Seoul K1 K2
Jang Pa Gore Deco
December 9, 2025 – February 15, 2026
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Introduction
Kukje Gallery is pleased to present Jang Pa’s solo exhibition Gore Deco, on view in the gallery’s K1 and K2 spaces from December 9, 2025, through February 15, 2026. Jang Pa’s paintings challenge fixed notions of "painting" and "beauty," visually exploring grotesque aspects of femininity and sensibilities of historically marginalized groups. Her work powerfully contests the male-dominated visual vocabularies of art and expands feminist subjectivity within the realm of painting, reconfiguring the female body and its sensations as autonomous forms rather than as “objects.” Marking her inaugural exhibition with Kukje Gallery, Jang Pa presents approximately 45 works, including the painting series Gore Deco, which gives the show its title, alongside drawings, etchings, and a silkscreened mural. Jang Pa’s new works continue to recontextualize traditional representations of women, employing humor and subversive critiques to overturn the male gaze and disrupt the persistent sexualization of the female body.
This exhibition critically examines the ways in which certain bodies and identities are subject to structural violence in contemporary society, focusing on the aesthetic hierarchies that underlie the notion of “decoration.” “Gore” in the exhibition title represents physical and metaphorical violence against the bodies of marginalized subjects, including women, queer, and other minorities. “Deco,” on the other hand, refers to the aesthetics and the social order implicated in the notion of decoration, which is often dismissed as trivial or subordinate. By juxtaposing these two distinct aesthetic sentiments, the exhibition visually explores the tensions and fissures that surround the dichotomies of body and decoration, the sublime and the disgust, and hierarchy and appreciation. Rather than leaving viewers with a negative or cynical stance toward the painting tradition, her works guide them to comprehend the limitations of established orders, while witnessing the expanded boundaries of pictorial expression and the possibilities of a new aesthetic.
This intersection of “Gore” and “Deco” is found throughout Jang Pa’s works in the K1 and K2 spaces. In the rear room of K1, triangular and cross-shaped canvases draw attention, bearing symbolic significance. The triangle, which symbolizes rationality in the history of art with its association with the Holy Trinity and linear perspective, is inverted, while the cross, traditionally a symbol of the spiritual realm, is filled with images of intestines and thereby “feminized” by the artist. The exhibition space itself is thus arranged to evoke a sanctuary filled with intestines, conceptually overturning the established orders. The narrow silkscreened mural, reminiscent of a classical architectural frieze, condenses the artist’s critical perspective on the history of female representation. Within the decorative format, the artist collects and aligns visual references of female bodies and identities subjected to social violence. Similar images appear intermittently throughout the paintings in the exhibition, as if they are inscribed onto the surface of internal organs. In this way, the decorative elements—drawn from the visual language of tattoos—incarnate the paint, turning it from painterly material into visceral bodily material.
On the second floor of K1, Jang Pa continues to redefine the role of the decorative through the uncanny clash between the grotesque skull and the bright, decorative colors. By accentuating the background’s chromatic vibrancy rather than the skull in the center of the canvas, the artist counters the traditional hierarchical relationship between figure and ground. In addition, by boldly incorporating non-traditional and abject materials such as ornaments, metal hardware, hair, gauze, and stickers as decorations, she disrupts the ideal of color as conceptual and destabilizes the hierarchy between concept and material while also challenging the conventional aesthetic order. These strategies replace the repressed scars with decorations, recover physical sensations, and transform the representation of pain into an experience of enjoyment.
The works on display in the K2 space reflect the artist’s interest in the various representational registers of the female body. She projects a range of sources including historical representation of women, images of contemporary misogyny on the internet, and verses from Emily Dickinson’s (1830–1886) poems onto canvas using silkscreen method, and juxtaposes them with the images of fragmented body, intestines, and “holes”―such as eyes, lips and other organs. Likewise, the artist’s strategy of actively embracing the hybridity between painterly purity and decorativeness evokes a sense of cynical play and creates a critical layer by temporarily collapsing the visual hierarchy and order. Here, the “body” is not simply a vehicle of pain, but is reconfigured as a subject that performs sensory subversion upon its traces. The wound depicted in the painting demands one’s gaze, and the fragmented body is comically hyperbolized, while pain is subverted into a form of mockery and play rather than being captured as passionate sincerity. Rather than a simple emotional comfort or humor, this laughter operates as a means for disrupting the institutionalized aesthetic sensibilities and ethical judgment.
