October 2019
1 Park Chan-kyong, Subject of Solo Exhibition MMCA Hyundai Motor Series 2019: Park Chan-kyong - Gathering, at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea

Installation view of MMCA Hyundai Motor Series 2019: Park Chan-kyong - Gathering at MMCA Seoul. Photo: Hong Cheolki. Image provided by MMCA, Korea.

Artist: Park Chan-kyong (박찬경)
Exhibition Dates: Oct 26, 2019 - Feb 23, 2020
Exhibition Venue: National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul (국립현대미술관 서울관)
Website: www.mmca.go.kr/exhibitions/exhibitionsDetail.do?exhId=201910180001194

Park Chan-kyong, selected as the artist of the MMCA Hyundai Motor Series 2019, is the subject of a solo exhibition titled MMCA Hyundai Motor Series 2019: Park Chan-kyong - Gathering at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea (hereafter MMCA), from October 26, 2019. The MMCA Hyundai Motor Series, hosted by the MMCA and sponsored by the Hyundai Motor Company, is a decade-long art project that organizes annual exhibitions of established Korean artists since its launch in 2014. Park Chan-kyong is the sixth artist to have been selected for the series, following the exhibitions of Lee Bul (2014), Ahn Kyuchul (2015), Kimsooja (2016), IM Heung-soon (2017), and CHOIJEONGHWA (2018). Park’s work examines the Korean society, framing the rapid socioeconomic development of the past century while chronicling the often reckless pursuit of Western modernization and economic growth, through subjects including mythology, traditional religions, and the Cold War. For this exhibition, Park questions and critically examines the history and significance of conventionalized westernization of art institutions in Korea and the rest of East Asia.

In this exhibition, Park presents eight new works including the highlight piece Belated Bosal, along with one existing work. Incorporating a ‘frame structure’ that both metaphorically and architecturally manifests itself throughout the exhibition, this exhibition prompts the audience to reexamine art history and art institutions through an unfamiliar perspective. The viewer first encounters Small Museum of Art (2019) which includes photographic reproductions of selected artworks rearranged in an unconventional manner, questioning whether the underlying criteria of the conventional museum setting is a contrived framework implanted in the ways in which we view institutions. Belated Bosal (2019) is a 55-minute film which combines the story of the Buddha’s nirvana with the Fukushima Daiichi nuclear disaster, critically examining the potential of an art-language that can be put into practice amidst our society in the aftermath of disasters. Gallery 5 (2019) is a 1/25 miniature model of Gallery 5 in the MMCA Seoul (where Park’s show is held). The model encourages audiences to survey the entirety of the exhibition space and thus reflect on the act of viewing the exhibition. The Water Mark (2019), an installation of 16 cement panels sprawled out on the floor, will serve as the gathering place for lectures and conversations by experts on pertinent subjects that construct the show.. This exhibition, which gestures a gathering where elements of a single show come together to create discussions on art, will remain on view through February 23, 2020.

박찬경, 《MMCA 현대차 시리즈 2019: 박찬경 - 모임 Gathering》 개최

MMCA 현대차 시리즈 2019 작가로 선정된 박찬경은 10월 26일부터 국립현대미술관에서 개인전 《MMCA 현대차 시리즈 2019: 박찬경 - 모임 Gathering》을 연다. 국립현대미술관이 주최하고 현대자동차가 후원하는 MMCA 현대차 시리즈는 2014년부터 10년간 한국 현대미술을 대표하는 중진 작가의 개인전을 지원하는 장기 연례 프로젝트로, 박찬경은 이불(2014), 안규철(2015), 김수자(2016), 임흥순(2017), 최정화(2018)에 이어 6번째 작가로 선정되었다. 서구적 근대화와 맹목적 성장의 추구 속에서 성찰의 기회 없이 앞만 보고 달려온 한국 사회를 신화, 전통 종교, 냉전 등의 통로로 살펴보는 작업을 전개해온 작가는 이번 전시에서 한국을 포함한 동아시아에서 관습화된 미술제도가 기능하는 과정과 의미에 대해 질문하고, 이를 비판적으로 성찰한다.

