 질서를 부여한 연작이다. 2006년부터 2015년까지 진행했던 작업들을 모으고 각 맥락은 제거한 채 이들을 기하학적 기준에 준하도록 분류해 〈SET〉라는 일종의 샘플북을 만든 김영나는 그 내용을 다시 다양한 공간으로 소환해 재해석하는 동명의 연작을 선보이고 있다. 〈SET〉라는 샘플북의 지면이 벽이라는 평면으로 옮겨지는 작업이며, 작품집은 곧 전시 매뉴얼이 되는 셈이다. 그 과정에서 작가는 재정립된 그만의 시각언어를 다양한 매체를 통해 펼침으로써 디자인과 순수미술 사이의 구분이 구시대적임을 환기시키는 것을 뛰어넘어, 두 영역의 작업 절차와 형태의 경계를 허무는 보다 포괄적인 시스템을 만들기를 시도한다.

부산점 전시장에 들어설 때 가장 먼저 보이는 벽면에 설치된 〈SET v.25: View N〉(2024)은 기존 〈SET〉 작업에서 파생, 변형한 작품이다. 〈SET〉가 주로 책 지면의 높이와 벽 높이를 기준 삼아 지면의 비율을 그대로 벽에 옮겨 재현했다면, 이번 신작은 이미지의 비율을 달리한 벽화의 형태를 띤다. 한편 이와 함께 설치된 〈조각 25-1〉(2024)은 〈SET〉 벽화의 일부를 다시 캔버스 위에 옮겨 그린 회화 작업으로, 마치 벽화의 일부를 따로 떼어놓고 보는 것과 같은 효과를 불러와 장소에 구애받지 않고 〈SET〉의 감상이 가능하도록 한다. 이때 〈SET〉는 그 자체로 작품이면서 동시에 〈조각〉의 연장선에서 동일한 패턴으로 이루어진 배경이 되는데, 이로써 디자인적 태도에서 출발한 작가의 실험이 이미지와 배경(figure-ground)의 관계, 2차원과 3차원의 경계에 대해 질문해온 회화의 역사와 맞닿아 있음을 환기시킨다. 이처럼 김영나의 작업은 ‘이미지’가 지면이라는 평면에서 벽이라는 또 다른 평면으로, 이후 전통적인 회화 매체인 캔버스로 옮겨가는 자유로운 여정을 보여준다. 바꾸어 말하면, 벽면을 하나의 ‘매체’로 삼아 원본을 코드화하고 이를 다시 디코드하는 과정이다.
이어지는 벽면에 설치된 〈발견된 구성〉 연작은 A4, A5 사이즈의 판형에 수집한 인쇄물들을 가지고 구성을 만들어보는 작가의 습관에서 비롯된 작업이다. 김영나는 스티커, 포장지, 포스트잇, 봉투 등 말 그대로 ‘발견된’ 일상 용품들을 이용해 화가가 매일 스케치하듯 연습 삼아 구상을 해보기도 하고, 때로는 특정 프로젝트를 염두에 둔 밑 작업으로 준비하기도 한다. 본 전시에 포함된 작품들은 과거에 이미 구현된 프로젝트들을 위해 작업했던 원본 이미지로, 후자의 경우에 속한다. 아카이브이기도, 완결된 작품이기도 한 이 일군의 작업들은 김영나가 수집과 재구성을 도입하는 방식, 그 안에서 규칙이 생성되는 과정, 그리고 작품이 작업의 결과물이기 보다 상황의 매개물이 되는 면모를 모두 함축하고 있다.