Gore Deco seeks to recover the perspective elided by the traditional hierarchies inherent in the medium of painting. By bringing forward subordinated subjects and adopting new visual strategies, the exhibition expands the diversity and fluidity of contemporary pictorial language. This is an attempt to at once explore the possibilities of painting through alienated physical experiences and the historically marginalized idioms of decoration, as well as to reconfigure the boundaries of the medium. While the artist’s incorporation of art history, history of visual culture, and bodily materials associated with women may seem to convey resistance laced with improvisational humor and sarcasm, this ultimately attests to the artist’s powerful gaze and sincerity towards painting.
This exhibition critically examines the ways in which certain bodies and identities are subject to structural violence in contemporary society, focusing on the aesthetic hierarchies that underlie the notion of “decoration.” “Gore” in the exhibition title represents physical and metaphorical violence against the bodies of marginalized subjects, including women, queer, and other minorities. “Deco,” on the other hand, refers to the aesthetics and the social order implicated in the notion of decoration, which is often dismissed as trivial or subordinate. By juxtaposing these two distinct aesthetic sentiments, the exhibition visually explores the tensions and fissures that surround the dichotomies of body and decoration, the sublime and the disgust, and hierarchy and appreciation. Rather than leaving viewers with a negative or cynical stance toward the painting tradition, her works guide them to comprehend the limitations of established orders, while witnessing the expanded boundaries of pictorial expression and the possibilities of a new aesthetic.
This intersection of “Gore” and “Deco” is found throughout Jang Pa’s works in the K1 and K2 spaces. In the rear room of K1, triangular and cross-shaped canvases draw attention, bearing symbolic significance. The triangle, which symbolizes rationality in the history of art with its association with the Holy Trinity and linear perspective, is inverted, while the cross, traditionally a symbol of the spiritual realm, is filled with images of intestines and thereby “feminized” by the artist. The exhibition space itself is thus arranged to evoke a sanctuary filled with intestines, conceptually overturning the established orders. The narrow silkscreened mural, reminiscent of a classical architectural frieze, condenses the artist’s critical perspective on the history of female representation. Within the decorative format, the artist collects and aligns visual references of female bodies and identities subjected to social violence. Similar images appear intermittently throughout the paintings in the exhibition, as if they are inscribed onto the surface of internal organs. In this way, the decorative elements—drawn from the visual language of tattoos—incarnate the paint, turning it from painterly material into visceral bodily material.
On the second floor of K1, Jang Pa continues to redefine the role of the decorative through the uncanny clash between the grotesque skull and the bright, decorative colors. By accentuating the background’s chromatic vibrancy rather than the skull in the center of the canvas, the artist counters the traditional hierarchical relationship between figure and ground. In addition, by boldly incorporating non-traditional and abject materials such as ornaments, metal hardware, hair, gauze, and stickers as decorations, she disrupts the ideal of color as conceptual and destabilizes the hierarchy between concept and material while also challenging the conventional aesthetic order. These strategies replace the repressed scars with decorations, recover physical sensations, and transform the representation of pain into an experience of enjoyment.
The works on display in the K2 space reflect the artist’s interest in the various representational registers of the female body. She projects a range of sources including historical representation of women, images of contemporary misogyny on the internet, and verses from Emily Dickinson’s (1830–1886) poems onto canvas using silkscreen method, and juxtaposes them with the images of fragmented body, intestines, and “holes”―such as eyes, lips and other organs. Likewise, the artist’s strategy of actively embracing the hybridity between painterly purity and decorativeness evokes a sense of cynical play and creates a critical layer by temporarily collapsing the visual hierarchy and order. Here, the “body” is not simply a vehicle of pain, but is reconfigured as a subject that performs sensory subversion upon its traces. The wound depicted in the painting demands one’s gaze, and the fragmented body is comically hyperbolized, while pain is subverted into a form of mockery and play rather than being captured as passionate sincerity. Rather than a simple emotional comfort or humor, this laughter operates as a means for disrupting the institutionalized aesthetic sensibilities and ethical judgment.