대표작 <늦게 온 보살>을 비롯한 8점의 신작과 구작 1점으로 구성된 이번 전시는 ‘액자 구조’를 통해 미술사와 미술관을 새로운 시각으로 바라보도록 한다. 전시장에서 관객들을 가장 먼저 반기며 ‘액자’ 안으로 끌어들이는 <작은 미술관>(2019)은 작가가 선택한 다양한 작품(사진)과 관련된 이미지들이 작가의 해석에 따라 다소 엉뚱하게 배치한 작업으로, 우리에게 익숙한 미술관이 인위적으로 주입된 틀이 아닌지에 대한 문제의식을 제기한다. ‘석가모니의 열반’이라는 종교적 사건과 동시대 재난인 ‘후쿠시마 원전 사고’를 하나의 담론으로 엮어 낸 55분짜리 영상 <늦게 온 보살>(2019)은 재난 이후 우리 사회에서 미술 언어가 가질 수 있는 가능성을 비판적으로 성찰한다. 또한 실제 전시실의 1:25 배율 축소모형으로 만든 <5전시실>(2019)은 관객들을 다시 액자 밖으로 끌어내 관객들로 하여금 전시장 전체를 조망하게 하고, 전시를 관람하는 행위를 새롭게 바라보게 한다. 한편 전시실 중앙에 넓게 펼쳐진 <해인(海印)>(2019)에서는 5주간 전시 주제와 관련된 각 분야 전문가들을 초빙하여 강연과 토론이 진행될 예정이다. 전시가 곧 미술에 관한 대화를 나누는 ‘모임’이 되는 이번 전시는 오는 2020년 2월 23일까지 계속된다.

[Source from the MMCA press release and website]

2 Anish Kapoor, Subject of First Major Solo Exhibition in China Anish Kapoor at the Central Academy of Fine Arts Museum and Taimiao Art Museum of the Imperial Ancestral Temple in Beijing 

Installation view at Central Academy of Fine Arts Museum

Artist: Anish Kapoor (아니쉬 카푸어)
Exhibition Dates: Oct 25, 2019 - Jan 01, 2020 [CAFA Museum (카파 미술관)]
                       Nov 10 - Dec 28, 2019 [Taimiao Art Museumm of the Imperial Ancestral Temple (자금성 박물관)]
Exhibition Venues: Central Academy of Fine Arts Museum (중국 베이징 카파 미술관)
                         Taimiao Art Museum of the Imperial Ancestral Temple (중국 베이징 자금성 박물관)
Website: www.anishkapoorbeijing.com/en.html

The celebrated contemporary artist Anish Kapoor is the subject of a major solo exhibition eponymously titled Anish Kapoor at the Central Academy of Fine Arts (hereafter CAFA) Museum and Taimiao Art Museum of the Imperial Ancestral Temple in Beijing through January 1, 2020, and December 28, 2019, respectively. The exhibition, which brings together some of the artist’s most significant and celebrated works from the last thirty-five years, is directed by Su Xinping, Vice President of the CAFA, and curated by Zhang Zikang, Director of the CAFA Art Museum. Engaging the physicality of materials and non-linear forms to conjure powerful metaphors about the body, existence, and spirituality, Anish Kapoor’s unique artistic practice will be reinterpreted and unfold against the backdrop of this important Chinese cultural heritage site.

In the CAFA Museum, Kapoor presents 4 monumental installations and 5 architectural scale models from his practice over the past few decades. Of his installations, the audience first encounters Symphony for a Beloved Sun (2013), previously exhibited at the Martin-Gropius-Bau, Berlin, in 2013. The work deposits bricks of red wax along several ascending conveyor belts and this system watched over by a vast, red sun that hovers above the scene. This invisible machine allows the viewer an opportunity to commune directly with the mysterious entity. Sectional Body preparing for Monadic Singularity (2015) explores the relationship between the interior and exterior. By collapsing the boundaries between the space and the body, the work conjures metaphors about spirituality which transcend the limits of materiality. 

The exhibition continues across Beijing at the Taimiao Art Museum of Imperial Ancestral Temple, where a series of stainless steel and pigment sculptures are in conversation with the architecture and spiritual history of the site. The central atrium of the building presents two of Kapoor’s steel works titled S-Curve (2006) and C-Curve (2007), installed abreast of one another. Together these works morph from concave to convex, reflecting, twisting, and converting the space and generating a physical and spiritual experience in the viewer. The exhibition also presents 1000 Names (1979-1982) from Kapoor’s early pigment series which alludes colors to have material presence, along with subsequent works from the same series including Angel (1990). Kapoor’s first solo exhibition in China, this show presents a mutual interaction between form and space, giving rise to a sublime and poignant experience that transcends physicality. 