김영나에게 전시는 일종의 무대와 같다. 전시의 관습을 따르는 대신 공간에 주어진 골격이나 기능적 특징들을 하나하나 살펴보며 이들에 유기적으로 대응하는 방식으로 작품을 만들고 설치하기에, 그는 스스로 연출가의 역할을 자처한다. 전시장의 두 번째 공간에서 그 예를 목격할 수 있는데, 작가는 간과하기 쉬운 전시장 출입구 부근의 기둥을 둘러싼 구조물에 주목하고, 그 상단에 스프레이 작업을 한 후 동일한 높이로 내부 전시장의 사면을 가로지르는 벽화 작업 〈H1276〉(2024)을 진행한다. 작품명은 구조물의 높이이자 작품이 설치된 높이(127.6cm)를 그대로 반영하고 있다. 이렇듯 건축물의 주어진 기능적 특징을 활용하고 이를 기본단위 삼아 작업의 일부로 표현하는 것은 그가 줄곧 즐겨 사용해온 방식이다. 이처럼 크고 작은 구성단위를 이용해 공간 내부의 작동 방식과 규율을 정하는 건 디자이너이자 작가로 활동하는 그가 전시에 한발 다가서는 과정이자, 기존의 전시 맥락을 제거하고 그에 자율적인 법칙을 부여하려는 예술적 실천이기도 하다.
공간을 가로지르는 신작 〈H1276〉의 상하단에는 기하학적 도형, 숫자, 알파벳 등이 무질서하게 배열되어 있다. 스티커나 표지판처럼 대량생산되어 일상에서 쉽게 접하는 시각 언어를 추상화의 과정을 거쳐 샘플링한 후 캔버스, 텍스타일, 아크릴, 석고 등의 다양한 재료의 지지체와 접목시킨 작품이다. 실제로 작가는 오랜 기간 그래픽 디자인이 가득한 스티커들을 강박적으로 수집해왔다. 여기에는 물론 작가 개인의 기억 및 경험도 담겨있지만, 사물이 담고 있는 지시문이나 기능적 문구에 의외의 편집 과정이나 전혀 어울리지 않는 지지체가 가미되었을 때 그 결과물은 상당히 흥미로워진다. 예를 들면 지불이나 특정 요구사항의 독촉을 의미하는 〈파이널 노티스(Final Notice)〉(2023)는 그 용도에 맞게 강렬한 색, 가시적인 유광의 표면일 거라는 예상을 뛰어넘어 포근한 모직으로 제작되었고, 〈001110223〉(2024)이나 〈OP.QUS·TRVWX·Y·Z〉(2024) 등은 스티커에서 숫자와 알파벳을 떼어 쓰고 남은 여백을 아크릴 물감을 이용해 회화적으로 표현되어 있다. 이처럼 기존의 맥락을 벗어난 기하학적 형태들은 전시장의 맥락 안에서 예상치 못한 효과를 불러오기에 주변 환경을 반영하는 새로운 언어, 즉 ‘매체’로서의 가능성을 보여준다.

이처럼 김영나는 스스로에게 주어진 재현의 과제를 두고 미술사의 전통적 맥락보다는 미술 전시가 만들어지는 여러 조건들을 디자인의 언어로 재고찰하며, 2차원의 플랫폼인 인쇄물과 3차원의 플랫폼인 전시공간의 어깨를 나란히 함과 동시에 작품과 공간의 관계성을 화두로 끌어올린다. 디자인과 미술의 두 영역 사이를 오가며 상호 참조하기에 가능해진 이 급진적인 방법론은 장르와 매체를 넘어서며 기존의 미술사적 언어로는 착안하지 못했던 미학적 가치들의 논의를 가능케 하는 흥미로운 장을 마련할 것으로 기대된다.

작가 소개
김영나는 한국과학기술원(KAIST) 산업디자인학과와 홍익대학교 시각디자인 석사과정을 졸업한 후 2008년에 네덜란드 아른험 미술대학에서 베르크플라츠 티포흐라피 석사과정을 마쳤다. 작가로서 그는 주어진 구조와 우연한 발견 사이의 복잡한 상호작용을 탐구한다. 또 그러기 위해 일상의 사물과 사건을 가지런히 수집하고, 이를 픽션의 틀 안에서 다시 정리하기를 반복한다. 현재 베를린과 서울을 오가며 작가와 디자이너로서의 작업을 병행하는 한편, 베를린에 위치한 프로젝트 스페이스 LOOM을 운영하고 있다. 주요 개인전으로는 베를린 에프레미디스 《TYVMXZU!!》(2023), 서울 두산갤러리 《TESTER》(2023), 필라델피아 ICA 미술관 《OUTSIDE IN: FFC on 6, 7, 8》(2021), 베를린 A to Z 《일시적인 작업실, 56》(2020), 서울시립 북서울미술관 《물체주머니》(2020), 서울 갤러리 팩토리 《발견된 개요(Found Abstracts)》(2011) 등이 있으며, 이외에도 리스본 건축 트리엔날레(2019), 뮌헨현대미술관(2017), 국립현대미술관(2015, 2013), 런던 빅토리아 앨버트 박물관(2013), 뉴욕현대미술관(2012), 밀라노 트리엔날레 디자인 뮤지엄(2011) 등 국내외 다수의 그룹전에도 참여했다. 그의 작품은 국립현대미술관, 파리 장식 미술 박물관, 뮌헨 디 노이에 잠룽-디자인 미술관 등에 소장되어 있다.