Gore Deco seeks to recover the perspective elided by the traditional hierarchies inherent in the medium of painting. By bringing forward subordinated subjects and adopting new visual strategies, the exhibition expands the diversity and fluidity of contemporary pictorial language. This is an attempt to at once explore the possibilities of painting through alienated physical experiences and the historically marginalized idioms of decoration, as well as to reconfigure the boundaries of the medium. While the artist’s incorporation of art history, history of visual culture, and bodily materials associated with women may seem to convey resistance laced with improvisational humor and sarcasm, this ultimately attests to the artist’s powerful gaze and sincerity towards painting.
국제갤러리는 오는 12월 9일부터 2026년 2월 15일까지 K1과 K2에서 장파의 개인전 《Gore Deco》를 개최한다. 장파는 회화와 글을 통해 ‘그림’과 ‘아름다움’에 대한 고정된 개념을 비판하며, 여성적 그로테스크와 역사적으로 타자화된 감각들을 시각적으로 탐구해왔다. 그는 남성 중심의 시각 언어에 의문을 제기하고, 여성주의적 주체성을 회화적 어법으로 확장하며, 여성의 신체 및 감각을 주체적 형상으로 재구성한다. 국제갤러리에서 처음 열리는 이번 개인전은 전시 제목과 동명인 회화 연작 〈Gore Deco〉를 비롯해 드로잉, 동판화, 실크스크린 벽화 등 다양한 매체의 작품 약 45점을 선보인다. 이를 통해 작가는 전통적 여성 이미지를 재맥락화하고, 유머와 비틀기를 활용하여 기존의 시선을 전복하고자 한다.
《Gore Deco》는 우리가 살아가는 사회에서 신체와 정체성이 폭력적 구조에 놓이게 되는 방식을 비판적으로 탐구하며, 동시에 ‘장식’이라는 개념이 내포한 위계적 함의에 주목한다. ‘Gore’는 여성, 퀴어, 소수자 등 중심부에서 배제된 주체들의 신체에 가해지는 물리적·상징적 폭력을, ‘Deco’는 종종 하찮거나 부수적인 것으로 간주되어온 장식성과 그에 얽힌 미적·사회적 질서를 상징한다. 전시는 서로 생경한 두 감각을 병치함으로써, 신체와 장식, 숭고와 혐오, 위계와 향유 사이의 미묘한 긴장과 균열을 회화적으로 풀어낸다. 이는 관람객으로 하여금 단순히 회화적 전통 자체를 해체하고 부정하고 냉소하는 것에 머물게 하는 대신, 기존 질서의 편협함을 감각적으로 수용하고 회화적 표현의 확장된 경계와 새로운 미학의 가능성을 목도하도록 이끈다.
‘Gore’와 ‘Deco’, 두 요소의 만남은 K1과 K2의 전시장 곳곳에서 발견된다. 먼저, K1 1층 안쪽에 자리한 전시장에서는 상징성을 띤 삼각형과 십자가 형태의 캔버스들이 시선을 사로잡는다. 성삼위일체와 원근법의 역사 이래 인간의 이성을 상징해온 삼각형은 거꾸로 걸려 있으며, 영적 영역을 상징하는 십자가는 내장 이미지로 장식된 채 ‘여성화’되어 있다. 마치 내장이 걸린 교회에 들어선 듯 기괴한 느낌을 주는 이 공간은 기존 질서를 개념적으로 해체할 뿐만 아니라, 고대 건축 양식의 프리즈(frieze)를 연상시키는 실크스크린 기법의 벽화를 통해 과거 여성 재현의 이미지사(史)를 바라보는 작가의 비판적 관점을 응축한다. 장파는 여성의 몸과 정체성이 역사적 맥락 속에서 사회적 폭력 구조에 포획되는 예시들을 수집해 이를 장식적인 틀 안에 열거한다. 이러한 이미지들은 회화 곳곳에서도 발견되는데, 마치 내장의 표면에 아로새겨진 것처럼 보인다. 이는 타투라는 장식적 요소를 통해 회화의 재료인 물감을 한순간 육화하고 회화 감상의 전통적 관행을 교란시키려는 작가의 전략인 셈이다.
