Kukje Gallery is pleased to present Yeondoo Jung’s The Inevitable, Inacceptable, a solo exhibition at the gallery’s Busan outpost from April 25 to July 20, 2025. Working across diverse mediums including video, photography, sculpture, and performance, Jung traverses and conjoins heterogeneous subjects, exposing fissures in our era through subtle observations and interweaving a new texture of senses. Marking his first solo exhibition at the gallery since 2008, The Inevitable, Inacceptable examines the intersection of two subjects, blues music and the rhythm of fermentation, weaving their distinct cultural frameworks together in unexpectedly powerful ways. Through his unique perspective, Jung elaborates on an attitude of humor and yearning as a means of surviving a reality that diverges from one’s intentions and expectations.

The exhibition space unfolds in five distinct yet interconnected conversations, each centered on a performer engaging with the specific material rhythms of their immediate surroundings. Each of these conversations is centered around one of five musicians, arranged in the interior space divided into polygonal structures of various colors. They are simultaneously playing different parts of blues music, each corresponding to the adjacent video, photography, and sculptures installed across from them and conveying their own story within the loose ensemble. Jung’s ongoing interest in the juxtaposition of visual images and sonic elements such as music, voice, intonation, and noise powerfully frame his philosophy about the invisible dynamism and vibrancy of life, which is made tangible through music. In particular, by focusing on blues music, Jung is able to tap into a farcical and boisterous imagination expressed in this genre and elaborate on a musical way of enduring inexplicable circumstances and inevitable difficulties. Rooted in the experiences of African Americans of the Deep South in the mid-nineteenth century following the Civil War, blues developed its distinctive rhythm and lyrics in response to the challenges of a harsh and unforgiving reality.

In resonance with the spirit of life expressed in blues, Jung has created Inevitable Blues (2025), which borrows the twelve-bar structure and instrumental composition of the genre, with guidelines from composer Ray Soul. Notably, Jung did not compose the piece beforehand; instead, he provided a tempo of 67 BPM and a set of chord progressions to different musicians and asked them to come up with numerous variations within the structure. He then assembled their individual performances into a single composition, cutting and layering each part to form a unified yet polyphonic whole. The result is a sonic manifestation of life’s rhythmic gestures, voiced in the sounds of contrabass, vocal, saxophone, organ, and drums, that altogether resonate as a piece of asynchronous symphony.

Upon entering the gallery, viewers first encounter Aching Fingers (2025), a sculpture consisting of five ceramic vessels that scintillates in accordance with the finger movements of the contrabass player. Much like the whimsical swing of blues music conceals hardship, or how the beautiful sounds of string instruments emerge with throbbing fingertips, Aching Fingers emanating colorful lights through a kaleidoscopic light effect visualizes the underside of the music. Juxtaposed with this atmospheric work, a vocalist with a comforting voice responds to the gestures of Koryoin, ethnic Koreans who settled in the former Soviet Union upon being forced to migrate due to historical and political circumstances. Having maintained a long-standing interest in the dislocated spatio-temporal experiences of migrants, Jung turns his attention to Koryoin and shares a slice of their lived experience. The interview with Koryoin, who in this particular case have relocated to Korea, is rewritten as a lyric and sung in the blues melody. Inscribed on the Indonesian batik fabric hung on the back wall, their stories are recorded with melted honeycomb and are tinted onto the fabric with domestic natural dyes made with gardenia, turmeric, and redroot gromwell, herbs often used in indigenous Korean medicinal treatments.

