Swimming in the open ocean gave me a new relationship to my body. Normally, I privilege imagination and mind space over the body, which corresponds with my tendency toward abstraction. Depending on my body as a vehicle brought me away from abstraction—in a strange way, it was grounding, and brought me towards representation.
– Byron Kim

Kukje Gallery is pleased to present Marine Layer, a solo exhibition of new works by Byron Kim, on view from March 17 to April 23, 2023. Five years since his first presentation, Sky, in the gallery’s Seoul space, this also marks the artist’s first exhibition in Busan.

Byron Kim's painting practice adeptly balances formal ingenuity with conceptual sophistication. Through keen observation of the prosaic yet profound details in everyday life, Kim explores the relationship of parts to a whole, teasing insightful meaning from otherwise ordinary elements. Often worked out through open-ended series, the artist uses seriality and intimate focus to capture layered phenomenological studies of identity and place.

His breakthrough work Synecdoche (1991-ongoing), first shown at the 1993 Whitney Biennial, epitomizes this approach. Composed of nearly five hundred uniformly sized panels, each monochrome canvas faithfully reproduces the unique skin tone of a single subject. In its minimal expression, the fragmented bodies depicted in these works enclose the sensuous history of portraiture, as well as issues of representation and identity. In a similar vein, Sunday Paintings is a series that Kim has worked on every week since 2001. Painted from observation, each canvas renders the sky accompanied by a few lines of diaristic entries, his works serving both as a personal testament and a meditation on how the experience of the sky might connect those separated by vast distances. While his imagery is often reduced to an abstract vocabulary, Kim’s works remain figurative, functioning as pictorial devices that embody the tension between conceptualism and observation, and between abstraction and that which is rooted in the body.

The new series of works presented in Marine Layer shares this combination of site and physical presence. Named B.Q.O., the title is an abbreviation for Berton, Queequeg, and Odysseus, three literary characters from famous oceanic narratives: Stanislaw Lem’s Solaris, Herman Melville’s Moby Dick, and Homer’s Odyssey, respectively. These heroic figures, who struggle with the oceans in each story, sparked Kim’s imagination as the artist re-read these texts during his stay on Captiva Island at the Rauschenberg Residency in January 2020. Kim lived on this small island off the coast of Florida for an entire month, spending time in and on the water kayaking, swimming, and paddleboarding. For Kim, immersed in this environment, the three characters symbolized the way the sea is a metaphor for human struggle and perseverance.

In each of the B.Q.O. paintings, three panels are stacked vertically: the upper panel encapsulates the sky seen from the water; the middle panel shows the water’s surface and its reflections; and the bottom panel reveals a view from underwater. The subtle changes of hues and delicate brushstrokes evoke both abstraction and the material specificity and atmosphere of water, symbolizing the medium of painting itself and how it occupies a unique threshold that slips in and out of legibility.
If former B.Q.O. works captured the mythic fantasy of battling the oceans, Kim's newest works in the gallery’s Busan space present a more direct study of water—based on the simple and concrete activity of swimming that the artist embraced during the lockdown. For a year, Kim and his family settled in San Diego—where the artist was introduced to the ocean as a child and where his elderly parents still reside. Tentatively, yet gradually, Kim found solace in proximity to water as he engaged in regular open-water immersions with his wife, Lisa. Henceforth, Kim found himself gravitating towards various bodies of water—from La Jolla Shores Beach along the Pacific Coast, Tobey Pond in northwest Connecticut, to indoor swimming pools in New York and San Diego—engaging the balance of immersion, observing the water’s surface, and pondering his affinity with water. In this way, Kim came to synthesize his new passion with his longstanding interest in perception by drawing upon the natural world and the body as primary subjects.

