KUKJE GALLERY
April 2021
1 Kukje Gallery Announces the Representation of Korakrit Arunanondchai

Korakrit Arunanondchai, Songs for Dying, 2021, single-channel video, color, sound, painting, 30:18 min
Co-commissioned by the 13th Gwangju Biennale, Kunsthall Trondheim, and the Han Nefkens Foundation
Installation view of the 13th Gwangju Biennale Minds Rising, Spirits Tuning, Horanggasy Artpolygon, Gwangju, South Korea, 2021


Kukje Gallery is pleased to announce the representation of Korakrit Arunanondchai. A painter, filmmaker, and most importantly storyteller, Arunanondchai weaves together enchanting webs of personal narratives and historical constructs. His kaleidoscopic practice works to attest to Arunanondchai’s faith in the power of storytelling, providing the artist’s unique language to a variety of subjects that mostly stem from his associations with his family, friends, and the local settings of production. 

Born in Bangkok and working between Bangkok and New York, the artist currently works in his homeland. His work being closely knitted with his personal accounts, cultural transplantation and hybridity serve as significant foundations of his grammar. His distinct interest in ghosts and spirituality, founded upon his Buddhist beliefs, are superimposed with individual expositions of the artist’s versatile experience of this world. 

Currently on view at the 13th Gwangju Biennale is Arunanondchai’s most recent film Songs for Dying (2021). Installed at the Horanggasy Artpolygon in Yangnim, a significant site of the West’s missionary work in Korea since the early 20th century, the new video draws on past and present histories of two countries—Korea’s Jeju Uprising of 1948 and Thailand’s democratization movement, looking into rituals of collective grief and their operations of healing and memorialization. 

About the Artist
Born in Bangkok, Thailand, in 1986, Korakrit Arunanondchai moved to the United States in 2005 to study art. He received his B.A. from Rhode Island School of Design (RISD) in 2009, and M.A. from Columbia University in 2012. Arunanondchai has held numerous solo exhibitions in major institutions around the world, including the Serralves Museum of Contemporary Art, Porto (2020), Secession, Vienna (2019), S.M.A.K., Ghent (2016), Ullens Center for Contemporary Art, Beijing (2015), Palais de Tokyo, Paris (2015), and MoMA PS1, New York (2014). He has also participated in global biennales including the 16th Istanbul Biennial (2019), the Whitney Biennial (2019), the 58th Venice Biennale (2019), and the 20th Sydney Biennale (2016). His works are included in the permanent collections of Tate Modern, London; the Whitney Museum of American Art, New York; Fondation Louis Vuitton, Paris; Office of Contemporary Art and Culture (OCAC) Ministry of Culture, Bangkok; Sifang Art Museum, Nanjing. He lives and works between New York and Bangkok.


국제갤러리, 코라크릿 아룬나논차이(Korakrit Arunanondchai)와 전속계약

국제갤러리는 태국의 현대미술가 코라크릿 아룬나논차이(Korakrit Arunanondchai)와 공식 전속계약을 체결했다. 회화, 영상, 퍼포먼스 작가이자, 무엇보다 탁월한 이야기꾼인 아룬나논차이는 개인적 서사와 역사적 산물을 한데 엮어 매혹적인 이야기를 만들어낸다. 다양한 매체를 오가는 다채로운 작업방식은 스토리텔링의 중요성에 대한 그의 신념을 방증하며 주로 자신의 가족, 동료, 친구, 프로덕션 환경과의 관계로부터 비롯되는 이야기들에 작가만의 고유한 언어를 제공한다. 

방콕에서 태어나 방콕과 뉴욕을 오가며 활동하던 작가는 현재는 태국에서 거주하며 작업하고 있다. 자신의 개인적 경험들에 긴밀히 빗대 작업하는 만큼 문화 이식 및 교배가 아룬나논차이 시각문법의 주요 토대로 기능한다. 불교신자로서 발현되는 정신성과 혼(魂)에 대한 관심은 작가가 이 세상을 경험해 나가는 과정에서 마주하는 개별 사건들과 꾸준히 교차편집 되며 발전한다. 

한편, 현재 광주비엔날레에서는 아룬나논차이의 신작 영상인 <Songs for Dying>(2021)을 만나볼 수 있다. 식민지 근대가 도래하기 전 개신교 선교자들의 주요 활동 거점이었던 ‘서양촌’으로서 광주의 다층적 역사를 보여주는 양림동의 호랑가시나무 아트폴리곤에 설치되어 있는 본 영상은 제주 4.3 사건과 태국 민주화 운동을 소환하며, 집단적 애도의 의식 절차와 그 치유 및 추모 방식을 살펴본다. 