K1 2층 전시장에서 장파는 해골 도상의 그로테스크함이 다채로운 색감, 그리고 장식성과 충돌하며 자아내는 기이함을 바탕으로, 하위 범주로 자리매김해 온 장식의 역할을 재정의한다. 그는 캔버스 중앙의 해골 형상보다 형형색색 화려한 색감의 배경을 더욱 부각시킴으로써 회화에서 전통적으로 통용되어온 형상과 배경의 위계를 무력화한다. 또한 회화면에 장식물, 금속 하드웨어, 머리카락, 거즈, 스티커 같은 비전통적이며 비천한(abject) 재료들을 장식적 요소로 과감히 도입해, 개념화된 색채의 이상을 방해하고 개념과 물질 사이의 경계를 해체한다. 이러한 작가의 방식은 억압된 육체의 상흔을 장식으로 치환하고, 육체적 감수성을 회복시키며, 고통의 재현을 향유의 경험으로 전환한다.
K2 전시장에서 장파는 여성의 신체가 다루어지는 방식에 관심을 갖고, 역사 속 여성 재현의 이미지뿐 아니라 인터넷에서 발견한 동시대의 여성혐오 이미지, 에밀리 디킨슨(Emily Dickinson, 1830–1886)의 시구 등을 실크스크린 기법으로 캔버스에 전사한 후 파편화된 신체, 내장, 눈과 입술 같은 ‘구멍’의 이미지와 병치한다. 이처럼 회화적 순수성과 장식성 사이의 혼종성을 적극적으로 포용하는 작가의 전략은 냉소적 유희를 불러일으키며, 시각적 위계와 질서를 일시적으로 붕괴시켜 비판적 층위를 형성한다. 여기서 ‘몸’은 단순히 고통의 대상에 머물지 않고, 그 흔적을 발판 삼아 감각적 전복을 수행하는 주체로 재구성된다. 회화 속의 상처는 응시를 요구하고, 분절된 육체는 우스꽝스러울 만큼 과장되며, 고통은 정념적 진지함에 포획되기보다 조롱과 유희의 형식으로 비틀린다. 이러한 웃음은 단순한 위안 혹은 해학이 아니라 제도화된 미적 감수성과 윤리적 판단을 교란시키는 수단으로 작동한다.
《Gore Deco》는 하위주체들의 감각과 새로운 시각적 전략을 통해 회화에 내재된 전통적 위계가 놓친 시선을 복원하고 동시대 회화 언어의 다양성과 유동성을 확장시키고자 한다. 이는 소외된 신체 경험과 장식의 감각을 매개로 회화가 지닌 가능성을 탐색하는 동시에 그 한계를 재구성하려는 시도다. 장파가 미술사와 이미지사를 참조하고 여성 신체를 둘러싼 다양한 소재를 활용하는 방식은 때로는 즉흥적이며 사르카즘이 섞인 유머를 동반한 저항으로 보일 수 있지만, 종국에 이는 작가가 회화를 향해 품고 있는 뚜렷한 응시와 진지한 태도를 드러내는 장으로 기능한다.
《Gore Deco》는 우리가 살아가는 사회에서 신체와 정체성이 폭력적 구조에 놓이게 되는 방식을 비판적으로 탐구하며, 동시에 ‘장식’이라는 개념이 내포한 위계적 함의에 주목한다. ‘Gore’는 여성, 퀴어, 소수자 등 중심부에서 배제된 주체들의 신체에 가해지는 물리적·상징적 폭력을, ‘Deco’는 종종 하찮거나 부수적인 것으로 간주되어온 장식성과 그에 얽힌 미적·사회적 질서를 상징한다. 전시는 서로 생경한 두 감각을 병치함으로써, 신체와 장식, 숭고와 혐오, 위계와 향유 사이의 미묘한 긴장과 균열을 회화적으로 풀어낸다. 이는 관람객으로 하여금 단순히 회화적 전통 자체를 해체하고 부정하고 냉소하는 것에 머물게 하는 대신, 기존 질서의 편협함을 감각적으로 수용하고 회화적 표현의 확장된 경계와 새로운 미학의 가능성을 목도하도록 이끈다.