Responding to the power of water in these tripartite compositions, Kim provides viewers with an immersive and visceral experience of being submerged. Installed as a group, these works impart a powerful experience of being in and in-between the elemental forces of nature. As in his earlier canvases in Synecdoche and those in Sunday Paintings, Kim’s works from the B.Q.O. series become part of a larger ongoing whole. Of this recurring framework, Kim has said, “My work has mostly been concerned with the relationship of a part to the whole. How am I connected to the others in the world, and how are we all connected to the greater whole?” Oscillating between his innermost experience and the expansive connection between human and nature—as the title and the literary references suggest—these paintings offer a space for meditation while simultaneously raising many questions regarding our relationship with nature through the overpowering, yet silent presence of the painting.


About the Artist
Byron Kim (b. 1961) was born in La Jolla, California, and currently lives and works in Brooklyn, New York. Kim received his BA in English Literature from Yale University in 1983 and later attended the Skowhegan School of Painting & Sculpture in 1986. He is currently a Senior Critic at Yale University School of Art.

Byron Kim has held solo exhibitions at numerous institutions, including the Museum of Contemporary Art Cleveland (2019), Museum of Contemporary Art San Diego (2015), Columbus College of Art & Design (2012), Berkeley Art Museum (2006), Rodin Gallery, Samsung Museum of Art, Seoul (2005), and Whitney Museum of American Art, New York (1999). He has participated in group exhibitions at institutions around the world including the Smart Museum of Art, Chicago (2022), Brooklyn Museum, New York (2021), Centre for Heritage, Arts and Textile (CHAT), Hong Kong (2020), Anyang Public Art Project 5 (2016), Sharjah Biennial 12 (2015), New Museum, New York (2013), Tate Liverpool (2009), and Museum of Modern Art, New York (2008).

Among Kim’s numerous awards are the Skowhegan Medal for Painting (2022), Robert De Niro, Sr. Prize (2019), John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship for Fine Arts (2017), Painters and Sculptors Grant from the Joan Mitchell Foundation (1997), and National Endowment for the Arts Award (1995). Kim’s works are in numerous public and private collections, including the Art Institute of Chicago, Berkeley Art Museum, Brooklyn Museum of Art, Museum of Contemporary Art San Diego, National Gallery of Art, Washington, D.C., San Francisco Museum of Modern Art, Walker Art Center, and the Whitney Museum of American Art.

“바다에서 수영을 하며 나는 내 몸과 새로운 관계 형성을 할 수 있었다. 보통 나는 신체보다 상상과 정신의 공간을 우위에 둔다, 추상화에 대한 나의 성향과 맞닿아 있으니. 움직이는 수단으로서의 몸에 의지하는 것은 나를 추상으로부터 떨어뜨려 놓았는데, 묘하게도 이는 나의 작업을 현실 기반인 재현으로 이끌어줬다.” ㅡ 바이런 킴


국제갤러리는 2023년 3월 17일부터 4월 23일까지 부산점에서 바이런 킴의 개인전 《Marine Layer》를 개최한다. 서울점에서 선보인 《Sky》전 이후 5년 만의 전시이자 부산점에서 처음으로 열리는 작가의 개인전이다.
바이런 킴의 회화는 형식적 독창성과 개념적 정밀성 간의 균형을 능숙하게 잡아간다. 평범하되 심오한 일상 속 세부 사항들을 면밀히 관찰하면서 부분과 전체의 관계를 연구하고, 이로써 언뜻 평범하기만 할 법한 요소에서 깊은 의미를 추출해낸다. 작가는 연속성과 친밀한 집중력에 기대어 오랜 시간 진행해온 연작들을 통해 정체성과 장소성에 대한 다층의 현상학적 분석을 포착하고자 한다.
특히 1993년 휘트니 비엔날레에서 처음 선보이며 그의 작업세계에서 돌파구적 지위를 갖게 된 〈제유법(Synecdoche)〉(1991-진행 중) 연작은 이러한 그의 접근법을 가장 완벽하게 보여주는 예시라 할 수 있다. 동일한 사이즈의 패널 500여 개로 구성된 본 작업에서 단색조의 화면들은 각기 한 인물의 고유한 피부색을 재현한다. 이 같은 파편화된 신체의 미니멀한 표현 안에서 초상화의 역사뿐 아니라 재현과 정체성 등의 문제가 감각적으로 서술된다. 비슷한 맥락에서, 〈선데이 페인팅(Sunday Paintings)〉은 작가가 2001년부터 매주 제작해온 연작이다. 일상에서 비롯되는 본 회화 연작에서는 각 캔버스 안에 하늘 그림과 함께 일기 몇 줄이 기재되는데, 이로써 그의 작품은 개인적 기록임과 동시에 하늘을 경험하는 일이 광활한 거리로 떨어져 있는 존재들을 연결시킬 수 있는 매개라는 사실에 대한 명상적 고찰이기도 하다. 바이런 킴이 생산하는 이미지는 다소 추상적인 어휘로 환원되곤 하지만 그의 작업은 분명 구상적인 차원에 남아 개념주의와 관찰, 그리고 추상 간의 긴장감을 구현하는 회화적 도구로 기능한다.