아니쉬 카푸어(Anish Kapoor), 카파(CAFA) 미술관과 자금성 박물관에서 중국 첫 대규모 개인전 《Anish Kapoor》 개최

현대미술의 거장 아니쉬 카푸어의 중국 첫 대규모 개인전 《Anish Kapoor》가 베이징 카파(CAFA) 미술관과 자금성 박물관 두 곳에서 각각 2020년 1월 1일, 2019년 12월 28일까지 열린다. 지난 35년간의 작업을 총망라하는 이번 개인전은 카파 미술관 부회장 수신핑(Su Xinping)이 예술감독을, 카파 미술관 관장 장지캉(Zhang Zikang)이 큐레이팅을 맡았다. 재료의 물성과 비정형적 형태를 통해 정신적, 본질적인 영역을 탐구하는 작업을 전개해온 아니쉬 카푸어는 이번 전시에서 중국의 문화유산과 만나 새롭게 재해석되며 고유한 작품세계를 펼쳐 보인다. 

먼저 카파 미술관에는 거대 설치작품 4점과 실제 작품의 미니어처 크기로 만들어진 작품 5점이 전시된다. 전시장에서 가장 먼저 만나게 되는 <Symphony for a Beloved Sun>(2013)은 지난 2013년 베를린 마틴 그로피우스 바우 미술관에서 처음 공개된 거대 설치 작품이다. 컨베이어 벨트에서 끊임없이 운반되는 조각들 위로 태양을 연상시키는 거대하고 붉은 원이 떠있는 작품은 관객들로 하여금 이러한 움직임을 가능케 하는 절대적이고 신비한 존재를 떠올리게 한다. 또한 외부와 내부의 경계가 모호한 유기적 형태의 작품 <Monadic Singularity>(2015)는 관객의 신체와 공간 사이의 경계를 허물며 물질의 한계를 뛰어넘는 정신성을 은유적으로 표현한다. 

자금성 박물관으로 이어지는 본 전시에서는 스테인리스와 안료 조각들이 중국의 유서 깊은 공간과 조화를 이룬다. 전시장 중앙에는 스테인리스 철 덩어리 작품 두 점 <S-Curve>(2006)과 <C-Curve>(2007)가 나란히 전시된다. 원형의 곡선을 통해 기하학적인 입체의 형태를 취하는 작품은 공간을 반사, 왜곡, 그리고 전환시키며 관객들과 신체적, 정신적인 교감을 이끌어낸다. 또한 기하학적 오브제 위에 원색의 가루 안료를 뿌린 작가의 초기작 <1000 Names> 연작(1979-1982)과 <Angel>(1990) 등의 작품들도 함께 선보인다. 형태와 공간 사이의 상호 작용을 보여주는 아니쉬 카푸어의 이번 전시는 중국 관객들에게 물질을 뛰어넘는 숭고한 사유의 경험을 선사한다.

[Source from Anish Kapoor in Beijing website]
3 Haegue Yang Presents New Monumental Installation at Solo Exhibition titled Haegue Yang: Handles in Celebration of the Re-Opening of the Museum of Modern Art, New York

Installation view of Haegue Yang: Handles. 2019. Commissioned for the Marron Atrium by The Museum of Modern Art, New York. Photo: Denis Doorly

Artist: Haegue Yang (양혜규)
Exhibition Dates: Oct 21, 2019 – Apr 12, 2020
Exhibition Venue: MoMA (미국 뉴욕 현대미술관)
Website: www.moma.org/calendar/exhibitions/5080

Haegue Yang is the subject of a solo exhibition titled Haegue Yang: Handles in the Marron Atrium at The Museum of Modern Art (hereafter MoMA) through April 12, 2020. For the opening of the museum’s expanded campus on October 21, 2019, MoMA had commissioned an installation by Yang for the Marron Atrium, the biggest exhibition space within MoMA. Haegue Yang: Handles features six dynamic sculptures, wall designs based on dazzling geometries, and the play of light and sound to create a complex environment.

As handles are points of attachment and material catalysts for movement and change, Yang considers this everyday interface between people and things. The red steel grab bars are mounted on the walls amid the dazzling hologram and the iridescent pattern of a panoramic collage. While the bars on the walls don’t work as handles, the handles attached to the six sculptures can be put to functional use, moving the works about within the space. Covered in skins of bells, these monumental works come in distinctive shapes: two of the sculptures are inspired by the work of the Swiss painter, dancer, architect, and educator Sophie Taeuber-Arp’s small sculptures titled Coupe Dada, another sculpture refers to the enneagram of the mystic philosopher G. I. Gurdjieff, and the three remaining sculptures use open-source designs for door handles. Mounted on casters, the sculptures generate a subtle rattling sound when maneuvered by performers at regular intervals, and recall the use of bells in shamanistic rites, among other sources, while the haptic and auditory qualities of Yang’s Sonic Sculptures animate their imposing physicality. The chorus of bells also suggests ideas of resonance, championing more diverse social and political models while the patterns of movement in the installation echo Yang’s ongoing investigation into concerns of migration. 