‘Gore’와 ‘Deco’, 두 요소의 만남은 K1과 K2의 전시장 곳곳에서 발견된다. 먼저, K1 1층 안쪽에 자리한 전시장에서는 상징성을 띤 삼각형과 십자가 형태의 캔버스들이 시선을 사로잡는다. 성삼위일체와 원근법의 역사 이래 인간의 이성을 상징해온 삼각형은 거꾸로 걸려 있으며, 영적 영역을 상징하는 십자가는 내장 이미지로 장식된 채 ‘여성화’되어 있다. 마치 내장이 걸린 교회에 들어선 듯 기괴한 느낌을 주는 이 공간은 기존 질서를 개념적으로 해체할 뿐만 아니라, 고대 건축 양식의 프리즈(frieze)를 연상시키는 실크스크린 기법의 벽화를 통해 과거 여성 재현의 이미지사(史)를 바라보는 작가의 비판적 관점을 응축한다. 장파는 여성의 몸과 정체성이 역사적 맥락 속에서 사회적 폭력 구조에 포획되는 예시들을 수집해 이를 장식적인 틀 안에 열거한다. 이러한 이미지들은 회화 곳곳에서도 발견되는데, 마치 내장의 표면에 아로새겨진 것처럼 보인다. 이는 타투라는 장식적 요소를 통해 회화의 재료인 물감을 한순간 육화하고 회화 감상의 전통적 관행을 교란시키려는 작가의 전략인 셈이다.
K1 2층 전시장에서 장파는 해골 도상의 그로테스크함이 다채로운 색감, 그리고 장식성과 충돌하며 자아내는 기이함을 바탕으로, 하위 범주로 자리매김해 온 장식의 역할을 재정의한다. 그는 캔버스 중앙의 해골 형상보다 형형색색 화려한 색감의 배경을 더욱 부각시킴으로써 회화에서 전통적으로 통용되어온 형상과 배경의 위계를 무력화한다. 또한 회화면에 장식물, 금속 하드웨어, 머리카락, 거즈, 스티커 같은 비전통적이며 비천한(abject) 재료들을 장식적 요소로 과감히 도입해, 개념화된 색채의 이상을 방해하고 개념과 물질 사이의 경계를 해체한다. 이러한 작가의 방식은 억압된 육체의 상흔을 장식으로 치환하고, 육체적 감수성을 회복시키며, 고통의 재현을 향유의 경험으로 전환한다.
K2 전시장에서 장파는 여성의 신체가 다루어지는 방식에 관심을 갖고, 역사 속 여성 재현의 이미지뿐 아니라 인터넷에서 발견한 동시대의 여성혐오 이미지, 에밀리 디킨슨(Emily Dickinson, 1830–1886)의 시구 등을 실크스크린 기법으로 캔버스에 전사한 후 파편화된 신체, 내장, 눈과 입술 같은 ‘구멍’의 이미지와 병치한다. 이처럼 회화적 순수성과 장식성 사이의 혼종성을 적극적으로 포용하는 작가의 전략은 냉소적 유희를 불러일으키며, 시각적 위계와 질서를 일시적으로 붕괴시켜 비판적 층위를 형성한다. 여기서 ‘몸’은 단순히 고통의 대상에 머물지 않고, 그 흔적을 발판 삼아 감각적 전복을 수행하는 주체로 재구성된다. 회화 속의 상처는 응시를 요구하고, 분절된 육체는 우스꽝스러울 만큼 과장되며, 고통은 정념적 진지함에 포획되기보다 조롱과 유희의 형식으로 비틀린다. 이러한 웃음은 단순한 위안 혹은 해학이 아니라 제도화된 미적 감수성과 윤리적 판단을 교란시키는 수단으로 작동한다.
《Gore Deco》는 하위주체들의 감각과 새로운 시각적 전략을 통해 회화에 내재된 전통적 위계가 놓친 시선을 복원하고 동시대 회화 언어의 다양성과 유동성을 확장시키고자 한다. 이는 소외된 신체 경험과 장식의 감각을 매개로 회화가 지닌 가능성을 탐색하는 동시에 그 한계를 재구성하려는 시도다. 장파가 미술사와 이미지사를 참조하고 여성 신체를 둘러싼 다양한 소재를 활용하는 방식은 때로는 즉흥적이며 사르카즘이 섞인 유머를 동반한 저항으로 보일 수 있지만, 종국에 이는 작가가 회화를 향해 품고 있는 뚜렷한 응시와 진지한 태도를 드러내는 장으로 기능한다.