이번 전시에서 소개하는 바이런 킴의 신작 역시 장소와 신체적 현존의 접합점을 탐구한다. 〈B.Q.O.〉라는 연작 제목은 바다를 배경으로 하는 유명 소설의 세 등장인물 이름에서 따온 알파벳으로 구성된다. 스타니스와프 렘의 『솔라리스』의 버튼(Berton)에서 B, 허먼 멜빌의 『모비 딕』 중 퀴케그(Queequeg)에서 Q, 호머의 『오디세이아』에서 오디세우스(Odysseus)의 O를 가져온 것이다. 각 서사에서 바다와 씨름하는 이 세 명의 영웅적 인물들은 작가가 2020년 1월 라우센버그 레지던시를 위해 캡티바 섬(Captiva Island)에 머물며 이 소설들을 다시 읽는 과정에서 그의 상상력을 자극했다 한다. 플로리다 남부의 외딴섬에서 작가는 카약을 타고, 수영을 하고, 패들보드를 타며 한 달을 보냈다. 이러한 수중 환경에 놓인 작가에게 있어 소설 속 세 인물은 바다가 인간의 고군분투를 은유하는 대상이 될 수 있음을 새삼 상기시켰던 것이다.
각 〈B.Q.O.〉 작품은 수직으로 쌓아 올린 세 개의 캔버스 패널로 구성된다. 가장 위의 화면은 바다에서 바라본 하늘을, 가운데 화면은 물의 표면과 그에 반사되는 모습을, 그리고 가장 아래의 화면은 물속의 모습을 포착한다. 색조의 부드러운 변화와 섬세한 붓질은 추상화의 감각뿐만 아니라 물질적 특정성과 물의 분위기를 환기시키는데, 이로써 회화라는 매체 자체를 은유하며 독해 가능성과 불가능성 사이의 문턱에서 회화가 점유하는 고유한 지위를 암시한다.
초창기 〈B.Q.O.〉 작품들이 바다에 대적하는 인간의 신화적 판타지에 집중했다면, 국제갤러리 부산점에서 선보이는 최신 작품들은 물에 대한 보다 직접적인 탐구에 기인한다. 이는 팬데믹 봉쇄 기간 중 수영이라는 단순하고도 구체적인 활동에 집중했던 작가의 경험에서 비롯된다. 코로나 기간 중 일 년의 시간 동안 작가와 그의 가족은 샌디에이고에서 생활했는데, 샌디에이고는 그가 어린아이로서 바다를 처음 만났던 곳이자 그의 노부모가 아직 거주하는 지역이기도 하다. 그곳으로 돌아간 작가는 다시 물과 조금씩 가까워지며 그 광활한 바다에서 위안을 찾게 되었다. 그 이후로 작가는 태평양 연안의 라호야(La Jolla) 해변에서 코네티컷주의 토비 연못, 뉴욕과 샌디에이고의 실내 수영장들에 이르기까지, 물에 이끌려 오며 물의 표면을 관찰하는 행위와 잠수 사이에서 줄타기하며 물에 대한 스스로의 친근감을 고찰해왔다. 이렇게 작가는 자신의 새로운 관심사를 인식의 과정에 대한 오랜 고민과 접목시켜 자연세계와 신체를 주요 소재로 작업하게 된 것이다.