Stuart Comer, The Lonti Ebers Chief Curator of Media and Performance, explains, “Haegue Yang has built a distinguished career on her singular ability to synthesize a rich array of cultural references across time periods and geographies into sculptural and sensorial installations. Her ambitious commission for MoMA presents an immersive, prismatic environment through which a diverse set of histories and forms is transformed into an exciting new vocabulary of mobile sonic sculptures that animate the space as much as they do a more open notion of history.”

양혜규, 뉴욕 현대미술관(MoMA) 재개관 맞아 개인전 《양혜규: 손잡이》에서 대형 설치 신작 발표

뉴욕 현대미술관은 양혜규 작가의 개인전 《손잡이(Handles)》를 마론 아트리움에서 2020년 4월 12일까지 선보인다. 확장 공사를 마치고 올해 10월 21일 재개관한 뉴욕 현대미술관은 미술관 내에서도 가장 거대한 규모인 아트리움 공간을 위한 신작을 양혜규에게 의뢰했다. 이에 양혜규는 6점의 소리 나는 조각과 함께 현혹적인 기하학을 바탕으로 한 대형 벽 디자인과, 빛과 소리의 유희가 곁들어진 복합적 환경을 조성했다.

‘손잡이’는 이동과 변화를 위한 물리적 촉매제이자 접촉점으로, 양혜규는 사람과 사물 간의 일상적 접점에 주목했다. 수십여 개의 붉은색 강철 손잡이가 전시장 삼면의 벽에 걸쳐 빛을 분산시키는 홀로그램과 검정 스티커로 콜라주 된 대형 벽화와 함께 자체적인 무늬를 이룬다. 벽에 설치된 손잡이는 기능하지 않는데 반해, 조각물에 부착된 손잡이는 각기 독특한 형태를 띤 여섯 점의 구조물을 실질적으로 움직이게 한다. 이 몸체 표면 전체가 방울로 뒤덮인 6점의 구조물은 스위스 출신의 여성 미술작가이자 무용가, 건축가, 교육자였던 소피 토이버-아르프(Sophie Taeuber-Arp)의 ‘쿱 다다(Coupe Dada)’라는 소형 조각물을 참조한 조각 2 점과 신비주의 철학자 게오르기 이바노비치 구르지예프(G. I. Gurdjieff)의 에니어그램(Enneagram) 등을 참조한 조각 1 점, 그리고 오픈소스 손잡이 디자인을 활용한 조각 3점으로 구성된다. 바퀴가 달려 움직임이 가능한 이 조각물들은 퍼포머에 의해 활성화되면서 은은한 방울 소리를 내는데, 이렇게 조각의 인상적인 물성에 첨가된 촉각적, 청각적 요소들은 작품 및 공간 전체에 생기를 불어넣으며 일종의 주술 의식을 연상시킨다. 작품의 움직임에 따른 공명을 암시하는 방울의 합창은 이주와 디아스포라 등의 혼성적 사회·정치적 모델에 대한 작가 양혜규의 오랜 탐구를 반영한다.

“양혜규는 시공간을 넘나드는 풍부한 문화적 참조를 조각적이고 감각적인 설치작업으로 통합해내는 탁월한 능력이 있다. 이번 모마 전시작은 몰입도를 끌어올린 환경을 조성해 다양한 문화적 역사를 ‘소리 나는 이동식 조각’이라는 새로운 형태-언어로 번안해 미술관 공간에 생기를 불어넣을 뿐 아니라 보다 열린 역사관을 창출한다.” – 《양혜규: 손잡이》전 큐레이터 스튜어트 코머(Stuart Comer)

[Source from the MoMA, Kukje Gallery press release]

4 Kimsooja Invited to Participate in the First Edition of Traversées / Kimsooja in Poitiers, France

Kimsooja, To Breathe, 2019, a site-specific installation at Tour Maubergion at Palais des duc d'Aquitaine, Poitiers, France. mirror, artist's performance sound 'The Weaving Factory, 2004-2013'. Courtesy of Ville de Poitiers for Traversées/Kimsooja and Kimsooja studio.