작가소개
1986년 태국 방콕에서 태어난 코라크릿 아룬나논차이는 미술 공부를 위해 2005년 미국으로 건너갔다. 2009년 로드아일랜드 디자인스쿨(RISD)에서 학사를 마친 후 2012년 콜럼비아 대학에서 석사학위를 받았다. 뉴욕 모마 PS1(2014), 파리 팔레드도쿄(2015), 베이징 울렌스 현대미술센터(2015), 겐트의 S.M.A.K.(2016), 비엔나의 Secession(2019), 포르투의 세할베스 현대미술관(2020) 등 유수 기관에서 개인전을 선보였고, 2019년 한 해에만 베니스 비엔날레와 휘트니 비엔날레, 이스탄불 비엔날레에 참여하는 등 세계적 명성을 얻고 있다. 그의 작품은 런던의 테이트모던, 뉴욕의 휘트니 미술관, 파리의 루이비통 재단, 방콕의 문화부 산하 현대미술부, 난징의 시팡 미술관 등이 소장하고 있다. 방콕과 뉴욕을 오가며 활동 중이다.
 
 
2 Elmgreen & Dragset present solo exhibition Short Story at Copenhagen Contemporary, Denmark

Elmgreen & Dragset, Short Story, 2020. Courtesy of the artist and KÖNIG GALERIE, Berlin, London, Tokyo. Photo: Roman Maerz

Artist: 엘름그린 & 드라그셋(Elmgreen & Dragset)
Exhibition Dates: April 21 – October 24, 2021 
Exhibition Venue: Copenhagen Contemporary, Denmark
Website: https://copenhagencontemporary.org/en/elmgreen-dragset/

The Scandinavian artist duo Elmgreen & Dragset are the subject of a solo exhibition titled Short Story, running from April 21 to October 24, 2021, at Copenhagen Contemporary, Denmark’s foremost contemporary art center focused on showcasing large-scale installations by international artists. In celebration of their solo show, the duo transformed Hall 2 of the venue into a tennis court featuring three figures, creating a surreal environment to raise attention to subjects such as competitiveness, individualism, and ideas of inclusion and exclusion implied by modern society.

In the gallery, which takes the form of a generic tennis court, stand three sculptures—each named Flo, Kev, and Bogdan. Flo and Kev, placed on opposite sides of the court divided in two by the net, induce a heightened sense of discomfort and tension, making it difficult for the viewer to distinguish between the winner and the loser. The third figurative sculpture depicts Bogdan, an elderly man half asleep in his wheelchair. With his eyelids closing, Bogdan appears aloof from the situation occurring between the two boys, withdrawing from the reality surrounding him. By portraying an emotionally charged moment after a tennis match, Elmgreen & Dragset allow the audience to interpret and understand the dynamics of the situation upon their own perspective, rather than providing a confirmed narrative. As suggested from the title of the exhibition—Short Story—the installation is almost reminiscent of a scene in a movie, conveying complex ideas in a very compact manner which allows for the audience to somberly reflect on the situation at hand.

엘름그린 & 드라그셋, 코펜하겐 컨템포러리(Copenhagen Contemporary)에서 개인전 《Short Story》 개최

북유럽 출신의 작가 듀오 엘름그린 & 드라그셋은 오는 4월 21일부터 10월 24일까지 덴마크를 대표하는 현대미술센터인 코펜하겐 컨템포러리에서 대형 설치작업 <Short Story>(2020)를 개인전 형식으로 선보인다. 미술관 제2전시실 공간 전체를 테니스 코트로 변모시킨 이들은 초현실적인 환경 내에 세 가지 인물조각을 긴장감 있게 배치하여, 현대사회에 만연한 경쟁심리와 개인주의, 그리고 사회적 구조 안에서 파생되는 소속과 배제에 대해 역설한다. 

평범한 테니스장처럼 보이는 전시장에는 플로(Flo), 케브(Kev), 보그단(Bogdan)이라는 이름의 세 가지 조각이 설치되어 있다. 네트를 가운데 두고 서로 테니스장의 반대편에 서있는 두 소년 플로와 케브는 승자와 패자를 구분할 수 없는 모호한 상황에서 서로에게 등을 돌린 채 묘한 불편함과 긴장감을 고조시킨다. 한편 테니스장 끝에서 휠체어를 타고 졸고 있는 노인 보그단은 이 둘을 그저 관망한다. 엘름그린 & 드라그셋은 단편적인 상황만을 제시함으로써 인물들의 대립과 관계, 사건의 흐름, 향후 전개에 대한 열린 해석의 여지를 남긴다. 또한 <Short Story>는 제목이 시사하듯 영화 속 한 장면을 포착한 듯한 간결하고 함축적인 구성을 통해 작품의 메시지를 더욱 적극적으로 재고하도록 관객들을 이끈다. 


