Objects have been losing their innate attributes in the current trend of dematerialization in contemporary art. Although such is the trend in art, Anish Kapoors works capture the attention of the audience allowing them not only to observe the objects material traits, such as the works massive volume and colossal scale, but also feel the invisible flow of energy that emanates from the objects. In other words, his objects simultaneously display characteristics of the material and immaterial.

The influence of Carl Jung led Kapoor to study organic shapes of human forms, and his life in India confronted him with the balance of power generated from conflicts, contradictions, and disagreements of ideas and beliefs. As such, his works are reflections and representations of the artists personal experiences. His works often expose outlines of shapes to illustrate the invisible flow of air, especially, the works made of polished aluminum which mimic a mirror, absorb and replicate the peripheral spaces on the works surfaces. Such effects create an illusion to the viewers as if they are peering into another dimension. In addition, Kapoors massive stone works portray a passage to another space. The natural stones that have been carved and painted depict not only the artificial touch of humans, but also evoke reverent emotions, which can transcend the viewers into an unknown space. Furthermore, the deep pigments applied in these works induce the viewers to discover unfamiliar objects in the space.

In this exhibition, Kapoors works present a mutual relationship and a synchronism of positive space and negative space, beyond the usual custom of accepting a material as material. When the contemporary art world is overflowing with hybrid, immaterial, and digital images, Kapoors works will provide yet another opportunity to observe sculptures with a more positive approach to see past their physicality.

인도의 봄베이에서 태어나 70년대 초반 이후 런던에서 거주하며 활동하고 있는 아니쉬 카푸어는 그의 세대에서 최고의 영향력 있는 조각가 중의 한사람 으로 꼽힌다. 그의 작업은 전 세계적으로 전시되었고 수많은 작품들이 런던의 테이트 미술관(The Tate Gallery), 뉴욕 모던 아트 미술관(The Museum of Modern Art), 마드리드의 레이나 소피아 미술관(Reina Sofia), 암스테르담의 스테데릭 미술관(Stedlijk Museum)등 개인과 공공 기관에 소장되어있다.

카푸어는 자신의 작품을 존재와 부재, 있음과 없음, 장소성과 비장소성, 유형성과 무형성 등의 형이상학적인 양극성에 깊이 뿌리를 두고 있다고 보고 있다. 그는 합성수지(resin)의 투명성, 안료의 흡수성, 설화석고의 반짝임과 스테인레스 스틸과 물의 유체적 투영성 등의 조각을 통한 음영에 대한 매력을 매우 명확하게 드러낸다. 형태와 빛 사이의 상호작용을 통하여 근본적으로 육체적이며 심리적인 상태에 대한 숭고한 경험을 하게한다.

아니쉬 카푸어는 1990년 제44회 베니스 비엔날레의 영국관에 작품을 출품하여 "프리미오 2000 (Premio 2000)"을 수상하였고 1991년에는 "터너상(Turner Prize)"을 수상하였으며 1992년에는 도큐멘타 9에 참가, Descent into Limbo를 세웠다. 같은 해에 거대한 건축적 작품인 Building for Void를 엑스포 세빌(Expo Seville)에서 의뢰 받기도 하였다. 또한 2002년에는 런던의 테이트 모던(Tate Modern)에서 의뢰 받아 Marsyas 라는 대규모의 조각을 제작했다. 이 작품은 미술관의 특정한 공간을 위하여 제작된 작품으로 PVC라는 소재를 잡아 늘여서 세 개의 강철로 만든 고리에 씌운 작품이다.