Artist: Kimsooja (김수자)
Exhibition Dates: Oct 12, 2019 - Jan 19, 2020
Exhibition Site: the city of Poitiers, France (프랑스 푸아티에(Poitiers) 시 전역)
Artistic Directors: Emma Lavigne (엠마 라비뉴), Emmanuelle de Montgazon (엠마뉴엘 드 몽가종)
Invited Artists: Sammy Baloji (Democratic Republic of the Congo/Belgium), Myriam Boucher (Canada), Compagnie l’Homme Debout (France), Ensemble 0 (France), Taylor Deupree (US), Thomas Ferrand (France), Subodh Gupta (India), Jung Marie (South Korea), Lenio Kaklea, (France/Greece), Tadashi Kawamata (Japan/France), Lee Mingwei (Taiwan/France), Min Tanaka (Japan), Tomoko Sauvage (France/Japan), Achilleas Souras (UK/Greece), Stephen Vitiello (US), Rirkrit Tiravanija (Germany/Thailand) 
Website: www.traversees-poitiers.fr/

The renowned Korean contemporary artist Kimsooja has been invited to curate and participate in the first edition of Traversées / Kimsooja in the city of Poitiers, France, through January, 19, 2020. Traversées is a cultural and urban heritage project of Poitiers devised in order to transfigure the city into a space of sensory experience, created in the form of a biennale by the Mayor of Poitiers and Henri Loyrette, former Chairman and Director of the Louvre Museum. Kimsooja, invited for the first edition of Traversées, has not only installed her works throughout the city but is also joined by 16 other artists of all backgrounds and ages, who have inspired Kim and with whom she shares a strong affinity. Traversées / Kimsooja offers viewers a fresh perspective into the city by adopting Kimsooja’s eye, body, and vision.

Kimsooja, rooted in her childhood as a member of a nomadic family along with her experiences of living near the DMZ (demilitarized zone) area, explores the notion of “traversées” in a broader context to find the truth and aesthetics within it. Installed in the Palais des ducs d’Aquitaine, To Breathe disorients the viewers by the effect of the mirrored floor and film that diffracts the sunlight and bathes the interior within. This work offers shared vessels for beleaguered bodies, worn down by the inconsistencies of the world. Kimsooja’s work is complemented by those of other artists: Min Tanaka “dances the place,” Lenio Kaklea uses regional gestures and rituals as the starting point for a choreographic work, and audio from Stephen Vitiello, Tomoko Sauvage, and Myriam Boucher’s works invite viewers to a sense of familial bond and intimacy.

With the issue of migration occupying a central place in society, the Traversées project questions the factors behind the acts of travel and movement. Poitiers becomes another refuge to Kimsooja where she could unpack her possessions. In dialogue with Kimsooja’s bottari, which acts as a vessel for the artist’s world, other invited artists have created their unique versions of cocoons (or agents for wrapping), including Tadashi Kawamata’s Nest and Achilleas Souras’ emergency igloo made out of life jackets. As such, Traversées / Kimsooja invites artists into a creative workshop that sees a Traversées as a journey, an experience of otherness and hospitality. Traversées / Kimsooja presents a series of topics that resonate with Kimsooja’s work; according to the artist, “[m]y thoughts on borders and those living on the other side have led me to question the relationship between herself and the Other.”

김수자, 프랑스 푸아티에(Poitiers)에서 프로젝트 《여정 / 김수자(Traversées / Kimsooja)》 개최

현대미술가 김수자는 2019년 10월 12일부터 2020년 1월 19일까지 프랑스 푸아티에(Poitiers) 시가 주관하는 《여정 / 김수자(Traversées / Kimsooja)》 프로젝트의 첫 번째 에디션에 참가한다. 《여정》은 유구한 역사를 자랑하는 도시인 푸아티에 시를 감각적 경험의 장으로 변모시키고자 고안된 문화예술 프로젝트로, 푸아티에 시장과 전(前) 루브르 관장이자 지난 2015년 한불 50주년 예술축제를 총감독한 바 있는 앙리 루와렛(Henri Loyrette)이 비엔날레의 형식으로 창설한 전시다. 첫 번째 《여정》을 책임질 대표작가로 선정된 김수자는 자신 뿐 아니라 16인의 다른 예술가들을 초대해 각자의 시선으로 푸아티에 시를 재해석하게끔 하였다. 이로써 방문객은 작가의 눈과 신체, 새로운 관점으로 매개된 이 도시를 다시 보게 된다.

김수자는 한반도의 DMZ 근처에 거주하며 지속적으로 국경이라는 경계에 노출된 채 ‘노마드 가족원’으로 지냈던 유년기의 경험을 바탕으로, ‘여정’이라는 개념을 넓은 맥락에서 접근하여 그 진리와 미학을 고찰한다. 푸아티에 시의 랜드마크인 아끼뗀 공작 궁전(Palais des ducs d’Aquitaine)에 설치된 불투명한 굴절 필름으로 포장한 창문과 거울을 활용한 작업 <숨쉬기(To Breathe)>는 일대 주변 공간을 변모시키는데, 이로써 주위 환경은 세상의 고난에 의해 헤진 신체를 보호하는 일종의 섬세한 가죽으로 탈바꿈한다. 또한 민 타나카(Min Tanaka)는 공간을 춤추게 하고(dance the place), 레니오 카클리(Lenio Kaklea)는 지역민들의 제스처와 의례를 안무로 연출하며, 스티븐 비티엘로(Stephen Vitiello), 토모코 소바지(Tomoko Sauvage), 미리암 보처(Myriam Boucher)의 작품에서 흘러나오는 사운드는 관람객을 더욱 친밀한 성찰의 장으로 초대한다.