[Source from the Copenhagen Contemporary website]
 
 
3 Kwon Young-Woo, subject of eponymous solo exhibition at Blum & Poe, Tokyo

Installation view of Kwon Young-Woo, Tokyo, 2021. Photo: SAIKI

Artist: 권영우(Kwon Young-Woo)
Exhibition Dates: April 3 – May 22, 2021 
Exhibition Venue: Blum & Poe, Tokyo, Japan
Website: https://www.blumandpoe.com/exhibitions/kwon_youngwoo_tokyo

Kwon Young-Woo, a pioneering figure of the seminal Korean postwar art movement referred to as Dansaekhwa, is the subject of a solo exhibition at Blum & Poe Tokyo, from April 3, 2021, through May 22, 2021. The solo presentation—which showcases a selection of Kwon’s signature works utilizing ink and paper—marks his first exhibition with the gallery in five years since his last show at Blum & Poe New York, and his first in Tokyo. While Kwon’s works have been featured in numerous group exhibitions in the past, his current solo presentation provides a more comprehensive understanding of the artist’s practice by scrutinizing his artistic vocabulary and technique with a wide range of works in various sizes. 

Stemming from Chinese ink painting traditions, Kwon began experimenting with techniques of scratching, puncturing, and cutting the delicate surface of the traditional Korean paper, hanji, in the 1960s. This unconventional approach to utilizing paper itself as a medium garnered much international acclaim, such as at the 1965 Tokyo Biennale and the exhibition Five Korean Artists, Five Kinds of White at Tokyo Gallery in 1975, which was the first exhibition where Dansaekhwa was introduced globally, and eventually validated status and potential of Kwon’s work in the international art market. Throughout his career, the artist continuously experimented with paper as a material as well as a technique, actively expanding the scopes of his artistic vocabulary. Untitled (1988), which depicts a pale blue surface punctured with numerous holes, and Untitled (2002), which delivers a unique tension between the paper and the canvas, are notable examples of the artist’s commitment to experimentation. As the gallery is currently open by appointment only, the six-week-long exhibition can be visited by making a reservation via the Blum & Poe website (https://blumandpoe.com/reservation). 

권영우, 블럼앤포 갤러리 도쿄에서 동명의 개인전 개최

한국 단색화의 거장 권영우의 개인전이 4월 3일부터 5월 22일까지 블럼앤포 도쿄점에서 개최된다. 지난 2016년 블럼앤포 뉴욕 이후 약 5년 만에 해당 갤러리에서 열리는 전시이자 도쿄에서 선보이는 첫 개인전으로, 작가를 대표하는 종이 위의 잉크 작업들을 다수 선보인다. 과거 작가의 작업들이 다양한 그룹전을 통해 단편적으로 소개되었다면, 이번 개인전은 권영우의 작품세계와 작업기법 등을 집중조명하며 소품부터 대작까지 다양한 작품들을 폭넓게 소개한다.  

잉크를 사용한 수묵화를 기반으로 작업했던 권영우는 1960년대 들어 한국 전통매체인 한지의 표면을 손톱과 도구로 긁고, 뚫고, 찢는 등의 행위를 통해 작품을 제작했다. 종이에 대한 작가 고유의 비정형적인 접근은 당시 1965년 도쿄 비엔날레 등 해외에서도 큰 주목을 받았는데, 특히 지난 1975년 동경화랑에서 열린 《다섯 가지의 흰색전(Five Korean Artists, Five Kinds of White)》을 통해 세계 미술시장에서의 가능성을 입증했다. 이후에도 권영우는 종이라는 재료와 관련기법에 근본적인 의문을 제기하며 자신의 작품세계를 끊임없이 확장해나갔다. 이번 개인전에서 전시되는, 푸른 표면에 무수히 뚫려있는 구멍들이 인상적인 작업 <Untitled>(1988)와 종이와 캔버스 사이의 여백이 긴장감 있는 리듬감을 생성하는 <Untitled>(2002) 등의 작품들이 이러한 지속적인 실험의 대표적인 예시라 할 수 있다. 약 6주 동안 진행되는 이번 개인전은 사전예약제로 운영되며, 블럼앤포 홈페이지(https://blumandpoe.com/reservation)를 통해 신청할 수 있다.  


[Source from the Blum & Poe website]