In harmony with the music, multifaceted images of fermentation flourish in the exhibition space. Jung, a self-taught brewer of makgeolli (a traditional Korean alcoholic beverage), connects the rhythms of this celebrated drink to blues music in general. Scrutinizing the fermentation process of makgeolli, which requires combination of rice grains and microbes known as nuruk, Jung observes that this is not merely a chemical and culinary phenomenon but echoes elements of cosmology, the fermentation resembling a divine realm accessible only through the dynamic between natural bodies, what the artist describes as “yearning.” In the gallery, the drums are played to the beat of popping bubbles, while the flour dough rises into a sourdough—like the breath of a performer—flowing in tandem with the sound of the saxophone. Adjacent to this work is Portrait of Bacillus (2025), a photographic series capturing goblin-like, crooked contours resembling faces that emerge in the white gaseous bubbles formed during the fermentation of meju (a traditional Korean fermented soybean block)—a process itself born of the interaction between beans and the exotic bacterium bacillus. Discovering human likenesses in the traces of fermentation, Jung’s playful photographs marvel at the natural world where difference and resemblance coexist, transforming these moments into humorous and earthly images.

The mystical microbial operations expand further into the creation of a universe. In response to the touch of the organ and piano, a percussionist scatters flour on a table, producing a screen reminiscent of the stars dispersed in the universe. Alongside this gesture of creation are photographs evoking a galaxy and a nebula. As revealed in the adjacent video, these images were formed by sprinkling baking flour onto black marble. This vast universe—born of a celebratory, wishful gesture of rubbing and clapping hands—turns out to be composed of the humble material of flour. Here, one encounters Jung’s signature irony, a subtle interweaving of light and grave, playful and solem, held in balance by the exhibition’s unique push and pull. In the face of life’s enigmatic mechanisms, Jung’s work challenges conventional categories, juxtaposing macro and microcosmic worlds with a spirit of humor and yearning, sustained by an abiding affection for life’s many wonders. In this exhibition-as-stage, music and image resound in polyphonic harmony—music that is the very rhythm of the heart, accompanying one through life's inevitable joys and sorrows as well as fate and coincidence.


About the Artist
Yeondoo Jung (b.1969) graduated from Seoul National University’s Department of Sculpture and received an MFA from Goldsmiths, University of London. Currently based in Seoul, Korea, Jung has focused on a variety of mediums ranging from photography and video to installation works both directly and indirectly involving performance. Often finding his subject matter in the quotidian experiences of everyday people, he interrogates invisible narratives and examines possibilities that stem from banal residues. In this process, he uses a relational method of interacting and collaborating with others, creating a threshold for moving between art and life, as well as the subject and object of art. Jung was the recipient of the “Artist of the Year” award by the National Museum of Contemporary Art, Seoul, in 2007, and has held major solo exhibitions at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul (2023); Ulsan Art Museum (2022); Norton Museum of Art, West Palm Beach, Florida (2017); Art Sonje Center, Seoul (2017); Musée d'Art Contemporain du Val-de-Marne (MAC VAL), Vitry-sur-Seine (2015); Art Tower Mito (2014); PLATEAU, Samsung Museum of Art, Seoul (2014); K11 Art space, Shanghai (2013); and PERFORMA 09, New York (2009), among other venues. Jung has also participated in Gangneung International Art Festival (GIAF) in 2025, the 30th Anniversary Exhibition of the Korean Pavilion at Venice Biennale in 2024, Gwangju Biennale in 2021, and Venice Architecture Biennale in 2016, among others. His work is represented in numerous collections worldwide, including the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea; Leeum Museum of Art, Seoul; Museum of Contemporary Art Tokyo; Museum of Modern Art, New York; Seattle Art Museum; and MAC VAL, Vitry-sur-Seine, among other venues.

국제갤러리는 오는 4월 25일부터 7월 20일까지 부산점에서 정연두의 개인전 《불가피한 상황과 피치 못할 사정들》을 개최한다. 영상, 사진, 조각, 퍼포먼스 등 다양한 매체를 아우르는 정연두는 그동안 이질적인 대상들을 횡단하고 접합하며, 시대의 틈을 드러내고 새로운 감각의 짜임을 만드는 작업을 해왔다. 국제갤러리에서 2008년 이후 처음 열리는 이번 개인전에서 작가는 블루스 음악과 발효의 리듬을 교차하면서 뜻대로 되지 않는 현실을 살아내는 유머와 염원의 태도를 그만의 독특한 시각으로 풀어낸다.