이번 전시는 현 사회가 시민들의 이주 패턴에 예민하게 반응하는 오늘날, 여행 및 강제 이동 등의 현상을 추동하는 요소들을 고찰한다는 점에서 더욱 의미 있다. 김수자처럼 끊임없이 이동의 상태에 놓인 작가에게 푸아티에는 잠시 보따리를 풀어놓을 수 있는 피신의 장소로 기능한다. 김수자의 세상이 담긴 보따리와 소통하기 위해 타다시 가와마타(Tadashi Kawamata) 등 여타 작가들 역시 자신만의 고치(cocoon)를 제작했고, 특히 아킬리 소라(Achilleas Souras)는 구명조끼로 이글루를 만들었다. 이 같은 작업을 통해 《여정 / 김수자》는 참여 작가들에게 여행을 타자성과 환대를 동시에 경험할 수 있는 활동으로 바라보는 창의적인 워크샵을 제공한다. 이는 김수자로 하여금 “나와 타자의 관계에 대해 고민”하도록 이끈 “경계, 그리고 그 이면에 사는 이들에 대한 생각들”과도 공명하는 지점이다.

[Source from Traversées / Kimsooja press release]
5 Koo Bohnchang, Subject of Solo Exhibition Incognito at The Museum of Photography, Seoul 

Installation view at The Museum of Photography, Seoul, 2019

Artist: Koo Bohnchang (구본창)
Exhibition Dates: Oct 12, 2019 - Jan 11, 2020
Exhibition Venue: The Museum of Photography (서울 한미사진미술관)
Website: www.photomuseum.or.kr/front/exhibitionPresentInfoView.do?no=182

Koo Bohnchang is the subject of a solo exhibition titled Incognito, on view at The Museum of Photography, Seoul, through January 11, 2020. Throughout the course of his career, Koo's constant investigation into the possibilities of photography has played a pivotal role in establishing the medium as a major genre of contemporary art in Korea. Since the 1980s, Koo has photographed the urban landscape through the lens of his personal experiences including feelings of alienation in the city, concerns about his identity, and vestiges of a rapidly disappearing past. In this exhibition, a selection of Koo’s major works from the 1980s to the present are on view. 

Deeply rooted in the artist’s personal identity, Koo’s photographs capture his experiences of the everyday scenery and the trivial incidents that occur in the city. The photographs depict dilapidated spaces, lonely yet ambiguous landscapes, the breathless chaos of the city, and tokens of bygone memories of what the city used to be. The artist observes quietly from afar and represents a fragmentary image of the time and traces that might disappear or have already, and these images construct Koo’s latent identity and the world that he perceives. A catalogue, which includes 55 color and black-and-white photographs and an essay by the Spanish independent curator Alejandro Castellote, has been published for the occasion of this exhibition.

구본창, 한미사진미술관에서 개인전 《Incognito》 개최

한미사진미술관은 사진작가 구본창의 개인전 《Incognito》를 최근 개막해 2020년 1월 11일까지 선보인다. 구본창은 사진 매체의 가능성을 끊임없이 모색하며, 국내에서 사진이 현대미술의 주요 장르로 확고하게 자리매김하는데 유의미한 역할을 해왔다. 특히 1980년대부터 도시 곳곳에서 느껴지는 소외와 작가 자신에 대한 고민, 사라지는 과거의 흔적 등 사적인 경험을 통해 바라본 도시의 모습을 카메라에 담아왔다. 이번 개인전에서는 1980년대부터 현재에 이르기까지 작가의 사진세계를 한 눈에 조망할 수 있는 작품들이 전시된다. 

구본창의 사진 작업들은 일상의 풍경은 물론 소소한 사건이 일어나는 도시에서의 경험을 작가의 정체성을 기반으로 보여준다. 사진에는 허름한 공간과 쓸쓸하면서도 해석이 모호한 풍경, 숨 가쁘게 압박하는 도시의 혼란, 이제는 사라졌을 도시의 기호들이 담겨있다. 작가가 멀리서 홀로 관찰하고, 시간과 흔적을 파편적 이미지로 재현한 작품들은 작가의 숨겨진 자아이자 그가 보는 세상이 된다. 한편 전시와 함께 발간된 사진집에는 작가의 컬러와 흑백 작품 55점, 스페인 독립 큐레이터 알레한드로 카스테요테(Alejandro Castellote)의 글이 수록되어 있다.