물의 힘에 대한 반응을 세 폭의 캔버스에 펼쳐 놓는 이 회화 연작을 통해 바이런 킴은 잠수라는 행위를 매개로 몰입적이고도 본능적인 경험을 나누고자 한다. 같은 연작 내의 작품들을 한 데 소개함으로써 본 전시는 근본적인 자연력 안에, 그리고 그 사이에 위치하는 강력한 감각을 소개한다. 그의 〈제유법〉과 〈선데이 페인팅〉 작품들이 그러하듯 〈B.Q.O.〉 역시 결말 없이 진행되는 연작이 된다. 이러한 작업 틀에 대해 작가는 “나의 작업은 대부분의 경우 전체에 대한 관계성에 대해 이야기한다. 내가 이 세상 속 나머지 사람들과 어떻게 연결되는지, 그리고 우리 모두는 우리보다 거대한 전체와 어떻게 연계되는지”라 소회한 바 있다. 본 작품군은 (제목의 문학적 참조점이 암시하듯) 가장 사적인 경험에서부터 인류와 자연 간의 광활한 연결에 이르기까지 양 극단을 아우르며 명상의 기회를 제공함과 동시에 자연과 우리가 맺는 관계에 대한 다양한 질문을 제기하게 한다.


작가소개
바이런 킴(b. 1961)은 캘리포니아 주의 라호야에서 태어나, 예일대학교(Yale University)에서 영문학을 전공하고 메인(Maine) 주의 스코히건 회화조각학교(Skowhegan School of Painting and Sculpture)에서 수학하였다. 현재 뉴욕 브루클린에서 거주 및 활동하고 있으며, 예일대학교 미술학부의 선임 비평직(senior critic)을 겸하고 있다.
작가는 오하이오 클리블랜드 현대미술관(Museum of Contemporary Art Cleveland)(2019), 캘리포니아 샌디에이고 현대미술관(Museum of Contemporary Art San Diego)(2015), 오하이오 콜럼버스 미술대학(Columbus College of Art and Design)(2012), 캘리포니아 버클리 미술관(Berkeley Art Museum)(2006), 서울 삼성 로댕갤러리(2005), 그리고 뉴욕 휘트니 미술관(Whitney Museum of American Art)(1999) 등에서 개인전을 선보인 바 있다. 또한 참여한 주요 단체전으로는 시카고 스마트 미술관(Smart Museum of Art)(2022), 뉴욕 브루클린 미술관(Brooklyn Museum)(2021)에서의 전시와, 제5회 안양공공예술프로젝트(2016), 샤르자 비엔날레 12(Sharjah Biennial 12)(2015) 뿐 아니라 뉴욕 뉴 뮤지엄(New Museum)(2013), 테이트 리버풀(Tate Liverpool)(2009), 뉴욕 현대미술관(The Museum of Modern Art)(2008) 등에서의 전시가 있다.
바이런 킴은 2022년 스코히건 회화 부문 훈장(Skowhegan Medal for Painting), 2019년 로버트 드 니로 시니어 상(Robert De Niro, Sr. Prize), 2017년 구겐하임 재단 펠로우십의 순수미술 부문(Fine Arts Guggenheim Fellowship) 수상자로 선정되었으며, 1997년 조안 미첼 재단 기금(Joan Mitchell Foundation Grant)과 1995년 미국 국립예술기금(National Endowment for the Arts Award)을 수여받은 바 있다. 그의 작품은 시카고 미술관(Art Institute of Chicago), 버클리 미술관(Berkeley Art Museum), 브루클린 미술관(Brooklyn Museum), 샌디에이고 현대미술관(Museum of Contemporary Art, San Diego), 워싱턴 D.C. 국립미술관(National Gallery of Art), 샌프란시스코 현대미술관(San Francisco Museum of Modern Art), 워커예술센터(Walker Art Center), 그리고 휘트니 미술관(Whitney Museum of American Art) 등을 비롯한 전세계 주요 기관에 소장되어 있다.