국제갤러리 부산점의 전시장은 블루스 음악의 각 파트를 연주하는 다섯 음악가들을 중심으로 꾸려지는데, 이들은 각각의 사연을 품은 느슨한 합주를 이어간다. 연주자들은 다채로운 색상의 다각형 구조체로 구획된 공간의 곳곳에 자리하며 마주 보고 있는 영상, 사진, 조각에 상호 응답한다. 시각 이미지와 음악, 목소리, 억양, 소음 등 청각적 요소의 병치에 관심을 가져온 작가는 이번 전시에서 가시화되지 않지만 귀로 듣고 피부로 느낄 수 있는 삶의 역동과 생기를 음악, 특히 블루스를 통해 직접적으로 제시한다. 19세기 중엽 미국 남부의 아프리카계 흑인들이 힘겨운 현실을 특유의 리듬과 가사로 풀어낸 이 장르에서 그는 설명되지 않는 상황과 피치 못할 난관을 통과하는 자조적이면서도 유쾌한 상상의 방식을 발견한다.
음악의 울림을 통해 표현되는 삶의 태도에 공감하며, 작가는 작곡가 레이 설(Ray Soul)의 가이드라인에 따라 블루스의 12마디 구조와 악기 편성을 차용한 〈피치 못할 블루스〉(2025)를 만든다. 그는 다른 장소, 다른 배경의 연주자들에게 별도의 작곡 없이 67 BPM의 느린 속도와 코드만을 제공하여 거듭된 연주를 요청한 뒤, 개별 곡조의 가닥을 자르고 쌓아 이를 하나의 협연으로 조율한다. 그리하여 생을 살아내는 개개인의 리드미컬한 몸짓은 전시장에서 콘트라베이스, 보컬, 색소폰, 오르간, 드럼 소리로 변환되어 한 편의 비동시적인 협주로 공명한다.

각 연주자들이 주변과 리듬을 이어받으며 나누는 다섯 개의 개별적인 대화로 구성된 전시장에 들어서면, 먼저 콘트라베이스 연주자의 손가락에 맞추어 빛을 발하는 항아리를 만나볼 수 있다. 유희적인 블루스 음악이 그 내면에 난처한 사연들을 품고 있고, 아름다운 악기 소리가 현과 마찰하는 손가락 끝의 아릿한 감각을 거쳐 생겨나는 것처럼, 만화경 효과를 통해 오색찬란한 빛을 발하는 항아리인 〈아픈 손가락〉(2025)은 음악의 이면을 시각적으로 형상화한다. 한편 푸근한 목소리의 보컬리스트는 러시아어로 적힌 자신의 사연을 들고 있는 고려인들의 몸짓에 응답하며 이들의 이야기를 노래한다. 이주민들의 탈구된 시공간 경험에 오랜 관심을 가져온 작가는 이번 전시에서 한국에 정착한 고려인에게 시선을 돌려 그들이 겪어온 삶의 단편을 들려준다. 개개인의 힘으로는 어찌할 수 없는 역사적, 정치적 상황에 따라 구소련 지역으로 강제 이주되어 살아온 고려인 후세대들의 인터뷰는 가사가 되어 블루스 멜로디 속에서 반복적으로 불린다. 이들의 사연은 인도네시아에서 유래하는 바틱(batik) 천 위에 새겨져 뒤편 벽에 걸리는데, 녹인 벌꿀집으로 기록된 이야기는 치자, 강황, 자초 등 약초로도 쓰이는 국내 천연 염색제를 통해 천 위에 물들여진다.