[Source from The Museum of Photography website]

6 Louise Bourgeois, Subject of Solo Exhibition Louise Bourgeois: To Unravel a Torment at the Voorlinden Museum in the Netherlands

Installation view of Louise Bourgeois – To Unravel a Torment, Museum Voorlinden, Wassenaar, 2019. Photo: Antoine van Kaam. Louise Bourgeois © The Easton Foundation/VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY/Pictoright, Amsterdam 2019

Artist: Louise Bourgeois (루이스 부르주아)
Exhibition Dates: Oct 12, 2019 – May 5, 2020
Exhibition Venue: Voorlinden Museum (네덜란드 바세나르 보르린덴 미술관)
Website: www.voorlinden.nl/exhibition/louise-bourgeois-to-unravel-a-torment/?lang=en

The internationally acclaimed contemporary artist Louis Bourgeois is the subject of a solo exhibition titled Louise Bourgeois: To Unravel a Torment at the Museum Voorlinden through May 5, 2020. Widely renowned for her works built on autobiographical experiences, Bourgeois explored a wide range of genres including sculpture, drawing, installation, and sewing, cultivating a distinct oeuvre which transcended prevailing aesthetics and art historical narrative. The exhibition, which marks the first comprehensive retrospective for the artist to be held in the Netherlands in nearly three decades, introduces over 40 works that shed light onto her artistic experimentation and innovation. 

Standing on the grounds of Voorlinden towards the entrance of the museum is Maman (1999), the largest of Bourgeois’ famous spiders, which reminisces on memories of her mother. Upon entering the gallery, the viewer encounters one of Bourgeois’ early masterpieces, The Destruction of the Father (1974), which expresses the artist’s resistance against her dictatorial father and the toxic patriarchy that consumed her family, by highlighting gender differences through the juxtaposition of the male penis and the female breast created with latex and plaster. The sculpture series Personage (1940-1950s) serves not only as a figurative representation of friends and family the artist had to leave behind when she moved from France to New York, but also as a metaphor for the fear and emptiness she felt as a wife, mother, and young artist during that time. Meanwhile, the exhibition stays relevant to the audience regardless of their age and background by presenting a wide breadth of works including Bourgeois’ theatrical installation series Cells, which depicts the paradoxical meaning of “home” as a place of both haven and suppression.

루이스 부르주아(Louis Bourgeois), 네덜란드 보르린덴 미술관에서 개인전 《Louise Bourgeois: To Unravel a Torment》 개최

현대미술의 거장 루이스 부르주아(Louis Bourgeois)의 개인전 《Louise Bourgeois: To Unravel a Torment》가 네덜란드 보르린덴 미술관에서 2020년 5월 5일까지 열린다. 자전적 경험을 바탕 한 작업으로 잘 알려진 루이스 부르주아는 조각, 드로잉, 설치, 그리고 손바느질 작업에 이르기까지 다양한 장르를 통해 기존의 양식이나 미술사조로 설명할 수 없는 독자적인 예술세계를 구축해왔다. 네덜란드에서 30년 만에 열리는 대규모 개인전인 이번 전시는 작가의 예술적 실험과 도전이 담긴 40여 점의 작품들을 선보인다. 

전시장으로 향하는 정원에 설치된 <Maman>(1999)은 작가의 어머니에 대한 기억을 주제로 한 작품으로 국내에서도 잘 알려진 대로 어미 거미를 형상화한 초대형 조각이다. 전시장 내부에는 그의 초기 대표작인 <The Destruction of the Father>(1974)가 공개된다. 라텍스와 석고로 만든 남근, 여성의 유방을 통해 남녀간 성의 대립을 직접적으로 부각시킨 이 작품은 아버지에 대한 작가의 분노와 가부장제의 폭력성에 대한 저항을 담고 있다. 또한 1940년대 후반에서 1950년대 초반에 제작된 조각 연작 <Personage>는 작가가 뉴욕으로 이주했을 당시, 프랑스에 두고 온 가족과 친구들을 상징적으로 재현한 작품으로 당시 아내이자 엄마, 동시에 젊은 작가로서 느끼는 두려움과 공허함이 은유적으로 나타난다. 이 외에도 이번 전시는 보호의 공간이자 억압의 장인 ‘집’의 역설적 의미를 연극적으로 재구성한 <Cells>연작 등 개인적인 이야기를 통해 보편적인 시대와 국경을 초월해 공감을 이끌어내는 루이스 부르주아의 다채로운 작품들을 펼쳐 보인다. 

[Source from Museum Voorlinden website]
7 Suki Seokyeong Kang, Subject of Solo Exhibition Square, See, Triangle at the Children's Gallery in the Buk-Seoul Museum of Art

Installation view at SeMA, Buk-Seoul Museum of Art

Artist: Suki Seokyeong Kang (강서경)
Exhibition Dates: Oct 08, 2019 - Mar 10, 2020 
Exhibition Venue: Buk-Seoul Museum of Art (서울시립 북서울미술관)
Website: www.sema.seoul.go.kr/ex/exDetail?exNo=425582&glolangType=ENG&searchDateType=CURR&museumCd=ORG08

Suki Seokyeong Kang is the subject of a solo exhibition titled Square, See, Triangle at the Children’s Gallery in the Buk-Seoul Museum of Art (hereafter Buk-SeMA) through March 10, 2020. Square, See, Triangle is the thirteenth edition of the museum’s Children’s Exhibition series. This exhibition encourages viewers to reflect on their existing thoughts and ideas within the prototypical square frame of art, and ultimately create a triangular dialogue amongst the viewer, the art, and others. Known for her works that explore and reinterpret various traditional forms and methodologies from Korean culture, Kang invites the viewer to reflect on the role of tradition today and create one’s unique story by viewing and interacting with the works on view in this show.

The installation in Children’s Gallery 1 revolves around the Poseokjeong, a stone water channel typically nestled in traditional Korean pavilions where aristocrats would gather to socialize and hold poetry recitals. A venue of refined taste and for leisure, the audience can walk along the undulating path that simulates the Poseokjeong and view Kang’s representative sculptural installations including Jeong, Mat, and Heavy Rounds. All works on view consist of basic geometric shapes such as the triangle, square, and circle, inviting the audience to consider these fundamental forms throughout the exhibition. The show then segues into Children’s Gallery 2, which introduces a video work titled Black Mat Oriole_movement and provides an interactive space in which viewers can comprehend and imitate the activator’s movements from the video. These movements can also be visually reinterpreted on the desks that are also placed in Children’s Gallery 2—the audience can draw their variations of activation by referring to the drawings that record the activator’s movements in the video. Baek Ji-sook, director of the SeMA, has anticipated for “the audience to create their own stories while slowly walking along the exhibition landscape with Kang’s works that have been stacked, wrapped, and woven.” In addition, two new catalogs, each taking the form of a workbook and a children’s storybook, have been co-published with Rasun Press in order to help children understand this exhibition and works within.

강서경, 서울시립 북서울미술관에서 어린이 전시 《사각 생각 삼각》 개최

설치미술가 강서경의 개인전 《사각 생각 삼각》이 서울시립 북서울미술관에서 2020년 3월 10일까지 열린다. 《사각 생각 삼각》은 북서울미술관에서 열리는 열세 번째 어린이 전시로, 사각으로 대표되는 미술의 틀 안에 각자의 생각을 담아서 미술과 나 그리고 다른 누군가 사이에 삼각의 대화를 불러일으키자는 기획 의도를 담고 있다. 전통을 재해석하는 고유한 작업을 꾸준히 전개해 온 강서경은 이번 전시를 통해 관람객으로 하여금 전통이란 무엇인지 생각해보고, 지금 내가 서서 바라보는 것들을 통해 나만의 이야기를 만들어가는 경험을 제시한다. 

어린이갤러리 1은 풍류와 쉼의 공간인 ‘포석정’을 콘셉트로 꾸며진 공간으로, 강서경의 설치 연작 <정>, <자리>, <둥근 무게>등의 작품들이 구불구불한 길을 따라 전시되어 있다. 관람객은 길을 따라 걸으며 삼각형, 사각형, 원과 같은 기본 도형을 작품 속에서 발견하게 된다. 이어지는 갤러리 2에서는 영상 작업 <검은자리 꾀꼬리_움직임>을 보며 안무가의 움직임을 이해하고 따라해 볼 수 있는 체험 공간이 마련되어 있다. 영상 작업 속 움직임을 기록한 그림을 본 관람객은 준비된 책상에서 자신의 움직임 또한 그려볼 수 있다. 백지숙 서울시립미술관 관장은 이번 전시를 통해 “작가가 작품을 쌓고 감고 엮어 펼쳐 보이는 전시장 풍경 속에서 천천히 느린 발걸음으로 산책하며 나만의 이야기를 만들어 보기를 바란다”고 밝혔다. 한편 이번 전시에서는 전시와 작품에 대한 어린이의 이해를 돕는 워크북과 동화책 형식의 도록(공동출판 나선프레스)도 함께 공개된다.

[Source from the SeMA, Buk-Seoul Museum of Art press release]