블루스 음악과 더불어 전시장에는 다채로운 발효의 이미지들이 펼쳐진다. 몇 해 전부터 막걸리를 손수 담아 온 작가는 쌀이 누룩의 균과 만나 이루어지는 발효의 섭리가 요리의 영역이라기 보다는 간절히 바랄 수밖에 없는 신의 영역에 가깝다고 생각하고, 그 신비한 세계의 리듬을 블루스 음악과 연결시켰다. 막걸리 기포가 터지는 박자에 맞춰 드럼이 연주되고, 사워도우가 되기 위해 부풀어 오르는 밀가루 반죽은 연주자의 숨처럼 색소폰 소리와 함께 흐른다. 나란히 전시되는 〈바실러스 초상〉(2025)은 메주를 만들 때 콩이 이국적인 바실러스 균과 만나 발효되어 피어오른 하얀 거품에서 도깨비 같이 삐뚤삐뚤한 얼굴들을 포착한 사진 연작이다. 이렇듯 작가는 발효의 흔적에서 우리와 닮은 모습을 찾아내며 다름과 닮음이 공존하는 경이로운 자연의 섭리를 친근하고 익살스럽게 전환시킨다.

미생물의 신비로운 작용은 또한 우주의 창조로도 확장된다. 오르간과 피아노가 연주되는 동안 퍼커셔니스트는 음악에 맞춰 밀가루를 흩뿌리며 우주를 연상시키는 화면을 만들어낸다. 이 창조의 몸짓 곁에는 은하와 성운처럼 보이는 사진들이 걸려 있는데, 이는 옆에 자리한 영상이 설명하듯 빵을 만들 때 사용하는 밀가루를 검은 대리석 위에 털어내어 만든 이미지이다. 소망하고 축하하듯 두 손을 비비고 박수를 치며 광활한 우주를 만들었건만 이를 이룬 물질은 알고 보면 밀가루라는, 가벼움과 무거움, 장난기와 엄숙함을 뒤섞는 작가 특유의 역설적 화법은 전시 전체를 밀고 당기며 균형을 이룬다. 이처럼 정연두는 세계의 불가해한 작동 앞에서 익숙한 범주들을 벗어나 지나치게 큰 세계와 지나치게 작은 세계를 병치하고 유머와 염원을 뒤섞으며 삶의 신비를 향한 애정을 잊지 않는 태도를 보여준다. 우연과 운명, 불가항력적인 삶의 희비극을 살아내는 마음의 리듬은 전시라는 무대 위, 서로 응답하는 음악과 이미지의 관계 속에서 한 편의 다성적 하모니로 펼쳐진다.


작가 소개
정연두(b.1969)는 서울대학교 조소과 졸업, 골드스미스 대학교 미술 석사를 졸업하고 현재 서울에서 활동 중이다. 작가는 퍼포먼스가 직·간접적으로 등장하는 사진, 영상, 설치 등 미디어 작업에 주력해 왔다. 주로 현대인의 일상에서 작업의 소재를 발견하고 보이지 않는 이야기들에 주목하며 그로부터 파생되는 가능성을 탐구한다. 이 과정에서 타인과 만나 대화하고 협업하는 관계적 방법론을 수행하면서 예술과 삶, 예술의 주체와 객체 사이를 넘나드는 문지방을 만든다. 국립현대미술관의 ‘2007년 올해의 작가’로 선정된 바 있으며, 주요 개인전으로는 국립현대미술관(2023), 울산시립미술관(2022), 미국 웨스트 팜 비치 노턴 미술관(2017), 아트선재센터(2017), 프랑스 비트리 쉬르 센 맥발 미술관(MAC VAL)(2015), 일본 아트 타워 미토(2014), 플라토 미술관(2014), 중국 상하이 K11 아트 스페이스(2013), 미국 뉴욕 PERFORMA 09(2009) 등이 있다. 2025년 강릉국제아트페스티벌, 2024년 제60회 베니스비엔날레 한국관 30주년 기념전, 2021년 광주비엔날레, 2016년 베니스비엔날레 국제건축전 등에 참여하였다. 현재 국립현대미술관, 리움미술관, 도쿄도현대미술관, 뉴욕현대미술관, 시애틀 미술관, 맥발미술관 등에 작가의 작품이 소장되어 있다.